Русская музыка XX века

В начале 20-го века русская музыкальная культура выдвинула талантливую плеяду композиторов-новаторов И. Стравинского и С. Прокофьева. Среди знаменитых мастеров старшего поколения были Н. Мясковский, Д. Кастальский.

Стравинский Игорь Федорович. Родился в Ораниенбауме близ Петербурга. С ранних лет приобщился к высоким достижениям отечественного искусства в доме отца – певца (бас) Мариинского театра Ф. И. Стравинского, где бывали известные музыканты, литераторы, актёры, художники. С 9-летнего возраста учился игре на фортепиано. С 18 лет начал самостоятельно изучать музыкально-теоретические предметы (увлекся контрапунктом). По настоянию отца одновременно (1900-1905) занимался на юридическом факультете Петербургского университета. Для формирования Стравинского-музыканта решающей явилась встреча летом 1902 года с Н. А. Римским-Корсаковым, у которого в 1903-1905 гг. он брал частные уроки. Наиболее крупное из первых сохранившихся в рукописи сочинений Стравинского - фортепианная соната (1903-1904).

К 1910 году Стравинский был уже автором нескольких публично исполненных в Петербурге песен и оркестровых сочинений – сюиты для голоса и оркестра «Фавн и пастушка», симфонии, «Фантастического скерцо». На премьере последнего (1909) присутствовал С. П. Дягилев, который заказал Стравинскому балет «Жар-птица». Дягилев и руководимое им литературно-художественное объединение «Мир искусства» сыграли значительную роль в становлении эстетических взглядов Стравинского и в дальнейшем продвижении его как композитора на «Русских сезонах» в Париже состоялись премьеры балетов Стравинского «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913). Эти произведения утвердили мировую славу Стравинского.

С 1914 года композитор жил за границей. Годы первой мировой войны (1914-1918) Стравинский провёл в Швейцарии, с 1920 года жил во Франции, с 1940 года в США, где впервые выступил как дирижёр ещё в 1925 году. Посетил СССР осенью 1962 года.

В 20-х гг. началась небывалая по масштабам концертная деятельность Стравинского как дирижёра-исполнителя собственных произведений (он дирижировал также некоторыми произведениями М. И. Глинки и П. И. Чайковского). В течение последующих 40 лет Стравинский выступал как симфонический или театральный дирижёр во всех крупных городах мира.

Художник с разносторонними интеллектуальными запросами, Стравинский встречался со многими выдающимися деятелями литературы и искусства, философами, с некоторыми из них поддерживал дружеские отношения. Исключительно широкими духовными интересами Стравинского определяется универсализм его творчества. Однако он всегда сознавал свою принадлежность к русской художественной культуре.

Стравинский – один из русских композиторов ХХ века, которые оказали огромное влияние на развитие современной музыки. В его творчестве сочетались разные, часто противоречивые черты, характерные для мирового музыкального искусства ХХ столетия. Эти противоречия, как и сложность самой личности Стравинского, отразившаяся в творчестве, изменчивость его эстетической и гражданственной позиций вызывали и по сей день вызывают непрекращающиеся дискуссии о нём. Он внёс свежую струю в современное искусство, не порывая с традициями, но с исключительной смелостью обновляя их. Свежесть в праздничном тонусе звучания его музыки, в её крепкой «жизненной хватке», мужественной энергии, в том рационально-созидательном начале, которое присуще искусству Стравинского в целом. Его образно-выразительные открытия обогатили музыку ХХ века; наиболее значительным оказалось воздействие его произведений «русского периода» - они чаще других исполняются в концертах, входят в репертуар музыкального театра.

Произведения:

оперы: лирическая сказка «Соловей» (1908), опера-буффа «Мавра» (1922),

«Царь Эдип» (1927), «Похождения повесы» (1951);

балеты, среди них: «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911), «Весна священная» - картины языческой Руси в 2 частях (1913);

«Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана» – весёлое представление с пением и музыкой (1917), «Песнь Соловья» (1920), «Пульчинелла» (1920), «Свадебка» (1923), «Аполлон Мусагет» (1928), «Поцелуй феи» (1928);

для солистов, хора и оркестра: «Священное песнопение во славу имени св. Марка» (1956); «Threni» – Плач пророка Иеремии (1958), «Проповедь, притча и молитва» кантата (1961), «Заупокойные песнопения» (1966);

сочинения для хора и оркестра;

сочинения для хора и камерно-инструментального ансамбля;

сочинения для оркестра, среди них: 3 симфонии, концерт «Дамбартон-Окс» (1938), «Фантастическое скерцо» (1908);

концерты для инструмента с оркестром, т акие как: концерт для скрипки (1931), «Движения» для фортепиано (1959), концерт для фортепиано и духовых инструментов (1924);

сочинения для хора а сappellа

Прокофьев Сергей Сергеевич. Родился в деревне Сонцовка Екатеринославской губернии в семье агронома. Уроки игры на фортепиано начинает брать в пятилетнем возрасте, а уже шестилетним ребёнком делает попытки сочинять музыку.

В одиннадцать лет Прокофьев начинает изучать композицию у Глиэра, а в 1904 году поступает в Петербургскую консерваторию в класс композиции (Лядов) и фортепиано. Ещё будучи учеником консерватории, Прокофьев совершает свои первые гастрольные поездки.

После Октябрьской революции Прокофьев выезжает в США, а затем – во Францию. К этому времени он написал свои самые выдающиеся произведения, в том числе оперу «Любовь к трем апельсинам».

В 1932 году он вернулся на Родину. Со временем ему удалось найти общий язык с новыми слушателями, выработать в своём творчестве новые музыкальные формы, соответствующие эстетическим вкусам нового общества. Прокофьев скончался в 1953 году в Москве, окруженный всеобщим признанием.

Мировая слава Прокофьева и богатейшее творческое наследие ставят его в ряды крупнейших композиторов ХХ века.

Для стиля музыки Прокофьева характерны острота ритма и мелодии, порой поражающие своей неожиданностью гармонические сочетания, ясность и простота формы. Абсолютно не стремясь в своей музыке к внешним эффектам, Прокофьев пользуется самыми простыми выразительными средствами и образами. В произведениях, созданных им после возвращения из эмиграции, проявляется всё большая сдержанность, исчезает обострённость, до этого особенно характерная для композитора.

Художник-новатор огромного дарования, Прокофьев обогатил русское и мировое музыкальное искусство выдающимися произведениями, проникнутыми глубокой человечностью, остротой образных характеристик и оригинальностью музыкальных средств выражения.

Произведения:

оперы: «Игрок» (1915-1916), «Любовь к трем апельсинам» (1919), «Огненный ангел» (1919-1927), «Обручение в монастыре» (1940); «Семен Котко» (1939), «Война и мир» (1941-1943);

балеты: «Стальной скок» (1925), «Блудный сын» (1928), «Ромео и Джульетта» (1935-1936), «Золушка» (1945), «Сказ о каменном цветке» (1948-1950);

кантаты: «Александр Невский» (1938-1939);

7 симфоний, среди них: «Классическая» (1916-1917), Пятая симфония (1944);

«Скифская сюита» (1914);

сонаты: 12 для фортепиано (7-я соната - 1942), 3 сонатины, 2 для фортепиано и скрипки (1-я соната - 1946);

концерты для фортепиано с оркестром (5;)

концерты для скрипки с оркестром (2;)

концерты для виолончели с оркестром (2;)

музыка к кинофильмам: «Поручик Киже» (1933), «Александр Невский» (1938), «Лермонтов» (1941), «Иван Грозный» (1942, 1946);

симфоническая сказка «Петя и Волк» (1936);

пьесы для фортепиано, в том числе: «Мимолётности» (1915-1917), «Сказки старой бабушки» (1918);

пьесы для разных инструментов, песни, камерные произведения

для голоса и фортепиано «Гадкий утенок» (1914).

В советские годы возник, по существу, новый в отечественной музыке жанр – героическая оратория, получила развитие хоровая песня. Широкий размах приобретает детская музыка.

Среди ярких представителей артели композиторов, воспитанники русских консерваторий – Д. Шостакович, Д. Кабалевский, А. Хачатурян.

Шостакович Дмитрий Дмитриевич. Родился в Петербурге. Окончил Ленинградскую консерваторию по классу фортепиано, композиции. Концертировал как пианист в течение ряда лет; в 1927 году на 1-м Международном конкурсе пианистов им. Ф. Шопена в Варшаве получил почётный диплом. Был выдающимся исполнителем своих фортепианных произведений. С 1937 года преподавал композицию в Ленинградской, в 1943-1948 гг. в Московской консерваториях (с 1939 года профессор); среди его учеников – К. А. Караев, Г. В. Свиридов.

Общепринято выделять в творчестве Шостаковича 3 этапа: ранний, средний и поздний (последнее десятилетие жизни композитора). Однако хронологические границы этапов достаточно условны, каждый из них внутренне неоднороден.

Собственно ранними можно считать лишь сочинения, написанные до 1-й симфонии (1925), которая явилась крупнейшим событием советской музыкальной культуры и положила начало мировой известности автора. В симфонии Шостакович дал оригинальный вариант трактовки жанра «симфония - психологическая драма»; это произведение отличают активность, динамический напор, неожиданность контрастов, рождающихся из полярного перевоплощения основных тем-образов.

Вслед за 1-й симфонией начинается краткая полоса «антиакадемического» экспериментирования в области музыкальных средств.

На конец 1920-х - начало 30-х гг. приходится огромное количество партитур Шостаковича для театра и кинематографа. Прикладные партитуры, например, музыка к кинофильмам «Новый Вавилон» (1929) и «Златые горы» (1931), к спектаклям «Клоп» (1929) и «Гамлет» (1932) стимулировали приток новой образности в искусство Шостаковича. Это время отличается повышенным вниманием Шостаковича к тембровой характеристичности, броскости социальных карикатур, выдвижению на первый план моторно-ритмического начала.

Театральность в широком смысле слова была врождённой чертой дарования Шостаковича. Его опера «Нос» (1928), оригинально воплотившая «фантастический реализм» повести Н. В. Гоголя, окрашена полемическим азартом, пародийным отрицанием канонов оперности. Важнейшей вехой в творчестве Шостаковича стала опера «Леди Макбет Мценского уезда» («Катерина Измайлова», 1932) по Н. С. Лескову. Здесь присутствуют и открытая лирика, и широкое обобщение элементов русской народной песенности.

Порогом зрелости в симфоническом жанре была 4-я симфония (1936) с её сложной философско-трагедийной концепцией, гигантскими пропорциями, кричащей остротой контрастов, свидетельствовавшая об интенсивном усвоении традиций Г. Малера

Для предвоенного периода творчества Шостаковича характерно выдвижение камерно-инструментального жанра на положение, равноправное симфонизму. И 1-й концерт для скрипки с оркестром (1948) и 10-я симфония (1953), несмотря на прочность связей с сочинениями предвоенных лет, принадлежат к новому этапу творчества Шостаковича. Постоянные обращения композитора к слову повлекли за собой качественные изменения стиля: более широкое внедрение песенного мелоса, использование вокальных приёмов развёртывания тематизма в инструментально-симфонической музыке.

24 прелюдии и фуги для фортепиано (1951) – первый подобный цикл в русской музыке - можно назвать энциклопедией зрелого стиля композитора. Многие прелюдии вызывают непосредственные, программные ассоциации в духе народно-массовых сцен русских эпических опер. Очевидна песенная природа тем ряда фуг.

Произведения 70-х гг. в значительной степени продолжают тенденции, наметившиеся ещё во 2-й половине 60-х гг.: максимальная экономия выразительных ресурсов, обогащение интеллектуальной и эмоциональной «нагрузки» каждой детали.

15-я симфония (1971) замыкает круг развития жанра симфонии у Шостаковича, синтезируя образно-стилистические элементы, сложившиеся на разных этапах. Она содержит немало перекличек с творчеством среднего, «классического» периода. По сжатости пропорций, лаконизму и прозрачности письма 15-я симфония близка к 1-й и 9-й симфониям, но в отношении философской объёмности и многозначности всецело принадлежит позднему периоду.

Произведения:

оперы: «Нос» (1928), «Леди Макбет Мценского уезда» («Катерина Измайлова», по Н. С. Лескову, 1932), «Игроки» (по Гоголю, неоконч.);

балеты: «Золотой век» (1930),«Болт» (1931), «Светлый ручей» (1935);

музыкальная комедия «Москва, Черёмушки» (1958);

для солистов, хора и оркестра: оратория «Песнь о лесах» (1949), кантата «Над Родиной нашей солнце сияет» (1952), «Поэма о Родине» (1947), «Казнь Степана Разина» (слова Е. А. Евтушенко, 1964), «Гимн Москве» (1947),«Гимн РСФСР» (1945);

для оркестра, среди них: 15 симфоний, из музыки к трагедии «Гамлет» Шекспира (1932);

концерты для инструмента с оркестром: 2 для фортепиано (1933, 1957), 2 для скрипки (1948, 1967, посвящены Ойстраху), 2 для виолончели (1959, 1966); для духового оркестра – Марш советской милиции (1970), сюита для джаз-оркестра (1934);

камерно-инструментальные ансамбли,

40 романсов на стихи разных поэтов,

музыка к кинофильмам,

инструментовка сочинений М. П. Мусоргского.

Выдающиеся труды созданы советскими музыковедами – Б. Асафьев, Б. Яворским. Глубоко разработаны многие проблемы истории и теории музыки, музыкальной эстетики, музыкальной фольклористики. Большое количество работ создано в области музыки для кино, театра, радио.

Наиболее известные композиторы 50-х годов – Т. Хренников, Г. Свиридов. В музыкальном искусстве происходят существенные изменения. Расширяется круг жизненных образов и сюжетов, обновляются его выразительные средства, совершенствуется форма.

В эти же годы выдвинулась плеяда одаренных композиторов, проявивших себя в разных жанрах – Р. Щедрин, А. Шнитке, Э. Денисов, В. Гаврилин.

Важную роль в культурной жизни России играет связь классической музыки с популярной. Появляются новые типы драматических спектаклей, основанные на широком использовании современных форм эстрадной музыки.

Кабалевский Дмитрий Борисович. Родился в Петербурге. Окончил Московскую консерваторию по классу композиции у Н. Мясковского, по фортепиано занимался у А. Гольденвейзера. С 1932 года преподавал в Московской консерватории, с 1939 года – профессор. В 1940-1946 гг. был главным редактором журнала «Советская музыка». С 1962 года возглавлял комиссию по музыкально-эстетическому воспитанию детей и юношества. Много гастролировал по России и за рубежом как пианист и дирижёр с исполнением своих произведений.

Основой большинства произведений Кабалевского является современная тематика.Важное место в творчестве композитора занимает оперный жанр, в котором он продолжил традиции П. Чайковского. Оперы Кабалевского сочетают симфоничность с песенностью. Большую известность имеет опера «Кола Брюньон» (по сочинению Ромена Роллана).

Кабалевский – автор многих статей и книг, из которых выделяются работы по музыкальному воспитанию детей («Про трёх китов и про многое другое», 1970).

Произведения:

оперы: «Кола Брюньон» («Мастер из Кламси», 1938), «В огне» («Под Москвой», 1943), «Семья Тараса» (1950), «Никита Вершинин» (1955), «Сестры» (1969);

для симфонического оркестра и хора: кантата «Родина великая» (1942), сюита «Народные мстители» (1942), «Реквием» (на стихи Р. Рождественского, 1962), кантата «О родной земле» (1965);

4 симфонии;

4 сюиты;

симфоническая поэма «Весна» (1960);

3 концерта для фортепиано с оркестром (1929, 1936, 1952);

концерт для скрипки с оркестром (1948);

камерно-инструментальные ансамбли;

«10 сонетов Шекспира» для голоса и фортепиано (1955);

оперетта «Весна поет»,

детские песни, музыка к спектаклям и кинофильмам.

Щедрин Родион Константинович. Родился в Москве в семье музыкантов. Первоначальное музыкальное образование получил в Московском хоровом училище. В 1955 году окончил Московскую консерваторию по классам композиции у Ю. Шапорина и фортепиано у Я. Флиера. В 1965-1969 гг. преподавал в Московской консерватории.

Уже в ранних сочинениях Щедрина (хоры, камерно-инструментальные ансамбли, цикл фортепианных пьес) обнаружились яркость и оригинальность дарования, интерес к русскому народному творчеству.

Известность он приобрел после создания балета «Конёк-Горбунок» (1960), а также премьеры оперы «Не только любовь», воссоздавшей на музыкальной сцене мир послевоенной советской деревни.

Мастерство инструментовки, тонкое чувство формы проявились в балете «Кармен-сюита», представляющим свободную транскрипцию музыкального материала оперы «Кармен» Ж. Бизе для струнных и ударных инструментов.

Ярким событием музыкального театра стала опера «Мертвые души» по Н. Гоголю. В партитуре этой оперы Щедрин отказался от использования в оркестре скрипок, заменив их камерным хором.

Произведения Щедрина вошли в репертуар многих пианистов, певцов, хоров и музыкальных театров.

Произведения:

оперы: «Не только любовь» (1961), «Мертвые души» (1977);

балеты: «Конёк-Горбунок» (1960), «Кармен-сюита» (1967), «Анна Каренина» (1972), «Чайка» (1980);

для солистов хора и оркестра: оратория «Ленин в сердце народном» (1969), кантата «Бюрократиада» (1963), «Поэтория» (концерт для поэта на слова А. Вознесенского, 1968);

для оркестра: 2 симфонии (1957, 1965), концерт «Озорные частушки» (1963), концерт «Звоны» (1968), «Симфонические фанфары» (1967), камерная сюита (1961);

для камерного оркестра – «Фрески Дионисия» (1981);

3 концерта для фортепиано с оркестром,

для фортепиано: соната (1962), 24 прелюдии и фуги (1970), «Полифоническая тетрадь» (25 прелюдий, 1972), «Бассо остинато» (1961);

музыка к кинофильмам.

Шнитке Альфред Гарриевич. Родился в городе Энгельсе Саратовской области. Окончил Московскую консерваторию (1958) и аспирантуру при ней (1961). В 1961-1972 гг. преподавал в Московской консерватории.

Творчество Шнитке характеризуется концепционностью замыслов, масштабностью, экспрессией; в нём преобладают инструментальные жанры; типичны сложно дифференцированная оркестровая и ансамблевая фактура, применение полистилистики.

До 1962 года Шнитке обращался к вокально-хоровой и программной инструментальной музыке, в 1963-1966 гг. – главным образом к непрограммной инструментальной музыке.

Индивидуальный стиль Шнитке вполне сложился к середине 60-х гг. Сочинениям 1966-1972 гг. свойствен метод контрастной драматургии. С 1974 года Шнитке тяготеет к камерной музыке, в 1980 году вновь обратился к симфоническому творчеству. С 1990 года живет в Германии (Гамбург).

Наиболее значительные произведения 80-90-х годов кантата «Фауст» (1983), хоровой концерт (1985), опера «Любовь с идиотом» (1992). Написал музыку к более чем 60 фильмам.

Произведения:

опера «Одиннадцатая заповедь» (1962);

балет «Лабиринты» (1971);

сценическая композиция «Жёлтый звук» (для пантомимы, 9 музыкантов, магнитофонной ленты и цветосветовых проекторов, 1974);

для солистов, хора и оркестра: оратория «Нагасаки» (1958), реквием (1975);

для оркестра: 3 симфонии (1972, 1980; 1981);

«Pianissimo...» (1968);

«In memoriam» (1978);

«Пассакалия» (1980);

для инструментов с оркестром – 6 концертов;

камерно-инструментальные ансамбли;

хоры;

музыка к спектаклям драматического театра и кинофильмам.

Мартынов Владимир Иванович. Родился в Москве в музыкальной семье. В 1970 году окончил Московскую консерваторию.

С 1973 года – в Московской экспериментальной студии электронной музыки, сотрудничал с группой «Бумеранг». Выступает с авторскими концертами в России и за рубежом. Составитель и редактор ряда сборников для инструментальных ансамблей (в основном музыка средневековья).

Произведения:

2 рок-оратории;

3 кантаты;

«Распорядок дня» – пьеса для ансамбля ударных (1977);

партита для скрипки соло (1976);

«Ом – образы сияния» (для магнитофонной пленки, 1977);

музыка к спектаклям и кинофильмам.

Губайдулина София Асгатовна. Родилась в Чистополе. Окончила Казанское музыкальное училище (1949, класс фортепиано) и Казанскую консерваторию (1954). В 1959 году окончила Московскую консерваторию, в 1962 – аспирантуру.

В своём творчестве тяготеет к камерной музыке разных жанров. Характерные черты первых инструментальных сочинений – ритмически обострённая импульсивность при камерной графичности полифонической фактуры, поиски тембровой выразительности – развиты в лирико-философской кантате «Ночь в Мемфисе» (1968), электронной музыке «Vivente - non vivente» (1970). В настоящее время живет в Германии.

Произведения:

балет «Бегущая по волнам» (1963);

кантата «Рубайят» (на слова Хагани, Хафиза, Хайяма, 1969);

вокально-симфонический цикл «Фацелия» (1956);

для оркестра: симфония (1968), концерт для фортепиано с оркестром (1959), «Ступени» (1972);

инструментальные ансамбли: квартет (1971), квинтет (1957), интермеццо для 16 арф, 8 труб и барабанов (1961), Allegro rustico для флейты и фортепиано (1963), 5 этюдов для арфы, контрабаса и ударных инструментов (1965), композиция в 2 частях для контрабаса и фортепиано (1966), соната для ударных инструментов (1966);

Concordanza (1971)

Detto № 2 (1973)

для фортепиано: «Чакона» (1962), соната (1965);

для органа – Detto № 1 (1969);

музыка для клавесина и ударных инструментов (1972);

вокальный цикл «Розы» (на слова Г. Н. Айги, 1972);

музыка для драматического театра и кино.

Дата добавления: 2014-11-25