Сюрреализм

Сюрреализм — направление в литературе и искусстве XX в., сложившееся в 1920-е годы. Возникнув во Франции по инициативе писателя А. Бретона, сюрреализм вскоре распространился по всему миру. Сюрреалисты считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания, которая проявляет себя во время сна, гипноза, бреда, внезапных озарений, автоматических действий (случайное блуждание карандаша по бумаге и др.). Сюрреалистическое творчество — способ полного освобождения разума и воображения.

Уже само название этого направления подчеркивает его нереалистичность: термин «сюрреализм» в переводе с французского означает «надреализм». Но даже и этот термин хотя и был принят самими сюрреалистами, не вполне их устраивал: они уточняли, что правильнее было бы воспользоваться словом «супернатурализм», которое гораздо больше соответствует характеру их искусства. Учитывая во многом мистическую природу сюрреализма, некоторые художники определяют его как находящееся не «над» а «за», а иногда и прямо «под» миром реальности и человеческого сознания.

Самое яркое направление в сюрреализме, которое возглавлял С.Дали, основывалось на иллюзорной точности воспроизведения ирреального образа (М.Эрнст, Ж. Миро, Р. Магритт, И.Танги). Картины художников второй ветви сюрреализма отличались гладкой, тщательной манерой письма, характерной для академической живописи. Зритель, поддаваясь убедительности иллюзорной живописи, втягивался в лабиринт обманов и неразрешимых загадок, где твердые предметы растекаются, плотные приобретают прозрачность, одна и та же конфигурация расслаивается на несколько изображений, несовместимые объекты сливаются друг с другом, формы сплетаются и выворачиваются, массивные объемы кажутся невесомыми — и все это создает образ невозможный в реальности. Общие особенности искусства сюрреализма: фантастика, алогизм, парадоксальные сочетания форм, зрительная неустойчивость, изменчивость образов.

Главной целью сюрреалистов было через бессознательное подняться над ограниченностью материального мира и выхолощенных духовных ценностей буржуазного общества. Художники этого направления хотели воссоздать на своих полотнах действительность, подсказанную подсознанием, но на практике это порой выражалось в изображении патологически отталкивающих образов и эклектике. В это же время художники обратились к имитации черт первобытного искусства, творчества детей и душевнобольных. При всей своей программной заданности произведения сюрреалистов вызывают самые сложные ассоциации, стимулируют ассоциативное мышление, пробуждают творческое воображение. Они одновременно могут отождествляться как со злом, так и с добром. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера проступают в сюрреалистической живописи, активно воздействуя на зрителя.

Знакомясь с картинами сюрреалистов, трудно определить, художникам каких стран они принадлежат, потому что это направление почти не имеет национальных черт.

Сюрреализм представлял собой противоречивое художественное явление, что в значительной мере объясняет широкую орбиту его распространения. Многие ищущие художники прошли через него (П. Пикассо, П. Клее и др.).

Сальвадор Дали (1904-1989) — испанский художник, скульптор и график, один из главных лидеров сюрреализма. Стилистические эксперименты и эксцентричные поступки сделали его одной из самых популярных и спорных фигур среди художников XX столетия. Сюрреализм был столь близок Дали и столь глубоко прочувствован им как образ мышления и творчества, что он не без основания утверждал: «Сюрреализм — это я». Сальвадор Фелипе Хасинто Дали родился в городе Фигерас (Каталония). Уже в раннем детстве он начал проявлять интерес к рисованию и живописи и брать частные уроки. В 16 лет Дали был зачислен в Художественную академию в Мадриде, из которой был изгнан в 1926 г.

В Мадриде он познакомился с поэтом Федерико Гарсиа Лоркой и кинорежиссером Луисом Бунюэлем. В начале 1929 г. состоялась премьера фильма «Андалузский пес», сценарий которого был написан Дали и Бунюэлем. В это же время Дали нашел свою спутницу жизни и музу Галу, русскую по про­исхождению, которая запечатлена на многих его полотнах. В начале творческого пути известность Дали принесла картина «Постоянство памяти» (1931) (см. цв. вкл.). На полотнах художника все необычно: жесткие предметы становятся мягкими, мир заполняется странными существами.

Основным мотивом картины «Постоянство памяти» являются получившие довольно широкую известность «мягкие часы» Дали. Единообразные, плоские, как бы растекшиеся часы висят на сучке сухого дерева, лежат, перегнувшись под прямым углом на жесткой подставке или мягко изогнувшись на странном существе, на закрытых «луковичных» часах кишат насекомые. Темно-коричневый передний план, иысветляясь, переходит в невесомый, прозрачный задний план, как бы озаренный сияющим светом восхода. Ощущение легкости третьего плана подчеркивается ярко освещенной золотистым светом скалой. Прямые линии горизонта, гармонично сочетающего голубые и желтые тона, придают картине эпический характер. Образ часов, символизирующих понятие времени, превращает произведение в философское обобщение, заставляет зрителей упорно вдумываться в смысл изображенного. Однако название «Постоянство памяти» не способствует пониманию этого смысла. Картина получила известность как «Растекшееся время» или «Мягкие часы» — оба эти названия даны ей зрителями. Она оказывает яркое эмоциональное воздействие и запоминается благодаря загадочности образа «мягких часов» и гармоничному сочетанию красок, ассоциирующихся с рассветом.

В теоретическом труде «Покорение иррационального» (1935) Дали сформулировал свой, как он его называл, параноидально-критически и метод. Дали утверждал, что «стремится создать фотографию бессознательного». Он предлагал воплощать в художественных произведениях образы и видения, подобные бредовым галлюцинациям, возникающим в расстроенных умах параноиков — психически больных, страдающих навязчивой идеей. Взбудораженный психоанализом Зигмунда Фрейда, художник считал целью своей живописи точное описание бессознательных сновидений. Примером такого описания могут служить, в частности, «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната за секунду до пробуждения» (1944), «Метаморфозы Нарцисса» и «Сон» (обе — 1937).

На картине «Соя» голова спящего парит на фоне сновидений. Ее неустойчивое положение словно говорит о том, что стоит подпорке упасть — и спящий проснется. Художник создает атмосферу преувеличенной реальности, той самой «сверхреальности», которая и подразумевается в названии направления — сюрреализм. Рациональное начало в искусстве Дали очень ощутимо, что делает его сновидения как бы театральной декорацией.

Бессознательное у Дали, как это показано и у великих основателей аналитической психологии, не носит только личного характера. В произведениях Дали присутствует коллективное бессознательное, выражающее себя с помощью символов и знаков. Современность привносит в искусство Дали главным образом темы жестокости, причудливой и болезненной эротики, тревожного ожидания. Она соседствует с извечными образами бессознательного, так называемыми архетипами человеческого мышления (вода и камень как символы мужского и женского начал; яйцо как образ Вселенной; мировое древо — конструктивная основа мироздания).

Необходимость отразить на картине непрерывную изменчивость состояний психики порождает метафорический язык Дали, его авторский код, постижение которого требует знакомства со многими его работами. Тщательно, натуралистически выписанные детали складываются у Дали в необъяснимые сочетания, напоминающие кошмарный бред, поражающие зрителей своей бессмысленностью. В центре картины «Горящая жирафа» (1936) изображена большая женская фигура с кровоточащими руками и лицом. Из середины ее грудной клетки выдвинут желтый ящичек, такие же ящички расположены на ноге этой странной фигуры. Бредовую фантастичность картины дополняет еще одна женская фигура меньшего размера в облегающем длинном платье. Из ее черепа растут ветки с листьями, в ее правой руке что-то напоминающее красную тряпку, из запястья левой руки сыплются искры. Обе женские фигуры опираются спинами на раздвоенные подпорки. Название картине дала находящаяся на заднем плане жирафа, спина и шея которой объяты пламенем. Спокойно стоящее животное и бушующее пламя создают нелепый контраст. Никакому логическому объяснению и тем более толкованию данное произведение не поддается.

Однажды найденную нелепую деталь Дали обычно использует во многих картинах. Так, ящички мы находим в торсе Венеры Милосской, тщательно скопированной им с луврского оригинала, и во многих других произведениях художника. В ряде картин Дали рисует непомерно удлиненную ногу персонажа, как правило, опирающуюся на подпорки.

Постоянно экспериментирующий с цветом и формой, ищущий новые средства художественной выразительности, Дали создал так называемые «двойные картины», в которых зритель мог открыть для себя скрытые изображения. Например, на полотне «Испания» (1938) сражающиеся всадники на заднем плане одновременно составляют лицо женщины. На полотне «Собака, ваза с фруктами на пляже» (1936) собака превращается в вазу с фруктами и лицо человека. А на картине «Невольничий рынок с незримым бюстом Вольтера» (1940) происходит метаморфоза двух женщин в бюст писателя.

Поездка Дали в Италию в 1937 г. дала ему возможность подробно изучить искусство Возрождения. В 1940-е годы под влиянием увиденного он занялся разработкой религиозно-фантастической тематики. Были созданы такие картины, как «Мадонна Порт-Льигата» (1949), которая даже получила благословение папы римского, и «Христос перед Иоанном Крестителем» (1951). Художник блестяще овладел свойственным мастерам старых школ умением передавать с помощью тончайших световых и цветовых оттенков фактуру изображаемых предметов, в особенности шелковых тканей.

Значительным произведением испанского художника является написанное им в 1951 г. полотно, воссоздающее образ распятого Христа. Прежде всего поражает необычное композиционное построение картины. Крест, как бы витающий в воздухе, поднят высоко вверх и резко наклонен вперед. Нижняя часть креста уходит вглубь. Фигура Христа оказывается склоненной над землей, кажется, он стремится обнять и защитить весь мир, что придает трактовке его образа предельную человечность. Это ощущение усиливается реалистическим изображением тела Христа. Мастерское использование света делает фигуру почти невесомой, словно парящей над землей. Освещенная фигура Христа резко контрастирует с темным, непроницаемым фоном неба, постепенно просветляющимся по мере приближения к земле, где рыбаки занимаются своим обыденным трудом.

В 1951 г. Дали разработал теорию «атомарного искусства», изложенную в «Мистическом манифесте». Он хотел донести до зрителя идею о постоянстве духовного бытия даже после исчезновения материи («Взрывающаяся голова Рафаэля», 1951).

Дали написал ряд картин на историческую тему «Открытие Америки» (1959) и др. В 1974 г. Дали и Гала создали в Фиге-расе «Театр-музей Дали», концепцию которого разработали сами. Здание, когда-то действительно служившее театром, было перестроено в музей по проекту художника. Во внешнем виде здания присутствуют символы, характерные для всего творчества Дали (стеклянный купол, напоминающий глаз мухи, огромные яйца на крыше и др.).

Многочисленная коллекция живописи, графики, скульптуры и арт-объектов Дали удачно расположилась на нескольких этажах. Многие произведения приходят в движение и трансформируются прямо на глазах. Некоторые из них рассчитаны на определенный оптический эффект. Например, «Лицо Мэй Уэст, которое может быть использовано в качестве квартиры», на самом деле является комнатой, а портрет обнаженной Гала с расстояния 18 м превращается в портрет американского президента А.Линкольна. Убедительная реалистичность живописи сочетается с фантастикой абсурда, непредсказуемым соединением форм, изменчивостью образов. Искусство инсценировки представлено в музее во всем блеске. Знакомство с творчеством Дали становится театральным действом.

Бельгийский художник-сюрреалист Рене Магритт (1898 — 1967) парадоксальным образом соединял и противопоставлял на своих полотнах хорошо известные предметы. Открывается дверь, и вместо посетителя вползает в нее белое облако. Возникает ощущение тревоги, хотя в приоткрытой двери виднеется спокойное голубое море («Отрава»). На светлой поверхности стола пылают бумага, ключ и яйцо. Огонь кажется не опаляющим, декоративным, но он ярок и символичен («Градация огня»). Классическая гипсовая маска, по которой проплывает небо с облаками, приводит к ощущению космизма нашего бытия («Раскрашенная гипсовая маска»). Из пары сапог, стоящих у дощатой стены, вырастают пальцы ног («Красная модель»). Как иллюзия соотносится с действительностью, на картинах Магритта, Он рушит стену между ними. Обнажая противоречие, он его устраняет. Образы становятся «неизображающими» — обозначающими. Магритт отчуждает предметы от людей и действительности. Они становятся самоценными, самодостаточными, превращаются в мысли, представления, фантазии. Художник смотрит на окружающий мир отрешенно, как человек, избавившийся от повседневности.

Магритт ищет связующую предметы нить, играя со словами. В ранних работах он обыгрывает соотношение объектов и обозначающих их слов. Например, шесть предметов на картине «Ключ мечты» (1928) имеют намеренно неправильные словесные обозначения: в частности, туфлю венчает подпись «Луна». Таким образом, художник показывает сложные ассоциативные связи между изображением и словом. Можно предположить, что туфля и луна напомнят о женском вечернем наряде. В «Вероломстве образов» (1928 — 1929) под изображением курительной трубки мы видим подпись: «Это не трубка». Тем самым Магритт подчеркивает, что образ предмета не следует путать с реально существующим предметом. Он всегда тратил много времени на то, чтобы придумать для картины название, выражающее его концепцию («Человеческое состояние I», «Добрая судьба», «Сотворение человека» и др.).

Магритт превращает кажущуюся целесообразность в несуразность и улыбается тому, что получилось. В глазу «Фальшивого зеркала» радужная оболочка заменена голубым небом с облаками. Образ закрытого глаза был для сюрреалистов своего рода тайным знаком, символизирующим разрушение реальности путем отображения внутренних психологических состояний. В связи с этим изображение открытого глаза, обычно трактуемое как символ связи человека с окружающим миром, у Магритта обозначает обман зрения или фальшивое зеркало. К числу наиболее известных поздних работ художника относится картина «Большая семья» (1963), где изображена летящая над морем большая птица, внутри которой плывут облака. Картины Магритта метафоричны, философски элегантны и неожиданны. Он предупреждает о хрупкости мира и напоминает о его великом постоянстве.

Испанский живописец, график и скульптор Жоан Миро (1893 — 1983) создал под влиянием сюрреализма свой странный поэтический язык знаков. Работы Миро, поначалу предметные, постепенно превращались в воплощения безудержных фантазий художника.

В 1921 г. Миро приехал в Париж. Под влиянием Пабло Пикассо он написал ряд натюрмортов, пейзажей и портретов, тяготеющих к кубизму. Формы возникали из сочетания геометрических фигур. Так, напоминающая марионетку «Сидящая натурщица» (1921) представляет собой конструкцию из параллелограмма и ромба. На картине «Крестьянский двор» на переднем плане изображен, казалось бы, обыкновенный двор в Монтройге. Однако композицию этой картины можно рассматривать как взаимосвязь многочисленных символов.

За период с 1924 по 1927 г. Миро написал более 130 сюрреалистических картин. Например, «Карнавал зверей» (1924/1925) — это отражение снов художника. В 1926—1927 гг. появились похожие на галлюцинации картины Миро «Фигура, бросающая камень вптицу», «Собака, лающая на луну», «Кузнечик», «Заяц», «Обнаженная». В других картинах он хотел показать связь живописи и поэзии, включая в них слова и предложения. Картины Миро стали более беспредметными, формы — более органичными.

В 1940 — 1950-е годы Миро был близок к абстрактному искусству. С 1940 г. он начал работать над «Созвездиями» — вселенной из точек и пятен, связанных между собой черными линиями. Женщины, птицы и звезды стали постоянными мотивами его творчества, характерной особенностью которого было частое использование сексуальных символов. Картина Миро «Женщины и птица в лунном свете» считается наиболее значительной из его работ. Странные магические фигуры, чем-то напоминающие наскальную живопись или детский рисунок, сплетаются в причудливые растекающиеся формы.

В 1950-е годы Миро обращается к декорационному и монументально-де­коративному искусству. Совместно с М.Эрнстом Миро оформил балет «Ромео и Джульетта» для труппы С.Дягилева. Он украсил мозаиками новое здание ЮНЕСКО в Париже («Стена Солнца» и «Стена Луны»). Кроме того, художник выполнял литографии, офорты, книжные иллюстрации, эскизы для ковров и керамики. В дальнейшем Миро занимался большей частью скульптурой.

Дата добавления: 2014-01-06