Творчество древнерусских иконописцев. 7 страница

№ 22. Фовизм (дикий) — направление во французской живописи и музыке конца XIX — начала XX века. На парижской выставке 1905 года были продемонстрированы полотна художников, оставлявшие у зрителя ощущение исходящих от картин энергии и страсти, один из французских критиков назвал этих живописцев дикими зверями. Так случайное высказывание вошло и закрепилось как название за всем течением. Художественной манере фовистов были свойственны стихийная динамичность мазка, стремление к эмоциональной силе художественного выражения, яркий колорит, пронзительная чистота и резкие контрасты цвета, интенсивность открытого локального цвета, острота ритма. Фовизм выразился в резком обобщении пространства, рисунка, объема. Характеризуется предельно интенсивным звучанием открытых цветов, сопоставлением контрастных хроматических плоскостей, сведением формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Группа заявила о себе на парижских выставках 1905—1907 гг., однако вскоре объединение распалось, и творческие пути участников разошлись. Название направления отражает реакцию современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок.Фовизм в живописи характеризуется яркостью цветов и упрощением формы. Как направление просуществовало недолго — примерно с 1898 по 1908 год. Вдохновителями фовистов послужили постимпрессионисты Ван Гог и Гоген, предпочитавшие субъективный интенсивный цвет цвету мягкому и натуральному, свойственному импрессионистам. Главой этой школы считается Матисс, который свершил полный разрыв с оптическим цветом. На его картине женский нос вполне мог быть зеленого цвета, если это придавало ей выразительности и композиции. Матисс утверждал: «Я рисую не женщин; я рисую картины». Любопытно, что название этого течения происходит от французского буквально, «дикие», как назвал фовистов критик Луи Восель в 1905 году. Сами же художники никогда не признавали над собой данного эпитета.Музыкальный фовизм. В этом стиле писал произведения Игорь Стравинский в ранний период своего творчества.Картина исполнена по заказу Сергея Щукина. Начав ее как „Гармонию в голубом" в 1908, Матисс взял за отправную точку ту декоративную ткань с голубыми узорами, ткань из Жуи, которую очень любил и сохранял в реквизите ателье до конца жизни. Несколько раньше эта ткань была запечатлена в картине „Ваза, бутылка и фрукты", немного позже — в „Натюрморте с голубой скатертью". Прибегнув к композиционной схеме, которой он следовал еще в реалистической „Бретонской служанке" (1896, картина всегда оставалась в собрании художника, сейчас Музей Матисса), а затем в импрессионистическом „Десертном столе" (1897), Матисс наполняет испытанную прежде схему новым содержанием, если понимать под содержанием совершенно новую красочную структуру. Судить о том, какой была „Гармония в голубом", можно по оставшимся непереписанными зеленовато-голубым полоскам прежней живописи у кромок холста и цветному диапозитиву первого состояния картины. Накануне Осеннего салона 1908, для которого предназначалась „Гармония в голубом", с тем, чтобы потом отправиться в Москву к Сергею Щукину, Матисс неожиданно кардинально переписал ее. Как объяснил художник в письме:,,.он показался мне недостаточно декоративным и я не мог поступить иначе. как только снова приняться за него, чему сегодня я радуюсь. Ибо даже те, кто вначале считал, что он сделан хорошо, теперь находят его значительно более красивым. Сам я очень удовлетворен схемой..." В России картина более известна как „Красная комната". И вот Матисс с полной свободой в полотне “Красная комната” соединяет поверхность стола и стену в единую, ровную плоскость. Так художник понимал композицию – размещение декоративным образом различных элементов для выражения своих ощущений. Эти изгибающиеся линии, при этом, подчиняются определенному ритму. А пространство как бы сплющивается, и предметы словно становятся частью орнамента. Матисс любил говорить, что линия играет в картине огромную роль, ибо “цвет и линия – это силы и в игре этих сил, в равновесии их скрыта тайна творения”.

№ 26. Сюрреализм — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основателем и идеологом сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон. Подзаголовком «сюрреалистическая драма» обозначил в 1917 году одну из своих пьес Гийом Аполлинер. Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Луис Бунюэль, Жан Кокто, Ян Шванкмайер и Дэвид Линч. Сюрреализм в фотографии получил признание благодаря пионерским работам Филиппа Халсмана.Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически). Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода а также иррациональность.Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро и Одилон Редон. Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание. Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они провозглашали неконтролируемое создание текстов — автоматическое письмо. Одной из техник сюрреализма была, изобретённая Вольфгангом Пааленом, фьюмаж. Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления (пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Рене Магритта). Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе. Примеры — картины Луиса Бунюэля, Дэвида Линча, Яна Шванкмайера. Как-то Дали сказал: «Сюрреализм — это я!». Постоянство памяти — одна из самых известных картин художника Сальвадора Дали. Находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке с 1934 года. Эта небольшая картина (24x33 см) — вероятно, самая известная работа Дали. Размягченность висящих и стекающих часов — очень точный образ, лучше любых других, даже самых невероятных искажений подрывающий веру в естественный, закономерный порядок вещей. Этот образ распространяется и в область бессознательного, оживляя универсальное человеческое переживание времени и памяти. Здесь присутствует и сам Дали в виде спящей головы, уже появлявшейся в «Траурной игре» и других картинах. Сообразно своему методу, художник объяснял происхождение сюжета размышлением о природе сыра камамбер; пейзаж с Порт Лигат был уже готов, так что написать картину было делом двух часов. Вернувшись из кино, куда она ходила в тот вечер, Гала совершенно правильно предсказала, что никто, раз увидевши «Постоянство памяти», уже его не забудет. Картина была написана в результате ассоциаций, возникших у Дали при виде плавленого сыра, о чем говорит его же цитата.

Дата добавления: 2015-05-26