Искусство 16 в. (чинквеченто)

16 век – кульминация великой культуры Возрождения. Чинквеченто– итальянское название 16 в. (итал. сinquecento – пятьсот). Контрастное сочетание высочайшего художественного подъёма и политического и экономического ослабления. Рост национального самосознания. Новый тип художника. Новые представления о масштабах мира и человека. Крупномасштабность образов. Обобщённость художественного языка. Стремление к синтезу. Идеальный образ человека – концентрированное выражение реальных качеств.

Пластическое совершенство фигур. Развитие художественной теории. Понимание Природы как «учительницы учителей» (Леонардо да Винчи).

Выдвижение Рима. Формирование единого национального стиля: спокойная гармония; внутренняя значительность; величественность, монументальность.

Донато Анжело Браманте (1444-1514) – основоположник ренессансной архитектуры, один из выдающихся архитекторов Высокого Возрождения, главный архитектор папы Юлия П. Проводит огромную работу по реконструкции Ватикана: расширил и перестроил папский дворец; Дворец и ранее построенная вилла Бельведер были соединены боковыми корпусами, а между ними на одной оси были сделаны два больших двора, соединив постройки в цельный и мощный ансамбль.

Главное творение Браманте – проект собора св. Петра в Риме: блестящее воплощение замысла центральнокупольного здания с симметричной композицией.

С деятельностью Браманте связано формирование нового высокого стиля, для которого характерны представительность и подчёркнутая монументальность сооружений.

Леонардо да Винчи (1452-1519) – основатель искусства Высокого Возрождения, общепризнанный универсальный гений, воплощение образа живописца, титан Возрождения. «Возможно, в свою жизнь Леонардо вложил столько же таланта, сколько в свои произведения» (А.Ф.Лосев).

Одно из наиболее значимых понятий в художественном мире Леонардо – гармония: «живопись схватывает различные моменты сразу, а не выхватывает один момент из потока бытия. В этом и заключается для Леонардо превосходство живописи. Живопись сразу схватывает сложнейшие сплетения связей между явлениями» (В.П.Зубов).

Особые черты творческой манеры: обобщённость изобразительного языка; высокая правда образов; пирамидальная композиция; изображение «длящегося» состояния (Е.И.Ротенберг); человеческий образ в состоянии гармонического бытия; новаторство объёмной моделировки.

Леонардовское сфумато – дымка, окутывающая контуры фигур, «некий род тумана» (Леонардо да Винчи).

«Тайная в е чере»: драматизация традиционного сюжета; связь фрески с архитектурно-пространственным комплексом; следование древней иконографической схеме (участники вечери размещаются у задней длинной и у обеих коротких сторон стола, а передняя длинная сторона остаётся пустой); превращение традиционно изображаемого роскошного зала в скромную, строгую комнату; изображение Христа на фоне окна с ландшафтом, создающим светлый ореол; обилие жестов и мимики; новаторство в изображении персонажей (не портреты, а типы). «Тайная вечере» – «психологическая живопись, воплощение душевных процессов, неведомое предшествующему искусству» (М.Дворжак).

Жанр портрета («Мона Лиза»», «Дама с горностаем», «Автопортрет»). Тип леонардовской женской красоты («Мадонна Литта»): высокий, чистый, почти безбровый лоб, чуть удлинённый нос, рот с приподнятыми уголками губ («леонардовская улыбка»). Печальная и нежная улыбка одними губами свойственная многим лицам Леонардо. Особенностью его портретов является особое достоинство изображаемых моделей. Они не столько красивы, сколько благородны и значимы. О них редко хочется сказать «мужчина» или «женщина», насколько представительна и самодовлеюща их высокая человеческая «порода».

Портрет «Моны Лизы» – кульминация творчества Леонардо. Своеобразна интерпретация картины, данная А.Ф.Лосевым: «зоркие глаза искусствоведов уже давно рассмотрели в этом портрете чисто классические, т.е. возрожденческие, черты – ясность очертаний, осязаемую гибкость линий, скульптурные переливы настроения в пределах физиономии и гармонию противоречивого и зовущего в неопределённую даль портрета с полуфантастическим пейзажем и неопределённо звучащими голубовато-зелёными горами, с извилистой трактовкой пейзажа. Это – Ренессанс. Однако едва ли возрожденчески трактована знаменитая улыбка Джоконды, вызвавшая к жизни столь неимоверное количество разных анализов…Ведь стоит только всмотреться в глаза Джоконды, как можно без труда заметить, что она, собственно говоря, совсем не улыбается. Это не улыбка, но хищная физиономия с холодными глазами и с отчётливым знанием беспомощности той жертвы, которой Джоконда хочет овладеть и в которой кроме слабости она рассчитывает ещё на бессилие перед овладевшим ею скверным чувством. Едва ли в этом можно находить вершину Ренессанса. Мелкокорыстная, но тем не менее бесовская улыбочка выводит эту картину далеко за пределы Ренессанса, хотя и здесь общевозрожденческая личностно-материальная направленность всё же остаётся непоколебимой».

Мадонны Леонардо: светская трактовка образов; сочетание интимности и величественности; тождественность внешнего облика и внутренней жизни человека.

Воздействие искусства Леонардо на живопись последующих эпох.

Рафаэль Санти (1483-1520) – один из самых выдающихся художников в истории мирового искусства, воплощение поэтической стороны Возрождения. Основные черты стиля: редкая, особая гармоничность; концентрированность изобразительных решений; классическая ясность композиции; мягкая мелодия линий; поэтичность и обобщённость образов.

Знаменитые мадонны Рафаэля. Мадонн изображали все мастера Возрождения, но никто не достиг той «многогранности, тех тонких оттенков в трактовке образа женщины-матери» (О.М.Персианова). Идеальный тип женщины, выражая синтез реальных черт, отвечал гуманистическим представлениям времени о высокой значимости личности.

Уникальность «Сикстинской мадонны». История «судьбы» картины.

Алтарные композиции. В росписях стен Рафаэль предстаёт как гениальный мастер композиции и замечательный монументалист. Росписи Ватиканского дворца. Станцы делла Синьятура («комната подписей»). Здесь размещаются всемирно известные фрески «Диспут», «Парнас», «Афинская школа».

Самая известная «Афинская школа»: объединение образов христианской религии и языческой мифологии; мастерство композиции; образы греческих философов (Платон, Аристотель, Сократ, Гераклит, Диоген, Евклид). «Великолепная ренессансная архитектура, на фоне которой в спокойно-величавом ритме, свободно и естественно размещены фигуры и группы, ‘раздвигая’ стены в действительности небольшого помещения, создаёт впечатление необычного простора» (О.М.Персианова).

«Краеугольным камнем стиля Рафаэля была, во-первых, belezza, красота. Благодаря этому создаются новые идеальные типы, уже не представляющие собою плод синтеза поисков верности природе, но противопоставленные природе в качестве более высокой поэтической и художественной реальности. Во-вторых, в основу стиля Рафаэля положена maniera grandе («большая манера»): произведения искусства должны воздействовать на зрителя посредством не одной только телесной красоты форм, но и их усугубленной общей значимости. Всё повседневное, всё банальное должно быть изгнано из них, – и в каждой линии, в каждом мотиве постановки тела, в каждой форме должны найти выражение свобода художника, его мастерство и выучка…Изображаемые персонажи должны выглядеть носителями высшего бытия благодаря всему их облику. Отсюда – их величавая осанка, их выразительные жесты, которые лишь в некоторых случаях выглядят театральными и которые в соответствии с общим духом торжественности, присущим изображению, всегда обоснованы не только внешне, но и внутренне. Все персонажи Рафаэля исполнены чувства внутренней свободы и достоинства (ибо они рассматриваются как благородные, выдающиеся представители рода человеческого), и это проявляется в особенности в их лицах, но находит так же выражение и во всей их жестикуляции – то грандиозно оживлённой, то полной достоинства» (М.Дворжак).

Рисунки Рафаэля. Лёгкость и непринуждённость графической манеры. Черты академизма в творчестве позднего Рафаэля.

Влияние Рафаэля на последующие художественные эпохи.

Творчество Микеланджело Буонарроти (1475-1564). Микеланджело – величайший мастер Высокого Возрождения, кульминация и завершение ренессансной эпохи. Основные черты стиля: тяготение к монументальным героическим образам, образам человека-борца; напряжённый драматизм образов; ясность монументального художественного языка; углублённо психологическое раскрытие драматических коллизий; принцип динамического обзора скульптуры; взаимодействие художественного образа и материала; гениальное использование фактуры материала и его обработки (поэтика необработанного камня и камня как драгоценности).

«Пьета» в Соборе св. Петра – новаторское произведение. Одиноко стоящая в полумраке собора, скульптура производит впечатление высокой скорби, онтологической печали. Микеланджело гениально соединяет юное и прекрасное лицо девы с застывшей на нём и уже принятой «неземной» скорбью и отяжелевшее тело зрелой женщины-матери, на котором легко помещается истощённое и измученное тело взрослого мёртвого сына.

«Давид» – «общественный памятник» (Дж. да Сангалло); символическое воплощение возрожденческого титанизма; концентрация волевого напряжения (terribilita). Современники видели в нём пример правителям, которые должны защищать отчество так же мужественно.

Роспись Сикстинской капеллы – апофеоз творческой мощи человека. Сюжетные и бессюжетные образы. Декоративное единство росписи. Доминанта пластического начала. Скульптурность живописной манеры. Фреска «Страшный суд». Религиозная тема как человеческая трагедия космического масштаба. Образ Христа-«громовержца».

Гробница папы Юлия П и усыпальница Джулиано и Лоренцо Медичи. Новаторское решение надгробий.

«Пьета Ронданини» – «одно из самых трагичных по своему замыслу произведений Микеланджело. В нём великий мастер как бы прощается с жизнью. Безмерна степень того отчаяния, которое воплощено в этих двух одиноких фигурах, затерянных в огромном мире. Мать прижимается к мёртвому телу своего сына, не будучи в силах с ним расстаться. Она не плачет, не кричит от страха и ужаса, не ломает руки. Её скорбь безмолвна. В этом тончайшем по своей одухотворённости образе Микеланджело передал то, что сам чувствовал и ощущал, – трагедию одиночества. Неустойчивые фигуры, охваченные единым, развёрнутым по параболе движением, приобрели чрезвычайно вытянутые пропорции, от столь излюбленного мастером энергичного контрапоста не осталось и следа, тело стало инертными преувеличенно хрупким. Пластическая масса, которой всегда так дорожил Микеланджело, как бы растаяла, улетучилась, испарилась, духовному началу здесь, строго говоря, уже не с чем бороться. В этой скульптурной группе художник впервые преодолевает мучительный конфликт противоборствующих сил, но ценою предельного облегчения материи, приобретающей удивительную одухотворённость. Увлечённый к самому концу своей жизни всё более нараставшей волной экзальтированной религиозности, Микеланджело приходит к отрицанию всего того, чему он поклонялся в молодости, и прежде всего – к отрицанию цветущего обнажённого тела, выражавшего сверхчеловеческую мощь и энергию. Он престаёт служить ренессансным кумирам. В его сознании они оказываются поверженными, как оказывается поверженным и главный кумир Ренессанса – вера в безграничную творческую силу человека, через искусство становящегося равным богу. Весь пройденный им жизненный путь отныне представляется Микеланджело сплошным заблуждением» (В.Н.Лазарев).

Рисунки Микеланджело. Энергия пластики. Обобщённость образов. Драматическая напряжённость. Пафос трагического одиночества.

Значение творчества Микеланджело.

М.Дворжак: «Микеланджело оказался первым среди художников нового времени, обнаруживших основное противоречие между античным искусством и искусством своей эпохи, – и, отвернувшись от современному ему искусства он добился не только частных формальных достижений, но и полного понимания сути искусства и его отношения к природной естественности и к христианскому миросозерцанию…Для Микеланджело искусство было не профессией, но свободной духовной деятельностью, он оставался аристократом (кем и был по рождению), который из внутренней потребности – ибо такова была его воля – трудился как художник».

Творчество Антонио Корреджо (ок. 1489/94-1534) – один из ведущих мастеров Высокого Возрождения. В его творчестве заметно влияние Леонардо, Рафаэля, Микеланджело, но всё заимствованное в его произведениях обретает новое звучание, становится подлинно оригинальным. Для его манеры характерны принцип эмоционального оживления образов, внутренняя экспрессия, система эффектных ракурсов, повышенная динамика движений, мастерство светотеневой моделировки. Всё творчество Корреджо имеет оттенок гедонизма. Принято считать, что в творчестве Корреджо находят истоки некоторые черты живописи барокко (сочетание реалистических и сверхчувственных мотивов).

Дата добавления: 2015-06-26