Основные этапы развития декоративно-прикладного искусства

С первобытных времен люди старались украсить свой быт. Об этом свидетельствуют росписи на стенах пещер, созданные людьми, жившими еще до эпохи неолита. Первые орудия труда (ножи, топоры, скребки, наконечники для копий) человек научился делать из дерева и камня. Позже эти материалы стали использовать для изготовления утвари и украшений.

Зарождение металлургии внесло новые элементы в прикладное искусство. Значительно расширилось изготовление транспортабельных предметов: оружия, украшений, что способствовало широкому распространению декоративных предметов. Этому процессу содействовали купцы, которые везли с Балтийского побережья в Адриатику янтарь, ценившийся как драгоценность, а с юга на север - бронзовые изделия и бусы из фаянса. В то же время бурно развивалась обработка камня. В Шотландии при раскопках нашли ожерелье из гагата эпохи освоения металла, сделанное из бусин и пластинок, с геометрическими мотивами, гравированными тонким пунктиром. Немногие сохранившиеся изделия свидетельствуют о большой художественной самобытной культуре, существовавшей в древности.

Среди памятников железного века (IX-VI вв. до н. э.) сохранилось также множество золотых украшений: серьги, ожерелья, сосуды, чаши с геометрическим узором, типичным для Центральной Европы.

Из ювелирных украшений древности чаще находят кольца и перстни. Первые кольца делали из железа, в более поздних раскопках встречаются кольца из золота с самоцветами. В Древней Руси кольца носили с XIV века, их называли “жиковинами”. Предполагают, что жиковиной называлось кольцо с дорогим камнем, который был укреплен в гнезде лапками, сходными с лапками жука.

Ушные серьги находят в раскопках древних скифских, финнских, сарматских и других племен. Князь Святослав носил золотую серьгу, украшенную двумя жемчужинами и рубином. В XII- XV веках на Руси существовало много видов серег с камнями разных размеров. Немного позже появились запонки, браслеты, монисто (ожерелья из бус, монет, жемчуга, гранатов и т.п.).

Значительная роль в распространении искусства украшения предметов быта принадлежит кочевым народам. Так, в искусстве скифов, обосновавшихся в VIII веке до н. э. в южных областях России, от Украины до Волги, преобладали анималистические мотивы, поражающие необычайным динамизмом: животных изображали то сплетающимися, то бросающимися друг на друга. Кочевники занимались резьбой по дереву, украшали изделия из кожи, меха, войлока. Такие изделия находят сохранившимися благодаря вечной мерзлоте в районе Алтая. Примеры использования древними мастерами сложной ювелирной техники можно встретить в украшениях, найденных в Крыму, вблизи города Симферополя (1967 г.).

В Монгольских степях, близ Урги, имеется захоронение Ноин Ула, принадлежащее либо гуннам, либо одному из побежденных ими племен. В нем был обнаружен шерстяной ковер с бордюром из аппликаций, которые изображают грифона в схватке с лосем и яка, атакующего крылатого льва. Там же найдены ковры с изображением черепах, рыб, водорослей, а также китайская одежда из ткани, на которой изображены жители западных стран.

В V веке до н. э. в бассейне Волги поселились сарматы, как считают археологи, они были выходцами из Ирана. Сарматы украшали свои изделия изображением сцен охоты и поединков между животными. В гробницах сарматских царей I-II веков были обнаружены искусно изготовленные украшения: венец с двумя ажурными фризами, на которых изображены фигуры грифонов, ваза с ручкой в форме оленя, флакон и круглая шкатулка для благовоний и даже игольник. Изображения животных степной Азии распространились до берегов Атлантики.

Развитие механизированных способов обработки материалов способствовало, в свою очередь, совершенствованию приемов и способов изготовления предметов декоративно-прикладного искусства. В XVI веке начинает расти политехническое значение Москвы, превращающейся в крупный центр государства. Пышно оформляются придворные церемонии, выезды, церковные службы. Одежда знати тех времен украшалась дорогим шитьем, драгоценными камнями. В отделках и ювелирных украшениях использовали растительный орнамент, обрамление чеканными, чернеными или эмалевыми лепестками. Древнерусские иконописцы стали использовать для изготовления окладов икон чеканный узор и большое количество драгоценных камней.

Число сокровищ к концу XV века так возросло, что при Иване III для них построили специальное помещение, которое назвали Оружейной палатой. История ее создания тесно связана с ростом и укреплением русского государства. Государственная Оружейная палата в Московском Кремле в настоящее время хранит экспонаты русских мастеров декоративно-прикладного искусства, созданные со времен царствования Ивана Грозного.

В дореволюционной России одновременно существовали различные формы производства, начиная с домашнего крестьянского ремесла и кончая крупной капиталистической фабрикой. Русское декоративно-прикладное искусство испытывало влияние разноречивых социально-экономических факторов. Чаще всего промышленность удовлетворяла запросам зажиточной части городского и сельского населения. В то время под напором дешевой фабричной продукции из городского и сельского быта постепенно были вытеснены изделия домашнего ремесла: вышивки, домотканые полотна, набойки, поделки из дерева и глины. Продукция же заводов и фабрик находилась на низком художественном уровне.

Что касается изделий Императорского фарфорового завода в Петербурге, фарфорового завода Гарднера под Москвой, текстильных фабрик Жиро, Муси Гужон, Циндель в Москве и некоторых других предприятий, то они ориентировались на запросы привилегированных слоев населения, сильно подражавших западно-европейской моде.

Стремление возродить традиции домашнего крестьянского ремесла и его художественные формы в бытовой обстановке и костюме достаточно ярко проявлялось в деятельности кустарно-художественных мастерских Талашкина. Открытие самоцветных месторождений на Урале и в Сибири – новая эра в развитии камнерезного искусства. Центром ограночного и камнерезного дела на Урале стала Мурзинка. В 1637 году вокруг этого месторождения началось строительство поселения, основная часть населения которого занималась добычей или обработкой камней. Издание приказа «О развитии горных дел» Петром I, открытие новых заводов, строительство Петербурга - все это положило начало камнеобрабатывающей промышленности. В 1725 году в Петергофе, а позднее в Екатеринбурге и на Алтае были построены гранильные фабрики. Здесь были созданы величайшие по технике и искусству декоративные изделия из камня. В книге “Самоцветы СССР” [37] приведены примеры уникальных изделий мастеров, работающих на этих фабриках. Таковыми являются, например, мозаичное панно из уральских камней (работа Л.В. Шустова), чаши и вазы (работы колывановских мастеров), миниатюрные статуэтки (работы мастеров фирмы Карла Фаберже).

Однако патриотически настроенная часть населения дореволюционной России видела в развитии промышленного производства источник общей художественной деградации. Серьезная собирательская работа, коллекционирование подлинных образцов крестьянского искусства характерны для разносторонней деятельности художников Абрамцевского кружка, душой которого были Е.Мамонтова и Е.Поленова. В этой работе участвовали известные русские художники В.Васнецов, В.Поленов, И.Репин, В.Серов, М.Врубель и др.

В конце XIX - начале XX века почти в каждой русской губернии, на Украине, на Кавказе началось обследование кустарных художественных промыслов. Это была попытка найти выход из того творческого кризиса, в котором находилось фабричное и кустарное производства. В то время Россия вступала в ту фазу, когда центральной проблемой становилось создание массовой художественной продукции - посуды, тканей, одежды и др. Удовлетворить растущий спрос населения на эти товары можно было лишь путем развития крупного фабричного производства и освоения новых художественных возможностей машинной техники.

Октябрьская революция изменила ситуацию в декоративно-прикладном искусстве и внесла в творчество народных мастеров коренные изменения. Именно в эти годы под руководством деятелей пролетарской культуры (А.В. Луначарский, В. Плетнев) решалась задача планомерного комплексного преобразования всей окружающей человека предметной среды. А.В. Луначарский в статье “Искусство как производство” писал: “Конечно, сейчас мы умопомрачительно бедны..., но из этого еще не следует, что мы могли бы пройти равнодушно мимо производственных задач искусства. Наоборот, нам приходится заняться им сейчас же и вплотную” [39].

К концу 30 годов XX столетия в связи с началом строительства Дворца Советов, метро и других крупных сооружений развернулись экспериментальные работы по созданию произведений декоративно-прикладного искусства для уникальных интерьеров. В 1934 -1939 гг. союзами архитекторов и художников проводятся специальные совещания по вопросу синтеза искусств в оформлении ряда сооружений и ансамблей (павильоны СССР на всемирных выставках 1937-1939 гг.), налаживаются плодотворные связи между архитекторами, художниками станкового, монументального и декоративного искусства. В современной архитектуре того времени одним из основных видов монументально-декоративного искусства являлась мозаика. Она использовалась, например, при оформлении станций метро “Киевская”, “Сокол” и др. К Парижской выставке в 1937 году русскими мастерами оригинальным мозаичным способом была изготовлена знаменитая карта Советского Союза площадью около 25 квадратных метров.

В 30 годы изучением декоративно-прикладного искусства стали заниматься научно-исследовательские институты, организованные при Совете промысловой кооперации, при Академии архитектуры РСФСР и УССР, в институтах республиканских Академий наук и в республиканских музеях. Особая роль в те годы уделялась вопросам художественного образования и подготовке кадров для различных отраслей художественной промышленности. Во всех развитых центрах народного искусства были открыты ремесленные училища и экспериментальные мастерские. Несмотря на то, что искусствоведы считают 30 годы историческим рубежом в развитии всех видов отечественного прикладного искусства, развитие его до начала Великой Отечественной войны сопровождалось серьезными трудностями, связанными с политическими событиями в стране, внутренняя политика которой была направлена на чистку коммунистической партии от врагов народа и их уничтожение. Никакие заслуги перед Родиной не могли изменить или смягчить решения пролетарского суда. Таким образом, пострадали многие мастера народного искусства - они были сосланы на Урал или в Сибирь. Так, в поселениях северных регионов России появились технологии художественной обработки материалов нетрадиционные для данной местности: вышивки, набойки, плетение и др.

Война с фашистской Германией нанесла большой урон отечественному искусству. На полях сражений погибали лучшие мастера русской художественной промышленности и кустарных промыслов. Только к концу войны многие были отозваны из армии и занялись восстановлением и расширением всех отраслей художественного производства.

В 1945 году было открыто Московское высшее художественно-промышленное училище (Строгановское) и Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В.И. Мухиной. В Московском текстильном институте был создан факультет прикладного искусства с отделениями моделирования одежды и ковроделия. Наиболее подробно об истории развития советского декоративно-прикладного искусства можно узнать из книг “Советское декоративное искусство”, изданных под редакцией В.П. Толстой [39, 40].

В послевоенные годы начало бурно развиваться камнерезное дело, заметных успехов в котором добились уральские мастера. Собрание наиболее известных изделий уральских мастеров хранится в Свердловском историко-краеведческом музее. Вазы, столешницы, чаши, шкатулки, ювелирные украшения, статуэтки выполнены с выдумкой и тонким чувством красоты камня. Известны во всем мире изделия из уральского малахита. Малахитовые изделия, столешницы, блюда делают в технике русской мозаики, известной с середины XVIII века. Малахит для таких изделий нарезали тонкими пластинами, сравнивали и сопоставляли, чтобы сложился узор. Готовый набор пластин шлифовали, обтачивали так, чтобы не было заметно ни одной щелки, и наклеивали на готовую форму из более дешевого камня.

В музее хранятся изделия Екатеринбургской гранильной фабрики, которые экспонировались в разные времена на всемирных выставках: горка-грот (1896 г.), карта Франции из уральских самоцветов, монументальные декоративные вазы (1900 г.) и др.

Технологию художественной обработки мягкого камня возродили и совершенствуют предприятия художественных промыслов Пермской, Архангельской, Горьковской, Московской областей. Мастера - камнерезы, работающие с мягкими породами камня, добились больших успехов в передаче внутренней динамики движения фигурок. Одним из ярчайших примеров декоративного искусства современности является работа художника В.К. Замкова (Москва), выполненная в технике флорентийской мозаики - панно “Культура, искусство, театр” площадью 220 квадратных метров, которое находится в Культурном центре Олимпийской деревни. Это панно удостоено Государственной премии СССР. Фотографии лучших и раритетных образцов из камня помещены в альбомах и книгах об искусстве: “Народные художественные промыслы России” [45], “Свердловский историко-краеведческий музей” [38], “Что такое искусство?” [1], “Самоцветы СССР” [37] и др.

Традиции художественной резьбы и росписи по дереву сохраняют и продолжают народные мастера северных районов нашей страны, Подмосковья, Карелии, Камчатки, Дагестана. Наиболее известны из них богородские игрушки, которые привлекают занимательным сюжетом и выполнены с теплым юмором. Всемирную известность получили изделия заволжских мастеров. Искусство хохломской росписи, которой пользуются мастера из Хохломы, было известно еще в Древней Руси. Суть ее заключается в металлизации поверхности деревянных изделий. После специального просушивания и покрытия поверхности лаком она становится “золотого” цвета. После такой обработки художник выполняет роспись изделия красными, черными и зелеными красками, оставляя некоторые участки не закрашенными. Такое сочетание цветов, тонкие узоры (“под фон”, “кудрина”) растительных форм, сочетание формы и назначения придают особую привлекательность этим деревянным изделиям. В нашей стране и за рубежом известны работы мастеров О.Н. Веселовой, А.Ч. Карпова, Е.Н Доспалова, Н.И. Иванова и др. Работы этих мастеров отмечены Государственными премиями РСФСР.

Русская матрешка - любимая детская игрушка, очень популярна не только в России, но и далеко за ее границами. Искусством изготовления матрешки в совершенстве владеют мастера Горьковской, Кировской, Московской областей.

Традиции изготовления изделий из бересты и соломы сохраняются в творчестве народных мастеров Якутии, Дальнего Востока, Западной Сибири, Архангельской, Вологодской, Пермской, Кировской областей. Береста – доступный и несложный в обработке материал, ею декорировали деревянные шкатулки, туеса, солонки. Отделку берестяных изделий выполняют резьбой, гравировкой, тиснением, росписью (см. рис. 1). К примеру, роспись пермогорских мастеров отличается характерным очертанием белого, золотисто-кремового цвета с мелким растительным орнаментом из копьевидных листьев, завитков, цветочков. Художники изображают на изделиях птиц, зверей, сцены крестьянской жизни – чаепитие, посиделки, ткачество и т.п. (см. рис.2).

Рис. 1. Пример отделки туеса прорезной берестой.

Великий Устюг. XIX в.

Рис.2. Пример росписи на бересте. Птица Сирин.

Село Пермогорье. XIX в.

Мастера России, Украины и Белоруссии делают великолепные изделия из соломы - это фигурки людей, птиц, животных. Сшивая плетешки из соломки, они делают сумки, шляпы, короба. Шкатулки, лотки, тарелки для хлеба украшают инкрустацией из проглаженных полос соломки разных оттенков желтого цвета. В.А. Барадулин в книге “Сельскому учителю о народных промыслах” [5] рассказывает об истории создания технологий обработки бересты, соломки, лозы, корня, рогоза. Автор дает практические советы по изготовлению некоторых изделий из этих материалов.

В настоящее время активно развивается гончарный промысел. Наиболее известны изделия гжельских мастеров, мастеров Скопина (Рязанская область) и из селения Балхар. Особой популярностью пользуются глиняные игрушки - дымковская, каргапольская, филимоновская. В альбоме “Народные художественные промыслы России” помещены фотографии лучших работ мастеров Л.А. Ивановой, З.В. Пенкиной, Е.И. Косс-Деньшиной, О.И. Дериглазовой, А.М. Трефиловой, А.Г. и Е.И. Карповых, Г.И. Барановой и др. (см. рис. 3).

Рис. 3. Г.И. Баранова. Водоноска. 1977;

Е.И. Косс-Деньшина. Фантастические птицы. 1977

Со второй половины XIX века известны фигурные сосуды скопинских мастеров. Современные скопинские мастера Н.К. Насонова, А.И. Рожко и др. возрождают приемы старых мастеров. Их изделия - сказочные звери и птицы, сосуды украшены цветной глазурью, процарапками, рельефной отделкой и др.

Наиболее популярны изделия гжели. Гжельский керамический завод еще до Октябрьской революции снабжал Москву, Петербург, Урал, Сибирь кирпичом, изразцами, посудой, игрушками. Наибольшее развитие искусство гжели получило в послевоенный период. Сотрудники НИИ художественной промышленности под руководством А.Б. Салтыкова и Н.И. Бессарабовой и художники гжели Л.П. Азарова, З.В. Окулова, А.Н. Федотов и др. возрождали традиционную технику изготовления гжельских изделий - подглазурная роспись кобальтом на полуфаянсе. Мастера создавали новые формы гжельских сосудов, новые темы для росписи посуды, детских игрушек (см. рис. 4).

Рис. 4. Работа мастеров гжели. Квасник. Полуфаянс. XIX в.

Борисовская фабрика работает на местных пластичных глинах теплого светло-коричневого цвета. Отличительная особенность борисовской керамики – сочетание с плетением из лозы. Из лозы выполняются ручки сосудов, подставки или полностью оплетается весь сосуд. Фотографии лучших экземпляров изделий народных мастеров России помещены в альбоме “Народные художественные промыслы России” [45].

На Русском Севере издавна занимались резьбой по кости. Для изготовления изделий использовали кость моржа, коровы, мамонтовые бивни. Косторезное дело осваивали мастера села Ломоносово, Тобольска, Хотькова. Работы косторезов отличаются искусным изображением животных и людей, элементами пейзажа. Современные мастера научились делать из кости многочисленные предметы утилитарного назначения: коробки, бусы, настенные панно, миниатюрные статуэтки, шахматы и др. (см. рис.5).

Рис. 5. Пример художественной обработки кости. А.С. Гурьев. Ваза. Ажурная резьба. 1979

Искусство художественной обработки металла известно с древних времен. Разнообразные способы обработки появлялись на основе развития центров производства металла и складывались из традиций народа, их собственных возможностей и художественных особенностей материала. Традиционные черты искусства определяют отличие изделий мастеров разных поселений. Так, искусством филиграни владеют мастера Костромской области, черненого серебра - Великого Устюга, росписи эмалью - мастера фабрики “Ростовская финифть”, миниатюрной чеканки – ювелиры Бурятии, Северного Кавказа. Кубачинские мастера умеют плавить и ковать, чеканить и гравировать металл, украшать его чернью и эмалью, соединять с костью и цветными камнями (см. рис 6.).

Рис. 6.Пример художественной обработки металла

кубачинскими мастерами.

Расаул Алиханов - глава кубачинской школы ювелиров, Г.Б. Магометов, А. Мюллаев и др. отмечены за вклад в развитие национального искусства Государственными премиями и носят почетное звание заслуженных художников.

Особыми художественными достоинствами обладают изделия мастеров Палеха, Федоскино, Мстеры, Холуя. Технология изготовления папье-маше известна с XIX века. Ею в совершенстве владели иконописные мастера Владимиро-Суздальского края. Федоскинские мастера в первые годы Советской власти освоили способы изготовления и росписи таких изделий. В 1924 году в селе Палех Ивановской области была организована артель древнерусской живописи, в поселке Мстера Владимирской области в 1934 году была открыта фабрика “Пролетарское искусство”, в селе Холуй Ивановской области - третье художественное производство. Мастера этих центров возродили и усовершенствовали систему миниатюрной росписи темперными красками, разведенными на яичных желтках. Мастера лаковой миниатюры используют в своей росписи сюжеты исторических битв, сказок, в них отражены преобразования, происходившие в нашей стране, прежде всего в деревне. Роспись этих изделий выполняется на фоне черного лака, или используют фон красного, золотисто-желтого цвета, и сопровождается тонким, ажурным золотым орнаментальным обрамлением. В работах художников В.А. Абрамова, А.О. Почанина, В.С. Муратова, Н.Н. Денисова, В.Н. Седова, Б.В. Харчева с особой теплотой и юмором изображены сцены жизни русского народа.

Мастера Жостова и Нижнего Тагила демонстрируют своеобразную технику искусства в росписи подносов. Постоянная импровизация характерна творческой работе мастеров - ни один из подносов не повторяет другой. Данный уральский промысел существует более 300 лет. Первый живописец Андрей Степанович Худояров (1722-1804), крепостной Демидовых, проработав несколько лет на заводе, получил разрешение открыть собственную мастерскую. Первоначально этот промысел удовлетворял запросы заводовладельцев и развивался под воздействием профессионального искусства. В 1806 году Демидовы основали при заводе художественную школу, где обучались будущие скульпторы, архитекторы, живописцы. Здесь же обучали росписи по металлу.

Этот промысел быстро приобрел популярность. Вид живописи на металле, которую изобрели в Нижнем Тагиле, отличался тем, что изделия покрывались лаком. Кроме черного лака, которым покрывалась перед началом росписи поверхность подносов, был изобретен особый, так называемый хрустально-прозрачный, лак. Тайна изготовления этого лака хранилась в большом секрете. Свойства его заключаются не только в его прозрачности, но и особой прочности. Казалось, рисованая картинка под этим лаком будто влита в металл. Ни жаром, ни морозом ее не берет. Даже если на поднос пролить кислоту - вреда ему нет. Дырку в подносе можно было сделать только царской водкой или купоросом, так как их не выдерживают никакие металлы. Об этом даже писал П.П. Бажов в своем сказе “Хрустальный лак”.

Лакировали подносы мужчины, тщательно оберегавшие секрет изготовления лака. Надо обладать большим мастерством для того, чтобы не было подтеков, а лак ложился ровной прозрачной пленкой. Готовый поднос приобретал живой блеск, краски под лаком горели, как уральские самоцветы (см. рис. 7).

Эти редкие качества прозрачного тагильского лака и благородного черного, а также мастерство художников, создававших красочные своеобразные композиции, способствовали широкому распространению тагильских, или, как тогда говорили, “сибирских” лаковых изделий. На первых же общерусских выставках тагильские подносы получили высокую оценку и пользовались спросом не только в России, но и в странах Европы и Азии. И это не случайно: лакированные изделия были красивы и практичны.

Рис. 7. Пример декоративной росписи на металле. Поднос “Фиалки”.

Е.П. Лапшин. 1977

Необыкновенно красива была и роспись подносов. Работа по росписи делилась на три стадии. Роспись, не требующую особого мастерства, такую, как “набивание земли”, выполняли подмастерья. “Малевали” - делали вчерне рисунок букета, накладывая однотонные мазки для будущих цветов и листьев, - женщины, освоившие искусство раскраски подносов. Окончательное художественное оформление поднос получал в руках “писак” - художниц, клавших теневые мазки, световые блики, рисовавших тычинки и лепестки цветов, оформлявших зелень букета. Основу композиции подносов составляют два - три цветка, обрамленных зелеными листьями и тонкими разноцветными травинками. Колорит сдержанный и умело подобранный.

Традиции росписи передавались из поколения в поколение. С середины 19 века художественный уровень изделий резко упал. На поднос стали наклеивать картинки из журналов, старых гравюр. Кроме того, к началу 20 века был утрачен секрет изготовления лака. Возродился промысел лишь в 1925 году. Сначала артель состояла из 5 человек. Через 2-3 года в ее составе было уже около 400 человек. Нижнетагильские мастера стали учиться приемам декоративной росписи у мастеров Жостова. Но заимствование приемов жостовской росписи лишило тагильские подносы свойственной им выразительности и индивидуальности. Восстановление сибирской росписи в 70-х годах 20 столетия вернула промыслу былую славу. Фотографии наиболее ценных нижнетагильских подносов помещены в альбоме “Нижнетагильский краеведческий”.

Чугунное литье появилось на Урале примерно 200 лет назад. Зарождение художественного чугунного литья связано с хозяйственными нуждами. Первыми изделиями были печные дверцы, вьюшки (пластины из чугуна, перекрывающие доступ воздуха в печных трубах), котлы, ступки, утюги.

Сегодня известны своими изделиями Верх – Исетский, Кыновский, Нижнеисетский, Каменский, Белимбаевский, Верхнетуринский, Сосьвинский чугунолитейные заводы. Но самым известным стал Каслинский чугунолитейный завод, который был построен в 1747 году тульским купцом Коробковым на берегу озера Касли, под Челябинском. Потом его приобрел известный уральский промышленник Демидов. А впоследствии завод стал собственностью миллионера - купца Расторгуева. Вскоре продукция завода завоевала отечественное, а потом и мировое признание.

Первые успешные опыты по освоению художественного литья были сделаны на заводе в конце 19 века (1860 - 1890). С 1860 года каслинцы демонстрировали свои изделия на выставках Парижа, Филадельфии, Копенгагена, Стокгольма. Каслинцы достигли всего лучшего в художественном литье, что было достигнуто на других уральских заводах, усовершенствовали их технику, отделку отливок.

И в настоящее время чугунное литье выполняется по традиционной технологии. Сначала делают деревянные модели, покрывают их специальными покрытиями и наливают в них раскаленный докрасна чугун. Жидкий чугун заполняет все пространство модели, застывает. Впоследствии его выколачивают из формы.

Заводские мастера изобрели способ окраски изделий горячей олифой. Олифа - это масляное покрытие, которое позволяет придать изделию живой блеск. В Каслях было отлито более 30 скульптур по моделям Клодта - художника большого дарования, широкого творческого диапазона, которому с успехом удавались и монументальные произведения (памятник Крылову в Ленинграде), а также малые отливки. Кроме скульптур отливали решетки для изгородей, ворота, украшения для парадного входа, подставки для зонтов, шкатулки, декоративные блюда (см. рис. 8). Во многих изделиях проявилась глубинная связь искусства литья с народным творчеством.

Рис. 8. Пример чугунного литья каменских мастеров. Дверной навес “Георгий Победоносец”. Конец XVIII в.

Один из самых древних и широко распространенных видов народного искусства - вышивка. На Руси по установленному обычаю девочку с малых лет обучали этому виду творчества. У каждого народа на протяжении многих лет создавались свои приемы и способы обработки тканей, свой круг мотивов вышивки, свой композиционный строй орнамента, свой колорит. Эти местные особенности народной вышивки легли в основу развития технологии ручного и машинного вышивания.

После Октябрьской революции были созданы крупнейшие центры вышивального искусства в Калужской, Рязанской, Калининской, Ивановской областях. Работы ивановских мастериц - это постельное, столовое белье, женская одежда, отделанная белой строчкой. Работы А.П. Ганушкиной - нарядные комплексы для однокомнатной квартиры, платья и блузки были представлены на юбилейной выставке ВДНХ СССР и отмечены высшей оценкой. Автор за свои работы была награждена золотой медалью ВДНХ.

Рязанские, калининские, калужские, смоленские вышивки отличаются от ивановских вышивок ярким колоритом и простотой фактуры. Узор рязанской вышивки придерживается строго геометрического характера орнамента, в основе которого лежат ромб, квадрат, косой крест и другие формы.

Необычная по красоте орнамента и разнообразию фактуры вышивка “горьковский гипюр” используется в изделиях Шахунской строчевышивальной фабрики. Вышивка отличается крупной сеткой и длинными пушистыми стежками, из которых образуются разные формы орнамента. Такой вышивкой украшают скатерти, салфетки, полотенца, постельное белье (см. рис. 9).

Рис. 9. Образцы русской вышивки А.И. Демченко и М.А. Дроздовой. 1970-е годы. П.И. Уткин. Народные художественные промыслы России

Огненно-красные или белые владимирские вышивки отличаются фантастичностью растительного орнамента. Мастерицы Мстерской швейной фабрики им. Н.К. Крупской вышивают такими вышивками детали одежды, пояса, воротники, настенные панно.

К уникальным видам русской вышивки относят золотное шитье, получившее распространение в г. Торжке Калининской области. Такой вышивкой украшают изделия из замши, бархата, сукна, шерсти.

Своеобразные вышивальные узоры используют в национальной вышивке мастерицы Чувашии, Мордовии, Удмуртии, Татарии и других регионов.

Широко в оформлении интерьера жилых и служебных помещений применяются ковровые изделия. Здесь используют ворсовые и гладкие ковры, паласы, скатерти, салфетки.

Искусством изготовления ковров владели еще в древние времена кочевые народы. Киргизы, казахи, туркмены, узбеки делали войлочные ковры из шерсти домашних животных. В наши дни такие ковры также делают вручную и отделывают двумя способами: вваляным или мозаичным узором. Войлочные ковры удивительно теплые, мягкие и прочные. Их развешивают на стенах кибиток и юрт, укладывают на землю (см. рис. 10).

Рис. 10. Изготовление тканых ковров мастерицами Средней Азии

Традиционным районом ворсового ковроделия является Дагестан. Женщины небольших аулов вяжут вручную узелковым способом ковры из сложнейших узоров. В центре ковров, синего или красного цвета, размещаются два-три крупных медальона - картуша, обрисованных зубчатым изрезанным контуром, мощными прямоугольными, иногда слегка скругленными, уступами. Внутри медальоны заполняются растительными мотивами, геометрическими фигурами.

Совершенно иной характер носят изделия мастеров Севера и Дальнего Востока. Их изделия из меха и шкур оленей - это шубы-кухлянки, головные уборы - малахаи, рукавицы – оформлены сложным спирально-ленточным орнаментом, аппликацией, отделаны ярким бисером и стеклярусом. Мотивы для вышивки отображают быт северных народов и всю красоту северной природы.

В настоящее время на предприятиях народных художественных промыслов получает дальнейшее развитие и творчески осваивается все наиболее интересное и жизнеспособное из того художественного наследия, которое донесли до нас мастера-художники прошлых веков. Перспективная работа в развитии декоративно-прикладного искусства делает ставку на художника широкого профиля. Новый подход в решении творческих задач заключается в специализации художника, который, работая над обликом той или иной вещи, задумывался бы о том, как будет сочетаться эта вещь с другими.

Благодаря художественно-образной природе, декоративно-прикладное искусство обладает такой же способностью воздействовать на людей, как и все другие виды художественного творчества. А.Е. Ферсман в книге “Очерки по истории камня” [47] описывает, какое художественное впечатление вызывают у человека изделия из камня: “Умение воплотить в камень определенную идею, связать художественную мысль с задачами предмета или изделия - все это имеет громадное значение для психологии человека, его настроения, самочувствия, работоспособности”.

Хорошо известно, что воздействие произведения искусства на человека не ограничивается возбуждением в нем чувства эстетического удовольствия. Чувство это вызывает у зрителя, слушателя, читателя красота произведения, но ведь художник воплотил в нем поэтическое содержание, которое люди должны воспринять. А для этого нужно “пережить” произведение искусства, проникнуться теми эмоциями, которые художник вложил в свое творение. И если это подлинное искусство, а не ремесленническая подделка под искусство, оно воздействует на сознание человека. Как же реализуется образная сила прикладного искусства в ходе использования и восприятия людьми его произведения?

Обстановка храма, его убранство должны перенести входящего в храм человека в новый мир, совершенно непохожий на его повседневную, обыденную жизнь. Архитектура и убранство жилого помещения должны вызывать у человека чувство собственного достоинства, комфорта и удовлетворенности. Таким образом, удовлетворяя практические нужды людей и украшая их жизнь, прикладные искусства вкупе с архитектурой оказываются способными идейно - эмоционально организовывать жизнь людей во всех главных ее проявлениях.

Возбуждая в душе человека определенные ощущения, “настраивая” его психику на определенный лад, вызывая у него определенный строй мыслей и чувств, эти искусства помогают людям органично и эффективно действовать в той или иной обстановке. Убранство кабинета и спальни призвано располагать людей к работе в одной комнате и к отдыху - в другой. А умение одеваться со вкусом означает не только умение одеваться красиво, но и умение одеваться уместно. “Важно, - подчеркивают авторы, - Г.Б. Минервин и В.М. Мунилов в книге “О красоте машин и вещей”, чтобы вещи служили человеку, а не он их обслуживал” [26].

Контрольные вопросы

1. Какую роль в жизни человека призваны сыграть произведения декоративно-прикладного искусства?

2. Какие элементы составляли декор предметов первобытных племен?

3. Каким образом образцы народного искусства распространялись в древнем мире?

4. Какие изменения в развитии народного искусства происходили в связи с развитием промышленного производства в дореволюционной России?

5. Назовите виды художественной обработки материалов, получившие распространение в нашей стране.

Дата добавления: 2015-03-29