Концептуализм

Оп-арт

Оп-арт (оптическое искусство) — направление в искусстве, сложившееся в 1950-е годы и получившее широкое распространение в 1960-е годы. Рассматривая картины оп-арта, зритель должен постоянно менять угол зрения, приближаться или удаляться от полотна, двигаться вдоль него. В процессе перемещений можно заметить, как формы появляются и исчезают, перетекают одна в другую, а краски удивляют необычными эффектами.

Художники оп-арта использовали различные зрительные иллюзии, опираясь на особенности восприятия плоских и пространственных фигур. Эффекты пространственного перемещения, слияния, парения форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечением спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. В оп-арте часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции. Иллюзии струящегося движения, вспышки, последовательной смены образов, неустойчивой, непрерывно перестраивающейся формы возникают в оп-арте автоматически, т.е. провоцируется образ фиктивный, присутствующий только в ощущении зрителя. Направление продолжает техницистскую линию модернизма. Видные представители оп-арта: Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Хесус Рафаэль Сото, Ричард Анушке-вич, Ларри Пунз, Карлос Крус-Диес.

Виктор Вазарели (1908-1997) – венгр по происхождению, основатель оп-арта, интересовался механизмами зрительного восприятия, а также воздействием цветовых эффектов. Начиная с 1960-х Вазарели пропагандировал серийные произведения искусства. Лучшие вещи художника — «Зебра», «Голубой этюд», «Фольклор», «Арктур //» и др.

Еще в начале 1930-х годов Вазарели создавал черно-белую графику на листах, обыгрывая оптические эффекты. Так, черно-белые контрасты и геометрические образцы он переводил в фигурные формы (тигр, зебра и т.п.). При этом художник работал со сдвигом позитива к негативу и передавал движение с помощью волнистых линий различной ширины. На картине «Арлекин» (1933) он изобразил объемно-пластическую фигуру на фоне, напоминающем шахматную доску.

Рассматривая прибрежную гальку, Вазарели пришел к открытию, «что чистый цвет и чистая форма могут вместить в себя весь мир». Для так называемого периода «прекрасного острова» (1947— 1954) в творчестве Вазарели характерны эллиптические формы. Дальнейшие наблюдения подвели Вазарели к «кристаллическому периоду» (1948—1960), в продолжение которого художник пытался в своих работах дать толкование пространству как таковому. Он был потрясен, увидев, что открытые окна в свете полуденного летнего солнца, если наблюдать за ними снаружи, превращаются в черные кубы, изнутри же они смотрятся как белые квадраты. После этого Вазарели составлял свои работы, обыгрывая различные условия восприятия композиций. Обычно он предусматривал варианты «прочтения» зрительного ряда по вертикали, по горизонтали или по диагонали. Один из аспектов творчества художника состоял в стремлении устранить различия между «реальными» и «иллюзорными» ощущениями.

В 1950-е годы Вазарели создавал контрастные картины из цветных частиц и тонких цветовых полос, используя эффект мерцания, монтировал стеклянные пластины в ящиках по линейным, ромбическим или прямоугольным образцам (например, «Со-ната-Т», 1953). При смене места возникали новые эффекты наслоения, восхищающие зрителя.

В «Желтом манифесте» (1955), названном по цвету бумаги, на которой он был напечатан, Вазарели показал, как можно передать иллюзию движения плоскостей, благодаря чему двумерная живопись завоевывает третье измерение. Эти теоретические выкладки легли в основу оп-арта. В конце 1950-х художник придумал «арт-алфавит» из различных геометрических форм и цветов, которые могут бесконечно комбинироваться в точные конструкции. После этого Вазарели оставалось только передавать своим помощникам соответствующие данные, чтобы, опираясь на них, они могли собрать задуманные художником работы. Исходя из собственных методов работы, Вазарели не признавал особой ценности оригиналов произведений искусства. Для него существовали лишь так называемые прототипы, на основе которых работы могут выдаваться большими тиражами. Такие тиражированные картины Вазарели называл не репродукциями, а воспроизведениями.

С середины 1960-х годов Вазарели увлекся преобразованием кристаллических структур. Отдельные их элементы он помещал поочередно то на передний, то на задний план. Художник стремился дать принципам оп-арта научное обоснование и создать универсальный язык искусства.

Фотореализм (гиперреализм)

Фотореализм, или гиперреализм (от англ.), — направление в живописи и скульптуре, зародившееся в США и ставшее событием в мировом изобразительном искусстве 1970-х годов.

Художники этого направления имитировали фото живописными средствами на холсте. Они считали, что их творчество наиболее доступно для понимания, так как восприятие фотографий не составляет большого труда. Фотореалисты изображали мир современного города: витрины магазинов и ресторанов, станции метро и светофоры, жилые здания и прохожих на улицах. При этом особое внимание обращалось на блестящие, отражающие свет поверхности: стекло, пластик, полировку автомобилей и др. Игра отражений на таких поверхностях создает впечатление взаимопроникновения пространств. Целью гиперреалистов было отобразить мир не просто достоверно, а сверхпохоже, сверхреально. Для этого они применяли механические способы копирования фотографий и увеличения их до размеров большого полотна — диапроекцию и масштабную сетку. Краску, как правило, распыляли аэрографом, чтобы сохранить все особенности фотоизображения, исключить проявление индивидуального почерка художника.

Наиболее видными представителями фотореализма являются художники Р.Эстес, Г.Ч.Клоуз, Д.Хэнсон, Д.Эдди, Р. Коттингем, Л. Несбитт. Например, американец Г. Ч. Клоуз создавал гигантские фотопортреты, Р.Эстес делал точные копии фотографий.

Добиваясь тождества изображения и реальности, гиперреалисты использовали муляжи художественных объектов. На выставках гиперреалистов устанавливали человеческие фигуры, выполненные в натуральную величину из современных полимерных материалов, одетые в готовое платье и раскрашенные таким образом, что они совершенно не отличались от зрителей, например композиции Д.Хенсона «Автопортрет с моделью» и «Туристы». Это вызывало много путаницы и шокировало посетителей.

Фотореализм поставил своей задачей обострить восприятие обыденности, превращая современную среду в символ, отразить время в формах «технических искусств», широко распространившихся в эпоху технического прогресса. Фиксируя и обнажая современность, скрывая авторские эмоции, гиперреалисты в своих программных работах оказались на границе изобразительного искусства и чуть ее не переступили, стремясь соперничать с самой жизнью.

Концептуализм — это интернациональное движение в искусстве XX в., реализовавшееся в области пластических искусств и литературе. С конца 1960-х годов сформировалось концептуальное направление в живописи. Видные представители концептуального искусства: Р.Барри, А.Берн, Л.Левин, С.Левит, М.Рэмсден, Х.Хааке, Д. Хьюблез и др. В это время ярко проявили себя и московские художники.

Концептуализм — направление, объединяющее процесс творчества и процесс его исследования. В соответствии с этими установками на выставке концептуалистов кроме картин с необычным содержанием экспонируются фотографии, репродукции, тексты, ксерокопии, телеграммы, графики, схемы и объекты, не имеющие функционального назначения. Во многих концептуальных работах используются природные материалы в их чистом виде: земля, снег, трава, зола и пепел от костра.

Произведения концептуального искусства вызывают определенный дискомфорт у зрителей не только за счет непривычного или раздражающего внешнего облика, но и главным образом за счет иных правил их восприятия, нарушающих укоренившуюся привычку общения с искусством. Такие произведения не опираются на непосредственное восприятие, не требуют сопереживания, к ним не применимы традиционные эстетические критерии оценки. Например, художники Кристо и Жан Клод в феврале 2005 г. в Центральном парке Нью-Йорка установили 7,5 тыс. стальных ворот со свисающими с поперечных перекладин оранжевыми полотнищами. Ворота ничего не символизируют, никуда не ведут, а просто помогают разбудить фантазию.

Концептуалисты считают самым важным найти замысел, а вот воплощать его совершенно не обязательно: необходимо лишь зафиксировать идею. Поэтому их произведения носят порой характер художественных жестов. Значение имеет не само изображение, а его смысл. Художники нередко заимствуют свои идеи из философии, психоанализа, кино и политики. В сферу концептуального искусства входит также видеоарт — использование аудиозаписей, кино- и телевизионной техники. Картина, перформанс, инсталляция, энвайронмент, акция — основные формы реализации концептуализма.

Дата добавления: 2014-01-06