Живопись и графика 4 страница

В. В. Верещагин (1842-1904). В творчестве Василия Васильевича Верещагина заключены главнейшие достижения русского искусства в области батальной живописи.

Сам Верещагин обычно называл себя не баталистом, а художником военных сцен. Действительно, в его искусстве картины сражений очень редки. Верещагин рассказывал зрителю о войне как о величайшем зле, как об огромной человеческой драме. Художника волновали не кровавые зрелища войны, не эффектные картины сражений, а великое геройство и великое страдание народа.

Верещагин происходил из старинного дворянского рода. Он окончил Морской кадетский корпус, но сменил блестящую карьеру морского офицера на беспокойную профессию художника, поступив в Академию художеств. В 1863 году он оставил последнюю, не удовлетворенный старыми методами преподавания. Порывая с Академией, Верещагин первым среди русских художников открыто поднял знамя борьбы за демократическое искусство.

Верещагин создавал большие серии картин, связанных между собой общей темой и идеей. Вместе с тем отдельные из них, входящие в такие серии, настолько закончены и ясны по содержанию, что они воспринимаются зрителем и как самостоятельные произведения. Значительный художественный и исторический интерес представляют многочисленные натурные этюды Верещагина, в которых отразилось его глубокое и неустанное изучение окружающего мира.

Свои произведения художник строил на обширном знании жизни, которое он приобрел в многочисленных путешествиях. Он побывал во многих уголках России, ездил в Индию и Тибет, Сирию и Палестину, был в Японии, посетил даже Филиппины и Кубу.

Уже с конца 1860-х годов, когда начался расцвет его творчества, длившийся до начала 1890-х годов, ведущей темой в его искусстве стала война. Художник сразу же порвал с традиционными парадными изображениями войны как эффектной баталии. Он "сознательно решился дать другим взглянуть на отвратительные подробности войны", на тот сложный путь к победе или поражению, который одинаково устлан трупами солдат.

Первая большая серия военных картин Верещагина - Туркестанская - была написана им в 1871-1873 годах в результате двух его поездок в Среднюю Азию, где художник стал очевидцем и участником военных столкновений русских с войсками эмира бухарского. Основу этого цикла составляют картины на военные темы, но их дополняют композиции, обличающие варварство и фанатизм среднеазиатского Востока, а также многочисленные портретные этюды с натуры и пейзажи. Среди картин Туркестанской серии многие воспроизводят конкретные события или эпизоды, как, например, "Смертельно раненный", некоторые же являются плодом творческой фантазии художника, хотя и их основа также всегда жизненна ("Забытый").

Туркестанскую серию завершает группа полотен, сюжетно связанных друг с другом и объединенных единым названием "Варвары". В первой ее части рассказывается о борьбе и трагической гибели в неравном бою русского отряда ("Высматривают", "Нападают врасплох", "Окружили - преследуют"). Варварские обычаи торжествующих победителей - главный сюжетный мотив второй части ("Представляют трофеи", "Торжествуют"). Заключительное звено этой серии - картина "Апофеоз войны" (1871, ил. 164).

Ил. 164. В. В. Верещагин. Апофеоз войны. X., м. 127 X 197. 1871. ГТГ

Огромная груда человеческих черепов зловеще возвышается на выжженной солнцем земле. Жизнь, еще недавно кипевшая здесь, замерла. Мертвые оголенные деревья и печальные руины восточного города молчаливо свидетельствуют об опустошительных последствиях войны. Лишь вестники смерти - вороны - нарушают мрачное молчание.

Сюжет этой картины вполне достоверен. Подобные "пирамиды" смерти воздвигались во времена могущественного Тамерлана. История знает их повторения и в более поздние эпохи. Но идейный замысел картины настолько широк и философски значителен, что она приобретает символический смысл. "Апофеоз войны" - резкий протест против всех захватнических войн, несущих с собой смерть и разрушение. По словам Верещагина, это его произведение "столько же историческая картина, сколько сатира, сатира злая и нелицеприятная".

Большинство произведений Туркестанской серии документально в передаче деталей. Столь же точным старался быть художник, воплощая контрастные краски среднеазиатской природы. В своих поисках жизненного колорита Верещагин в те годы опережал многих современников. Однако еще не везде ему удавалось тогда привести цвет к гармоническому единству и преодолеть его локальность и дробность.

Следующий значительный цикл картин Верещагина - Балканская серия (1878-1881). Она насчитывает более двадцати полотен и занимает центральное место в творческом наследии художника. Здесь с особой ясностью сказались его демократические взгляды. За те несколько лет, которые отделяют ее создание от Туркестанского цикла, художник сделал большой шаг вперед. Его искусство приобрело идейную глубину и социальную остроту и в то же время стало проще и сдержанней; рисунок приобрел обобщенность и мягкость, композиция - большую естественность, колорит потерял резкую цветистость, стал гармоничнее.

Балканская серия - подвиг Верещагина. Она - результат его наблюдений и личного геройского участия в русско-турецкой войне 1877-1878 годов. На этот раз только две картины серии были написаны по воображению, в остальных художник изображал лишь то, что видел сам. Очевидцем же Верещагин был столь многого, что вся серия составила довольно целостное повествование о ходе военных событий на Балканах. Это повествование было проведено с тенденциозностью и мастерством, которые характеризуют сложившееся искусство критического реализма. Главным сюжетом в Балканской серии служили будни войны, боевая жизнь солдат, состоявшая из непрерывных жестоких лишений, страданий и каждодневного подвига.

К лучшим полотнам серии относится "После атаки. Перевязочный пункт под Плевной" (1877-1878, ил. 163). На нем изображены последствия третьего трагического для русской армии штурма Плевны. Выжженная солнцем долина сплошь заполнена ранеными. Их уже давно не вмещают лазаретные палатки. Кое-как примостившись на жесткой иссушенной земле, люди терпеливо ждут помощи. С большим композиционным мастерством построена эта сцена. Разнообразием поз, хорошо выявленным глубоким пространством, как бы случайным срезом холста справа (что заставляет зрителя мысленно раздвинуть рамки изображенного), умелым чередованием оттенков в однообразной одежде солдат Верещагин достигает впечатления массовости сцены. Герой ее - народ, "носящий мундир и ружье", русский солдат с его беспримерными стойкостью и героизмом. Вместе с тем художник выделяет и отдельные фигуры. Справа, у самого края холста, опершись на ружье, стоит раненый солдат. Его повязка вся в запекшейся крови, лицо искажено болью, руки судорожно схватились за винтовку, и все же он мужественно выносит страдание.

Ил. 163. В. В. Верещагин. После атаки. Перевязочный пункт под Плевной. X., м. 183X402. 1877-1878. ГТГ

Безвестным героям русско-турецкой войны посвящены и картины, которые в свое время произвели огромное впечатление на современников. "Панихида по убитым" была написана под живым впечатлением виденного художником огромного поля мертвых после сражения, а триптих с ироническим наименованием "На Шипке все спокойно" явился трагической повестью о судьбе русского солдата - часового, замерзшего на своем посту. С конца 1880-х годов Верещагин почти все время жил в России, в пригороде Москвы, и путешествовал преимущественно по родной стране. Особое внимание художника в эти годы было направлено на изучение жизни России и русского народа. Значительный интерес представляет серия его портретов "незамечательных русских людей" - таковы "Отставной дворецкий", "Старуха нищенка", "Рабочий". В 1890-е годы Верещагин создает последнюю серию картин - "1812 год". Она основана на большом документальном материале, но в художественном отношении не может идти в сравнение с упомянутыми выше произведениями.

До конца своей жизни Верещагин не терял творческой энергии и целеустремленности. Смерть застала его на посту художника-воина. В 1904 году во время русско-японской войны он погиб при взрыве броненосца "Петропавловск".

Пейзаж. Наряду с принципиальными переменами, которые во второй половине XIX века определяли эволюцию бытового жанра, портрета, исторической картины, качественно новые изменения происходили и в русском пейзаже. В этот период пейзажистов привлекала прежде всего русская природа. В ее изображение они вкладывали свою любовь к родине, связывали представление о родной земле с главным героем эпохи - русским крестьянином. Народность и демократизм, идейная содержательность пейзажных картин, высокое мастерство и разнообразие творческих индивидуальностей - отличительные качества пейзажных произведений критического реализма. "Русский пейзаж принес России одну из ее слав", - писал В. В. Стасов.

А. К. Саврасов (1830-1897). Алексей Кондратьевич Саврасов по праву считается основоположником русского национального пейзажа. Он не только утвердил поэзию и красоту русской природы, художник прочно связал ее с русским человеком. По сути дела его пейзажи - это тоже окружающая жизнь, своего рода картины бытового жанра, но воплощенные в специфических формах пейзажной живописи.

Не все творчество Саврасова одинаково ровно. Черты условного академического романтизма присутствуют не только в его ранних картинах, иногда они появляются и в более поздних произведениях художника. Вместе с тем лучшие пейзажи Саврасова - достижения реалистической пейзажной живописи, во многом определившие ее дальнейшее развитие.

К этапным пейзажам Саврасова следует отнести "Вид в окрестностях Ораниенбаума" (1854), где впервые он "доверчиво отдался природе", "Лосиный остров в Сокольниках" (1869) - картина, в которой утверждается эстетическая ценность всего того, что открывается перед глазами художника, лишь бы это было его родное, любимое. Саврасов с равным вниманием пишет и величественную гряду леса и грязное болотце с пересохшей пожелтевшей травой. Пейзаж "Проселок" (1873) также характерен для искусства Саврасова. Простой мотив утопающей в грязи пустынной проселочной дороги преображается здесь в исполненный красоты приподнятый образ природы.

Цв. ил. VIII. А. К. Саврасов. Грачи прилетели. X., м. 62X48,5. 1871. ГТГ

Центральное произведение Саврасова, принесшее ему заслуженную славу, - "Грачи прилетели" (ил. VIII), написанное в 1871 году и показанное на Первой передвижной выставке. Исключительно точно подобраны и размещены на холсте все детали - церковь с шатровой колокольней, березы, усеянные грачиными гнездами, серенькие задворки, дали, раскинувшиеся на горизонте. Колорит картины позволяет живо ощутить всегда желанную весну с ее прозрачными, словно подвижными, тенями, острыми контрастами теплых и холодных тонов. Саврасов создал образ любимой им весенней природы, как бы увидел ее глазами простого русского человека. Хотя в картине и нет людей, зритель чувствует их присутствие.

Саврасов сыграл большую роль в развитии русского пейзажного искусства и как педагог. Он развивал в своих учениках, в числе которых были К. А. Коровин и И. И. Левитан, чувство глубокой любви к природе и учил их умению зажигать ею сердца людей.

Ф. А. Васильев (1850-1873). Несколько по иному пути шло развитие искусства другого русского пейзажиста Федора Александровича Васильева. Судьба очень скупо отмерила жизнь художнику, но зато наградила его большим талантом. Он был превосходным живописцем с удивительно развитым чувством цвета, тонким рисовальщиком, глубоким и проникновенным поэтом природы. В противоположность Саврасову Васильев всегда искал в пейзаже возвышенное романтическое начало, но при этом его искусство не уходило от реалистической правды и простоты. Романтизм искусства Васильева - это его поэзия. Он умел вдохнуть ее в самые обычные, казалось бы, прозаические мотивы, в изображение простых барж на Волге, осеннего болота, заброшенной замшелой мельницы в лесной глуши. И если художник вводил в свои пейзажи элементы жанра, то они не разрушали поэтичности.

К двадцати годам Васильев был уже сложившимся художником, а в двадцать два года создал одно из своих лучших произведений - "Мокрый луг" (1872, ил. 167). Картина эта писалась в Ялте, где художник прожил последние годы своей жизни. Он работал над ней по памяти, на основе небольших, привезенных с собой набросков, тоскуя по родным местам.

Ил. 167. Ф. А. Васильев. Мокрый луг. X., м. 70X 114. 1872. ГТГ

"Мокрый луг" - сложная по своему замыслу картина, воспроизводящая типичные образы русской природы. Вновь в очень простом мотиве раскрывается высокая поэзия. Художник отказывается от мельницы, которая была в одном из эскизов, птиц на первом плане, так как здесь это нарушило бы величественность пейзажа. В нем удивительно уживаются обобщенность в далях и почти ботаническая точность первого плана, простота и естественность сюжетного мотива с продуманностью монументального решения картины.

Еще более сложна по замыслу последняя большая картина Васильева "В Крымских горах". Возвышенной суровой красотой проникнут этот пейзаж. С помощью композиции, весь строй которой подчеркивает общее движение вверх, исключительно богатого колорита Васильев создает подлинно героический образ природы. Крамской назвал эту картину "пейзажной симфонией".

И. И. Шишкин (1832-1898). Иван Иванович Шишкин приобрел славу замечательного пейзажиста уже с первых своих выступлений на передвижных выставках; он сам признавал впоследствии, что именно Товариществу передвижников он был обязан лучшими сторонами своего творчества.

Основой его искусства были внимательное изучение действительности, трезвость и объективность в оценке впечатлений, точность в передаче всех деталей, одинаково характерных и для его картин и для этюдов.

Шишкин любил русскую природу, могучую, обильную, несущую в себе благо людям. Мимолетные чувства человека, возникающие под влиянием настроения, редко проникали в его картины. В большинстве своем они величаво спокойны и эпически широки.

В картине "Рожь" (1878, ил. 165), изображая бескрайнюю спелую ниву, художник воспевает неиссякаемую богатырскую силу русской земли. Благодаря широкому развороту дороги во ржи - мотив, распространенный в русской пейзажной живописи, - и могучим соснам, увеличивающим впечатление большого пространства, идея пейзажа становится особенно ясна.

Ил. 165. И. И. Шишкин. Рожь. X., м. 107 X 187. 1878. ГТГ

Этой же мыслью проникнута картина Шишкина, очень удачно названная словами народной песни "Среди долины ровныя" (1883), где среди необозримых просторов гордо возвышается мощный кряжистый дуб с широко раскинувшейся могучей кроной.

Но больше всего Шишкин любил лес, истинным поэтом которого он был. Тонкостволые нежные березы или печальные плакучие ивы - редкие гости в картинах художника. Его стихия - полные девственной силы хвойные леса, величественные дубовые рощи. Исключительно популярны такие его картины, как "Утро в сосновом лесу" (1889), "Корабельная роща" (1898), "Лесные дали" (1884), "В лесу графини Мордвиновой" (1891). Оставаясь верным своим темам и идеям, художник к поре своей творческой зрелости - к 1880-м годам - преодолел излишнюю описательность и сухость ранних произведений и в лучших картинах достиг гармонии обобщенного монументального образа при тщательной проработке деталей.

Ценнейшая часть творческого наследия И. И. Шишкина - рисунки и офорты, выполненные на высоком профессиональном уровне.

А. И. Куинджи (1842-1910). Очень много нового и своеобразного внес в русскую пейзажную живопись Архип Иванович Куинджи.

Куинджи постоянно работал с натуры, и многочисленные небольшие его этюды красиво, точно и сильно передают ее. В ранних пейзажах Куинджи, например в "Забытой деревне" (1874), заметно воздействие социально направленного передвижнического искусства, с конца же 1870-х годов в творчестве художника становится все более явным романтическое начало. Его увлекают эффектные, иногда трудноуловимые моменты жизни природы, ее яркие, умытые дождем краски, пурпурные закаты, озаренные фосфорическим лунным светом "волшебные" ночи. Поэтом редчайших световых эффектов выступает Куинджи в ряде своих картин. Его "Березовая роща" (1879) и особенно "Ночь на Днепре" (1882, ил. 168) в свое время поразили современников: первая сверканием яркого солнца, вторая - почти иллюзорно показанным лунным светом. Эта иллюзорность была результатом исключительно точно выверенных отношений цвета.

Ил. 168. А. И. Куинджи. Ночь на Днепре. X., м. 104 X 143. 1882. ГТГ

Романтика в искусстве Куинджи проявляется и в другом направлении, несколько родственном Ф. А. Васильеву. Он также любил поэзию величественных далей. Такова картина "Днепр утром" (1881) - своеобразная поэма, посвященная прекрасной цветущей степи.

С 1894 по 1897 год Куинджи руководил пейзажным классом в реорганизованной Академии художеств. За это время он сумел создать свою пейзажную школу. Среди его многочисленных учеников и последователей ряд известных художников - Н. К. Рерих, К. Ф. Богаевский, А. А. Рылов, В. Ю. Пурвит и другие.

В. Д. Поленов (1844-1927). Большую роль в развитии национального русского пейзажа сыграл Василий Дмитриевич Поленов. Разносторонностью творчества он отличается от других художников-пейзажистов того времени. Он занимался исторической живописью. Наиболее известно его большое полотно "Христос и грешница" (1887). Интересовал Поленова и бытовой жанр. Велики заслуги художника в области реалистического театрально-декорационного искусства, основоположником которого он был наряду с В. М. Васнецовым. Но наибольших успехов Поленов достиг в пейзажной живописи.

Поленов - мастер национального русского пейзажа. В картине "Московский дворик" (1878, ил. 166) он с любовью и искренностью изобразил непритязательный типичный уголок старой Москвы, ее медленную, спокойную жизнь: поросшие травой задворки, церковь с шатровой колокольней, чуть видную слева барскую усадьбу. Но в противоположность Саврасову Поленов больше любуется этой жизнью, чем проникает в нее. Его радуют свежесть красивой зелени, легкое нежное небо, прозрачный воздух ясного летнего дня. Он упорно и систематически писал на открытом воздухе и освободил свою палитру от темного "музейного" колорита. В разработке пленэрных проблем и приобщении к ним многочисленных учеников - большая заслуга этого художника.

Ил. 166. В. Д. Поленов. Московский дворик. X., м. 64,5X80,1. 1878. ГТГ

Замечательные достижения Поленова в пленэрной живописи отражены не только в его этюдах с натуры, которые он писал постоянно, но и в пейзажах-картинах. Интерес к ним у Поленова особенно возрос в 1880-х - 1890-х годах и был связан с его поисками типического образа русской природы. Характерны в этом отношении окские пейзажи художника. Написанные близ его имения "Бехово" в различные времена года, они изображают виды с высокого горизонта на Оку, обычно взятую в его пейзажах в широком развороте и окаймленную живописными берегами.

И. И. Левитан (1860-1900). Творчество Исаака Ильича Левитана - новый и значительный этап в развитии русской пейзажной живописи. В основе его искусства лежит стремление передать в образах природы чувства и настроения человека. Именно это желание увидеть одухотворенную природу, вызывающую у людей мир тончайших эмоций, всегда определяло содержание его пейзажей, композицию, колорит, манеру письма.

Ил. 169. И. И. Левитан. Владимирка. X., м. 70 X 123. 1892. ГТГ

Левитан учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у его виднейших преподавателей А. К. Саврасова и В. Д. Поленова. Ранние работы Левитана - результат внимательного и любовного изучения природы. Художник детально воспроизводил ее, обычно ограничивая пространственные рамки изображаемого, но уже тогда он стремился окрашивать природу настроением, которое она в нем пробуждала ("Осенний день. Сокольники", 1879).

Большую роль в творческом формировании Левитана сыграли его поездки на Волгу во второй половине 1880-х годов. Искусство художника приобрело больший размах, живопись и пластика - большую обобщенность. В картине "Вечер на Волге" (1886-1888) главной задачей художника становится передача широкого волжского простора с обобщенными массами неба, занимающего более половины картины, воды, пологого берега. Значительное развитие получает лирическая сторона дарования художника. Картина "Вечерний звон" построена столь продуманно, с таким верным отбором сюжетных деталей, что просветленный образ природы, изображенной в тихий час заката, действительно рождает музыкальные ассоциации.

Цв. ил. IX. И. И. Левитан. Март. X., м. 60 X 75. 1895. ГТГ

Для зрелой поры искусства Левитана характерны разнообразные по настроению, исполненные глубокого содержания завершенные пейзажные картины. "Над вечным покоем" (1894) - философское раздумье художника, полотно, насыщенное романтическим пафосом, немногословное и эпическое. Его основные "герои" - стихии мироздания: огромное небо с клубящимися облаками, величественное и мятежное одновременно, необъятная ширь озерных вод, простирающихся до горизонта. Край кладбищенского холма на переднем плане с деревянной церковкой на его гребне - словно примета скоротечности человеческой жизни в контрасте с вечностью могущественной природы... "Март" (1895, ил. IX) - солнечно бодрый, со звенящим мотивом пробуждающейся весны; она чувствуется и в настежь распахнутой двери дома, и в яркой голубизне небес, и в цветных, окрашенных солнцем тенях, бороздящих опавший снег. "Свежий ветер. Волга" (1895) - картина, пронизанная бодростью и оптимизмом, словно озвученная шумливой людской жизнью. Этот образ красавицы Волги, созданный Левитаном, напоминает ее описание А. М. Горьким в повести "Фома Гордеев". "Озеро. Солнечный день" (1899-1900) - одно из итоговых произведений Левитана. Художник поставил здесь трудную, но благородную цель - передать через пейзажный образ обобщенное представление о родине, о Руси, и любовь к ней.

В последние годы жизни Левитана лирическая основа его искусства усиливается. Композиция его пейзажей приобретает больший лаконизм, обогащается колорит, поэтическое чувство природы передается тоньше, порой совсем по-чеховски ("Сумерки. Стога", 1899, "Летний вечер", 1900, ил. 170).

Ил. 170. И. И. Левитан. Летний вечер. К., м. 49X73. 1900. ГТГ

Исключительная проникновенность левитановских произведений объясняется как огромным лирико-поэтическим дарованием художника, так и тщательным изучением натуры, точным композиционным расчетом, продуманной, богатой живыми наблюдениями колористической гаммой. Не случайно Левитан обычно долго задерживал свои полотна в мастерской, давая им возможность, как он говорил, дозревать.

Лучшие пейзажи Левитана выражают не только его личные чувства и настроения: они тесно связаны с мыслями и чувствами передовой русской общественности. Отсюда идейная значительность его пейзажных картин, большое место в которых занимают образ русской деревни и редкая в пейзажном искусстве социальная гражданская тема. Для тех, кто не знаком с русской историей, картина Левитана "Владимирка" (1892) - просто пейзаж, где все так печально: и нависшее небо, и тоскливый пасмурный день, и серая унылая дорога. Для тех же, кто знает русскую историю, эта картина вечно будет напоминать о бесконечной веренице ссыльных, которых в старые времена по Владимирке гнали в Сибирь.

Дата добавления: 2015-05-06