Абстракционизм

Абстракционизм (от лат. отвлечение) — беспредметное искусство, нонфигуративное искусство, обобщающее название для целого ряда художественных движений в искусстве XX в. Для абстракционизма характерны спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических абстрактных формах (абстрактный экспрессионизм и супрематизм), предельное обобщение или полный отказ от формы, беспредметные композиции (из линий, точек, пятен и др.), эксперименты с цветом.

Основоположники абстракционизма В.Кандинский и К.Малевич использовали понятие «беспредметное искусство», указывая при этом, что отсутствие предмета в картине не есть отсутствие в ней смысла. Многие движения внутри абстракционизма отчасти сохраняли предметность, чтобы выявить в изображаемых объектах некие первичные, абсолютные сущности пластического или идеального характера. Художники стремились работать с чистыми формами, которые возникли еще в предшествующую эпоху у постимпрессионистов.

В первой половине XX в. в абстрактном искусстве господствует геометрическое направление (П. Мондриан). В годы Второй мировой войны в США сложилась школа абстрактного экспрессионизма, распространившегося затем во многих странах Европы. Художники ставили своей целью запечатлеть на полотне в обобщенной форме энергию творческого процесса, передать спонтанный характер творчества через случайно возникающие эффекты. Ярчайшим лидером абстрактного экспрессионизма был Дж. Поллок. В скульптуре абстракционизм выразился несколько меньше, чем в живописи. Ряд интересных работ с применением нетрадиционных методов и материалов принадлежит Ж. Миро, Г. Муру и др.

Представители некоторых течений в абстрактном искусстве создавали логически упорядоченные конструкции, что перекликалось с поисками рациональной организации форм в архитектуре и дизайне (супрематизм русского живописца К. Малевича, конструктивизм и др.). Абстракционизм был откликом на общую дисгармонию мира и имел успех, потому что провозглашал отказ от сознательного в искусстве (это было актуально для XX в.) и призывал «уступить инициативу формам, краскам, цвету».

Голландский живописец Пит Мондриан (1872 — 1944) был теоретиком авангардистского искусства. По его мнению, искусство должно быть полностью лишено личностного начала, так как мир наших чувственных впечатлений — это ложный мир, сотканный из противоречий. Истинные отношения вещей завуалированы материей, и люди, не знающие их, являются рабами видимости. Задача нового искусства состоит в том, чтобы очистить природные формы от первоначального хаоса и дать им новые образ, структуру и звучание. Эту процедуру Монд­риан называл «денатурализацией» искусства. Он стремился к геометрической абстракции. Художник считал, что свободу от материализации может обеспечить современная техника, делающая жизнь абстрактной. Он рекомендовал отказаться от трехмерности изображения и сократить палитру.

Для этого Мондриан предлагал три правила живописи: 1) цвет должен быть плоским; 2) цвет должен быть одним из основных цветов спектра; 3) цвет должен быть «фактически обусловлен, но никоим образом не ограничен». Черный, белый и серый при этом могут играть роль фона.

Мондриан начинал с реалистической пейзажной живописи и затем через разные стадии схематизации объекта пришел к абстрактной форме. Наглядно это можно проследить по картинам, показывающим превращение реалистического изображения цветущего дерева в геометрическую схему (1910—1911). Поворотным пунктом в творчестве Мондриана стала картина «Красные небеса» (1907), обозначившая его обращение к экспрессионистскому стилю письма. Через год он закончил картину «Ветряные мельницы в солнечном свете», в которой впервые ограничил себя использованием трех основных цветов — красного, синего и желтого. Его триптих «Эволюция» (1910/1911) стал программной работой: в ней показано развитие человека, и каждая более высокая ступень эволюции интенсивно освещена.

Период с 1912 по 1914 г. связан у Мондриана с творческим переосмыслением программы кубизма и созданием геометрического стиля. В 1912 г. Мондриан создал первые образцы «прямоугольной живописи», названной им позднее неопластицизмом. По его мнению, следование правилам неопластицизма необходимо не только для переосмысления творчества, но и для постепенного изменения принципов самой жизни. Неопластицизмом, таким образом, мыслился художником как путь к переустройству общества.

В 1919г. появились абстрактные работы Мондриана: световые и цветовые плоскости он располагал в каркасах строго прямоугольных форм. Часто в картинах, которые художник именовал «композициями», господствующее положение занимал четырехугольник больших размеров. Например, на полотне «Композиция с красным, желтым и голубым» (1921) черная решетка пересекает белый фон. Отдельные ее ячейки заполнены яркими основными цветами. С течением времени линии цветовых полей в работах Мондриана становились все более закругленными. Даже свою жизнь Мондриан подчинил собственной художественной теории: его жилье по декору полностью соответствовало тому, что было изображено на его картинах. Листья единственного в доме растения он заштриховал белым.

В 1940-е годы Мондриан перебрался в Нью-Йорк. Впечатления от бьющей ключом жизни большого города, а также от джазовой музыки отразились в картинах того времени: в них по-прежнему присутствует четкая геометрическая основа, а мерцающие цветовые поля выстроены в ровные линии («Буги-вуги, Бродвей», 1942/1943; «Буги-вуги, победа», 1944, незаконч.).

Джексон Поллок (1912 — 1956) — американский живописец, один из основоположников абстрактного экспрессионизма, лидер «живописи действия». Она представляет собой метод спонтанного нанесения краски на полотно при помощи кисти или мастихина, иногда расплескивания и разбрызгивания ее прямо из банки (дриппинг). Такая живопись не имеет ничего общего с традиционными художественными формами. Целью художника было «напрямую переносить П. Мондриан. Композиция творческий процесс на полотно», зафиксировать в произведении энергию непосредственного действия. Примерно в 1947 г. Поллок открыл для себя так называемый «капельный» метод, позволивший ему вплотную приблизиться к своей цели: полотно он клал на пол и покрывал его каплями краски, беспорядочно стекающей с кисти, из жестяной банки или продырявленного ведра. Иногда Поллок с силой метал краски на поверхность, смешивая их друг с другом. Он создавал свои произведения и таким способом: предварительно смешивал краски с песком или стеклянной крошкой и затем наносил эту смесь на полотно толстым слоем.

Процесс создания картины для Поллока был не менее важным, чем конечный результат. О своей манере работы художник отзывался так: «На полу я являюсь частью картины». Он целиком и полностью отдавался вдохновению, а возникающие в процессе работы продукты «подсознательной» деятельности подвергал в дальнейшем «осознанной» обработке. С помощью деревянных палочек, ножей, мастерков и других подобных инструментов Поллок снимал лишний слой краски, что-то процарапывал и дорисовывал. Он подчеркивал, что в его живописи присутствует не только случайность, но и некое рациональное начало, так как художник может контролировать процесс растекания краски. К периоду между 1947 и 1950 г. относятся наиболее известные произведения художника: «Собор», «Номер 1: Белый какаду», «Туманность цвета синей лаванды» и «Осенний ритм». Особенность этих картин — прерывистые переплетения цветных линий, просветы в которых дают возможность увидеть фон. Для своих работ Поллок выбирал большие форматы, так как, по его мнению, мольбертная живопись устарела. Будущее живописи он видел в настенных росписях. Наряду с живописью абстракционизм ярко проявился в скульптуре.

Генри Мур (1898—1986) — английский скульптор, мастер реалистических и абстрактных скульптур. Окончил Королевский колледж искусства в Лондоне и преподавал там до 1933 г. В своем творчестве испытал влияние древней мексиканской пластики и негритянского искусства. В них он открыл то, чего, по его мнению, не хватало современной скульптуре, — религиозное чувство как первопричину общения человека с миром. Мур искал в скульптуре пластику архаичных форм, отдавая равное предпочтение как заполненному, так и пустому пространству. Он радовался, когда дыры в его скульптурах обживали птицы, принимая рукотворные формы за природные объекты. Монументальные и гармоничные объекты словно возвращаются скульптором на их естественное место.

С начала 1920-х годов любимыми мотивами художника были «Мать и дитя», «Семейная группа». Его лучшим произведениям свойственны пластичность, обобщенность и монументальность форм, гармонично взаимосвязанных с природной и архитектурной средой («лежащие» и «сидящие» фигуры). Например, «Лежащая фигура — обретение первобытного единства человека с миром, восстановление целостности бытия, кажется, что она создана природными силами: ветром и солнцем. Фигура едва намечена. Она словно рождается, пытаясь оторваться от земли. Фантастически причудливым образам Мура присуши напряженная композиция, ритмическая цельность и выразительность декоративно обобщенного силуэта (скульптурная группа «Король и королева» 1952— 1953 гг.; «Лежащая фигура» 1957— 1958 гг., здание ЮНЕСКО, Париж).

Дата добавления: 2014-01-06