Творчество Рембрандта и развитие искусства Голландии XVII в

В XVII в. Голландия становится образцовой капиталистической страной, центром европейской культуры. В Голландии церковь не играла роли заказчика произведений искусства. Ими были бюргеры, голландский магистрат.

Главное достижение голландского искусства XVII в. - в станковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Трудолюбие, любовь к порядку и чистоте нашли отражение в картинах, изображающих голландский быт. Бытовая живопись становится одним из ведущих жанров. В искусстве торжествует победу реализм

Голландцы желали видеть в картинах весь многообразный мир. Отсюда широкая тематика: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистический жанр. Но в каком бы жанре ни работали голландские мастера, везде они находили поэтическую красоту в обыденном, умели одухотворить и возвысить мир материальных вещей. Художники: известным художником, работающим в жанре группового портрета, был Франс Халс, пейзажный жанр - Ян ван Гойен, Якоб ван Рейсдал.

Величайшую гордость Голландии составляет творчество Рембрандта (1606-1669), в центре живописи которого стоит человек, психологически верная передача характеров и душевных движений. Известность ему принесла картина «Урок анатомии». Рембрандт не боится реалистических деталей, как большой художник, он избегает натурализма. Богатейшие возможности Рембрандта-психолога раскрылись в картине «Жертвоприношение Авраама». Одно из самых замечательных произведений Рембрандта «Ночной дозор» - групповой портрет стрелковой роты капитана Баннинга Кока. Портреты позднего Рембрандта сильно отличаются от портретов 30-40-х годов. Это предельно простые изображения людей, близких художнику своим внутренним строем. Рембрандт умел создавать портрет-биографию, выделяя только лицо и руки, он выражал целую историю жизни («Портрет старика в красном»). Эпилогом творчества Рембрандта можно считать его знаменитую картину «Блудный сын», в которой с наибольшей полнотой проявилась этическая высота и живописное мастерство художника.

23. Испанская школа живописи XVII века. (по выбору студентов на примере творчества: Х. Рибера, Ф. Сурбарана, Д. Веласкеса, Б.Э. Мурильо).

Золотым веком испанской живописи является XVII век, конец 16 – 1-я четверть 17-го века, когда активно развиваются местные школы (Севилья, Валенсия, проч.).

Для искусства этого периода была характерна тесная связь с готическим искусством. У испанских художников было два заказчика-двор и церковь, под влиянием которого формировались вкусы людей.

Характерные черты живописи данного периода:

· преобладание остроты наблюдения натуры над художественным воображением;

· концентрация внимания на человеке, с исключением других пластов восприятия реальности (это вело к слабому развитию пейзажа и своеобразному, внесюжетному развитию бытового жанра).

Изображение человека при этом ограничивалось, по большей части, религиозной тематикой, и единственным светским жанром, который поощрялся, был портрет. Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в Испании в 1576 г. живописца Эль Греко. «Золотой век» испанской живописи означен именами таких художников, как Франсиско Рибальта, Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран.

На ранних этапах в творчестве Хусепе Риберы отчетлив интерес к ярко индивидуальному, конкретному, пусть даже уродливому. Он предпочитает темный фон, сложные ракурсы фигур («Св. Себастьян»). Его библейские персонажи - простолюдины, но всегда полные достоин­ства и гордости. Предпочитает изображать сцены мученичеств; в них ярче предстает нравственная сила героев. В картине «Хромоножка» жалкий маленький калека изображен художником с большой теплотой, в нем подчеркнуты его веселость, лукавство, а ракурс несколько снизу делает его изображение монументальным, придает ему величественность. Расцвет творчества Риберы относится к 30-40-м годам. Меняется манера. Живопись становится светлее, колорит - тоньше, исчезают резкие светотеневые контрасты, все как бы наполняется воздухом. Образы становятся более выразительными (чистый и красивый образ «Св. Инессы» - юной христианки, отданной на поругание толпе, но спасенной Богом, явившим одно из своих чудес).

Севильской школе принадлежит творчество Франсиско Сурбарана (1598-1664). Заказчиком Сурбарана была церковь, главными персона­жами - монахи. Спокойные, важные, благочестивые, они пред­ставлены обычно в рост, в белых одеждах на темном фоне, в застылой, статичной позе, что сообщало им оттенок вечного, незыблемого («Св. Лаврентий» с сим­волом мученичества -жаров­ней в руках). Живопись зрелого Сурбарана совершенно самосто­ятельна и свободна от каких-либо влияний. Образы полны одухотворенности, вели­чия, ясности и простоты. Лако­низм и выразительность пласти­ческих средств осо­бенно прослеживаются в его на­тюрмортах. Сурбаран создает по­истине монументальный образ «мертвой природы» в своих чистых по краскам и строгих по формам натюрмортах.

Самый замечательный художник «золотого испанского века» - Диего Веласкес (1599-1660). Первые самостоятельные работы мастера показывают его интерес к жанру бодег о нес («За­втрак», «Водонос»). В этих работах Веласкес передано глубокое уважение к людям из народа. Интересно, что у Веласкеса почти отсут­ствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им как жанровые сцены («Христос в гостях у Марии и Марфы»). Утверждение достоинства личности - основная черта портрет­ной живописи Веласкеса (портреты Филиппа IV, его детей, графа Оливареса и мн. др. придворных). Веласкес по праву считается одним из создателей парадного, репрезентативного портрета.

«Венера с зеркалом» - первое в испанском искусстве того времени изображение обнажен­ного женского тела. Венера написана со спины, в зеркале отражается ее простое милое лицо. «Пряхи». Это также жанровая картина, поданная монументально. На полотне изображена шпалерная мастерская, в которую пришли придворные дамы, чтобы полюбоваться на искусство прях. Веласкес воссоздает атмосферу труда, творящего искусство, и вся картина, в которой реальность каждодневного переплетения с вечностью мифа, вдруг оказывается прославлением самого искусства.

Творчество Бартоломе Эстебана Мурильо (1618—1682) завершает золотой век испанской живописи. Его работы безукоризненно точны композиционно, богаты и гармоничны по колориту и в высшем смысле слова красивы. Его ощущения всегда искренни и деликатны. Мурильо много работал по заказам монастырей и храмов. В 1660 г. он стал президентом Академии художеств в Севилье. Своими полотнами на религиозные сюжеты Мурильо стремился нести утешение и успокоение. Не случайно он очень часто писал образ Богоматери. «Вознесения мадонны», «Непорочное зачатие», «Снятого семейства», в которых поэтичность нередко переходите в слащавость, снискали ему европейскую славу, равно как и в жанровой живописи - изображения детей улицы, мальчишек в поэтических лохмотьях («Мальчике собакой»). Особенностью стиля Мурильо является необыкновенно сильная передача чувств и духа. После смерти Мурильо испанская школа живописи практически перестала существовать. Общий уровень мастерства резко упал, художники работали под влиянием итальянских, французских и немецких живописцев.

24. Характерные черты искусства Франции эпохи Просвещения (по выбору студентов творчество: А. Ватто, Шардена, Ж. А. Гудона).

Искусство Франции века Просвещения развивалось в условиях упадка феодализма, сплочения демократических сил общества накануне буржуазной революции. Деятельность французских просветителей была важнейшим элементом прогрессивной культуры эпохи. Во славу человеческих познаний и труда возводится величественный памятник - многотомная Энциклопедия французских просветителей.

В изобразительном искусстве побеждает светское начало, а позднее — гражданское: в борьбе против дословного неравенства утверждается достоинство личности. В развитии французского искусства XVIII в. выделяются несколько этапов:

·первые два десятилетия характеризовались пестротой принципов, стилей. Рядом с академизмом развивались декоративные принципы рококо, но они еще не сложились в единую систему;

·1730-1740 гг. развитие стиля рококо, расцвета реализма в бытовом жанре Шардена и реалистическом портрете Латура; Искусство наполняется злободневностью, обличает пороки и нелепости не только феодального, но и нарождающегося буржуазного общества.

·начиная с 70-х годов классицизм становится ведущим направлением во всех видах искусства. Этот период характеризует антифеодальная направленность, прославление героической личности (Гудон, Фальконе).

Новые проблемы выдвигаются и в архитектуре: падает значение церковного строительства, возрастает роль гражданской архитектуры, на первое место ставится планировка городов капиталистического общества, создаётся тип жилого дома, возникают городские ансамбли общественных зданий. Получает распространение стиль «рококо» (причудливый, капризный, в переводе с французского «раковина»)(Ватто, Буше, Фрагонар).

Французская скульптура. ХVIII века развивалась иначе, чем в ХVII столетии. Главным образом, решительно меняются тематиками и формы. Развитие скульптуры идёт от принципов рококо к нарастанию черт классицизма. Произведения французского искусства свидетельствовали о высоком уровне, о жизненности его гуманистического идеала накануне Великой революции, открывшей истории западноевропейского искусства новую эпоху.

Представителем стиля рококо в живописи был Жан Антуан Ватто (1684-1721). Главная тема - галантные празднества: аристократическое общество в парке, музицирующее, танцующее («Праздник любви», «Общество в парке»). Важную роль играло поэтическое воображение. Ватто впервые воссоздал в искусстве мир тончайших душевных состояний («Капризница», «Затруднительное предложение»). С помощью цветовых оттенков он умел передать все тончайшие оттенки любовного чувства. Для живописи Ватто характерна театральность: действие развертывается на переднем плане, он всегда пишет кулисы - обрамление главной сцены, как в театре располагает группы фигур. Это не случайно, так как театром была вся жизнь.

В русле этих новых эстетических идей развивается искусство батиста Жан - Батист Симеон Шардена (1699-1779). Шарден начинает с натюрморта, а затем находит свою тему - это вещи кухонного обихода. В натюрмортах художник как бы раскрывает невидимую жизнь вещей, будто каждый предмет имеет душу. Таковы его "Медный бак", "Букет тубероз, гвоздик и душистого горошка". И так же он пишет скромные, незамысловатые сцены повседневной жизни мещанской семьи, небогатых буржуа. Шарден рисует жизнь, лишенную драм, однако эти сцены полны непринужденной простоты. Шарден создает трогательные образы детей. Так же достоверен в жанровой, живописи. Выражая вкусы буржуазии, художник начинает изображать размеренность, порядок, уют буржуазного быта. («Молитва перед обедом», «Прачка», «Женщина, моющая кастрюли»). Добропорядочность и трудолюбие прославляются Шарденом без нравоучений и внешних эффектов, с «мерой и порядком», которые он провозглашал как жизненный образец.

Жан Антуан Гудон (1741-1828) мастер скульптурного портрета. Известность принесла статуя «Диана», где аристократическое изящество модели воплощено в классицистических строгих формах. Гудон создал галерею жизненно ярких портретов видных представителей эпохи Просвещения и Великой французской революции, подчеркнув в их характерах общественно-деятельное начало. Наибольшую славу получила его знаменитая мраморная статуя 84-летнего Вольтера. Гудон учился во Французской академии в Риме, где он изучал античность и создал свое знаменитое «Экорше» (человеческая фигура без кожи), по которому было легко изучить мускулатуру тела.) ставшее в дальнейшем учебным пособием для многих поколений скульпторов. С 1768 года Гудон работает а Париже, в 1777 году получает звание академика.

25. Развитие русской портретной живописи второй половины XVIII века. (по выбору студентов портретное творчество: Ф. Рокотова, Д. Г. Левицкого, В. Л. Боровиковского).

Вторая половина XVIII в. – время мощного блестящего расцвета русского искусства, формируется классицизм. Учрежденная в 1757 г. Петербургская Академия художеств руководила всей художественной жизнью страны, готовила художников, способных изображать историю своей страны и великих людей своего времени. Своеобразие заключалось в том, что его мастера обращались не только к античности, но и к родной истории, что они стремились к простоте, естественности и человечности. В это время творят крупнейшие живописцы Ф. Рокотов, Д. Левицкий и В. Боровиковский, создавшие блестящую галерею портретов современников, произведения, полные глубокой мысли, воспевающие красоту и благородство стремлений человека. Русский портрет XVIII века стал жанром, воплотившим и специфические русские черты:

• На портретах изображались люди, которые полнокровно и целостно воспринимают мир.
• Особое внимание уделялось одежде, аксессуарам, драгоценностям – как своеобразной оправе лица.
• Цветовая гамма русских портретов была более яркой и насыщенной.
• Отсутствие группового (семейного) портрета.

Федор Степанович Рокотов (1735–1808) – непревзойденный мастер небольших по размерам камерных портретов. Он стал художником просвещенного дворянства в независимой, а порой и вольнодумной Москве. В его произведения отразилось характерное для того времени стремление лучшей, просвещенной части русского дворянства следовать высоким нравственным нормам. Художник любил изображать человека без парадного окружения, не позирующим. Люди в поздних портретах Рокотова становятся более привлекательными в своей интеллектуальности и одухотворенности. Обычно Рокотов использует мягкое освещение и все внимание сосредоточивает на лицах. Сила художественного воздействия его произведений сосредоточена в передаче душевной красоты и ценности внутреннего мира его моделей. В первой половине 1760-х годов был уже известен и ценим, писал портреты императрицы и крупнейших государственных деятелей. Среди лучших работ Ф. С. Рокотова могут быть названы портреты В.И. Майкова, А.П. Струйской, В.Н. Суровцевой, Новосильцевой.

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735–1822) – крупнейший мастер парадного портрета. В его произведениях абсолютная портретная схожесть и тонкий психологизм сочетается с мастерской передачей материала окружающих аксессуаров. Творчество Левицкого демонстрирует, что Россия окончательно вошла в европейский круг. Просветительские идеалы достоинства, разума и естественности, актуальные для западного культурного сознания, весьма для него значимы. Никто так сочно и осязательно не пишет вещественный мир, восхищаясь его драгоценностью и разнообразием: блеском бронзы, тяжестью и переливами тканей.

К числу оригинальных и известных работ относятся портрет архитектора А.Ф. Кокоринова, портреты Екатерины II (воплотил представления о «мудром, просвещенном» монархе). Ярко обрисованы им князь Демидов и светская красавица Урсула Мнишек, грубоватая помещица Бакунина, и др. Серия портретов «смолянок» – воспитанниц Смольного института, в которых художник нашел средства передать разнообразие характеров, живость чувств, обаяние молодости и своеобразную красоту девушек.

Младшим современником Рокотова и Левицкогобылпортретист Владимир Лукич Боровиковский (1757 – 1825). Он писал как парадные, так и камерные интимные портреты. Классикой парадной портретной живописи считается портрет князя А. Б. Куракина, при всех орденах и регалиях, на фоне бюста Павла I. Совсем иное настроение рождает приобретший хрестоматийную известность поэтичный и женственный портрет М. И. Лопухиной, портреты Нарышкиной, Арсеньевой, сестёр Гагариных

Портреты Боровиковского представляют собой целостную группу, объединенную общими тенденциями. Женские портреты этих лет варьируют образ нежной красавицы, погруженной в меланхолическое мечтание на лоне природы. Боровиковский вырабатывает здесь определенный устойчивый тип композиции — поясное изображение опершейся на локоть фигуры. Складывается у него и устойчивая колористическая гамма мягких, приглушенных перламутровых переливов голубого, розового, серого и зеленого цветов.

Дата добавления: 2015-05-10