Вопрос №3. Теории происхождения искусства

Вопрос №2. Роль и основные функции искусства.

- Общественно-преобразующая функция искусства проявляется в том, что оно, оказывая идейно-эстетическое воздействие на людей, включает их в направленную и целостно ориентированную деятельность по преобразованию общества.

- Утешительно-компенсаторная функция заключается в восстановлении в сфере духа гармонии, утраченной человеком в реальной действительности. Своей гармонией искусство влияет на внутреннюю гармонию личности, способствует сохранению и восстановлению ее психического равновесия.

- Художественно-концептуальная функция выражается в свойстве искусства анализировать состояние окружающего мира.

- Функция предвосхищения характеризует способность искусства предвосхищать будущее. На этой способности основаны фантастические, утопические и социально прогнозирующие произведения искусства.

Магическая теория происхождения искусства. Основоположником этой теории является английский учёный Анри Брейль. Он исследовал эволюцию первобытного искусства и пришёл к выводу, что древние изображения, скульптура и орнамент носят культовый характер.

Другие исследователи позже подтвердили этот вывод. Было установлено,что, например, орнамент на посуде, на одежде или предметах быта являлся своего рода «шифром», в котором были закодированы представления древнего человека о мире. Часто на украшениях и посуде встречаются солярные (солнечные) знаки.

Солнце воспринималось как источник блага, и знак солнца носил магический характер: оберегал от злых духов.

Противники этой теории указывают на то, что способность к художественной деятельности не исчезла вместе с концом эпохи всеобщей религиозности. Способность к художественному творчеству – это врождённое качество человека.

Игровая теория происхождение искусства. Основоположником этой теории можно признать голландского учёного И. Хейзинга. Он рассматривает искусство как игру. Игровое начало присуще и жизни отдельного человека, и включено в жизнь общества. Элементы игры проявляются везде: в ритуалах, в обрядах, на праздниках и карнавалах. Хейзинга выводит из игры многие формы художественной культуры: культ, поэзию, музыку, танец – все они были сплошной игрой. Произведения искусства создаются без всякой практической пользы. Как игра доставляет нам наслаждение, так и сотворение искусства, которое тоже есть игра, доставляет человеку удовольствие.

Имитативная теория. Представителями этой теории являются Демокрит, Даламбер, Конт. Так, Демокрит считал, что искусство возникает из подражания животным. Наблюдая за действиями животных, насекомых, птиц люди научились ткачеству (от паука), пению (от певчих птиц) и т. д.

Трудовая теория. Ее сторонником был, например, Г.В. Плеханов. Эта теория выводит искусство из производственной деятельности человека. В трудовой деятельности человек познавал ритмы, объёмы, линии, выявлял гармонию и пропорциональность. Например, человек открывал для себя ритм, растирая зёрна, оббивая камни, работая топором и т.д. Танец родился из совместной ритмической трудовой деятельности: синхронного бега на охоте или иных согласованных действий. Орнамент появился из зарубок, которыми человек отмечал течение времени. Музыкальные инструменты возникли из орудий труда и оружия (изготовление первого щипкового музыкального инструмента стало возможным после изготовления лука – орудия стрельбы; барабан – это камень или дерево, из которых человек изготавливал себе оружие и орудия труда).

Вопрос №4. Системы классификации видов искусств.

Искусство, как творческое отражение действительности, возникло и развивается как система многообразных взаимосвязанных между собой видов, соответствующих многогранностью самого отображаемого реального мира.

Виды искусства - формы творческой деятельности, различающиеся по способам воплощения.

Основные из них, - слово (литература), звук (музыка), колористические и пластические материалы (изобразительное искусство).

Согласно другой системе классификации, виды искусств подразделяют на три группы:

1. Пластические – изобразительное, декоративно-прикладное, архитектура, фотография;

2. Динамические виды искусств, - музыка, литература.

3. Синтетические или зрелищные - хореография, литература, театр, кино.

Вопрос №5. Роды и жанры художественного творчества; их особенности в разных видах искусства.

Для пластических искусств, исследование которых и является предметом классического, искусство-знания, такие модификации выразили себя в способности формировать сложные структуры родов, жанров и видов искусства, а также исторических направлений, творческих методов и стилей.

Родовые градации пластических искусств относятся прежде всего к искусствам изобразительным и традиционно подразделяются на монументальный, станковый и декоративный род искусства.

Монументальное искусство – это род пластических искусств, который охватывает широкий круг произведений, создаваемых для конкретной архитектурной среды и соответствует ей своими идейными качествами, а также зрительно-архитектоническим и цветовым строем. К монумен-тальному искусству относятся памятники и монументы, скульптурное, живописное, мозаичное убранство зданий, витражи, городская и парковая скульптура, фонтаны и т.д. (некоторые исследователи относят к монументальному искусству также произведения архитектуры).

Монументальное искусство особенно активно развивается тогда, когда художественная культура эпохи проникнута ярко выраженным пафосом утверждения позитивных социальных ценностей. Истоки его восходят к первобытному обществу. В менгирах, культовых статуях и наскальных росписях воплощены представления первобытного человека о могуществе сил природы, закреплены его трудовые навыки. С появлением классов определяющими для монумен-тального искусства стали общественные взаимоотношения. Так, например, принципы монумен-тальности и статичности, господствовавшие в искусстве Древнего Египта, в условиях рабовла-дельческого общества должны были способствовать утверждению идеи незыблемости социаль-ного строя и обожествления личности властителя (так называемый Большой сфинкс в Гизе), но в исторически обусловленной форме воплотили также представления о силе человеческого разума, победе человеческого коллектива над силами природы.

Станковое искусство – термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и (в отличие, например, от произведений монументального искусства или книжной иллюстрации) не предназначенные непосредственно для какого-либо сооружения, издания и т.д. Идейно-художественная выразительность произведений станкового искусства не изменяется в зависимости от места, где они находятся. Термин «станковое искусство» произошел от «станка», на котором создаются произведения станкового искусства в живописи, например, им является мольберт. Широкое развитие станковое искусство получило с эпохи Возрождения и особенно в XIX в.

Декоративное искусство (от лат. decoro – украшаю) – род пластических искусств, который, как архитектура и дизайн, служит художественному формированию материальной среды, создава-емой человеком, способствует внедрению в нее эстетического и идейно-образного начала. Декоратив-ное искусство подразделяется на непосредственно связанное с архитектурой монументально-декоративное искусство (создание архитектурного декора, росписей, рельефов, статуй, витражей, мозаик, украшающих фасады и интерьеры, а также парковой скульптуры), декоративно-прикладное искусство и оформительское искусство (художественное оформление празднеств, экспозиций выставок и музеев, витрин и т.п.). Создаваемые как элемент или деталь композиции (площади, улицы, парка, здания, а также интерьера, костюма и т.д.) произведения декоративного искусства (в отличие от станковых) играют существенную роль в объемно-пространственной организации ансамбля. Идейно-образное удержание произведений декоративного искусства наиболее полно раскрывается при восприятии их в том ансамбле, для которого они предназначены.

Декоративно-прикладное искусство – раздел декоративного искусства; охватывает ряд отраслей творчества, которые посвящены созданию художеств, изделий, предназначенных главным образом для быта. Произведениями декоративно-прикладного искусства могут быть: различная утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, а также одежда и всякого рода украшения. Наряду с делением произведений декоративно-прикладного искусства по их практическому назначению в научной литературе со 2-й пол. XIX в. утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево) или по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, шитье, чеканка, интарсия и т.д.). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

Так, познавательная избирательность художественного творчества порождает серию жанров, отличающихся по предмету отражения: например, исторический, пейзаж, портрет, натюрморт и другие – в живописи. С другой стороны, в скульптуре членение на жанры отражает не тематическое содержание, как в живописи и графике, а цель создания произведения и задачу. Так, одни и те же формы портрета могут служить жанру надгробия, кабинетной пластики, мемориала и т.д.

Вопрос №6. Основные черты первобытного искусства и проблемы его изучения.

Черты первобытного искусства:

1. Синкретичность. Характеризует его неразделенность, единство всех его проявлений.

2. Коллективистский и многофункциональный характер.

3. Символизм, то есть условный характер изображения.

Символический характер первобытного искусства приводит к появлению двух типов кодирования – эзотерическому (элитарному), доступного только узкому кругу избранных и экзотерическому, доступному всем.

Первая проблема. Сейчас искусство является особой областью культуры, границы которой вполне осознаются его создателями и "потребителями". Чем глубже в древность, тем эти представления были более размытыми. В сознании кроманьонца искусство еще не могло выделиться в какую-то особую область деятельности. Способностью к созданию изображений, как и сейчас, обладали редкие люди. Им приписывались некие сверхъестественные свойства, подобно позднейшим шаманам. Видимо, это ставило их в особые условия среди сородичей. О достоверных подробностях этих условий можно только догадываться.

Другой проблемой изучения первобытного искусства является то, что его и нас разделяет большое количество времени, что создает нам определенные трудности.

Вопрос №7. Характеристика основных этапов первобытного искусства. Проблема зарождения искусства.

Время «начала искусства»

Первым этапом первобытного искусства традиционно считается так называемое Ориньякско-Солютрейское время каменного века, 40-20 тысяч лет назад (по двум материальным культура, захватывающим этот промежуток времени). Первоначально считалось, что этот этап хорошо укладывается в схему линейного развития – от более простых форм искусства к более сложным. Действительно, большинство обнаруженных произведений первобытного искусства этого времени в общем и целом схематичны, просты и даже в определённой степени примитивны. Так, наскальные рисунки животных часто представляют собой лишь совершенно условный контур или рисунок, имеющий минимальное количество деталей. А каменные женские фигурки с гипертрофированными женскими чертами (широкие бёдра, большая грудь), ставшие настоящим символом этого времени палеолитические Венеры, также весьма просты и лишены изящества.

Эпоха с нежным женским именем

Ко второму этапу первобытного искусства обычно относят Мадленскую эпоху (от 20 до 12-10 тысяч лет назад), связанную с мадленской материальной культурой. Граница между первым и вторым этапом настолько условна, что сейчас полагают, что они были разделены скорее для технического удобства обозначения. Традиционно полагалось, что определённое совершенствование первобытного искусства в отношении наскальной живописи и скульптуры отмечалось именно в этом периоде, но сейчас это весьма спорное утверждение. Так, наскальная живопись существовала примерно в тех же рамках, что и до этого – существовали рисунки различной степени художественного совершенства, от примитивных контурных рисунков до виртуозных изображений.

Правда, на этом этапе стали чаще использоваться разноцветные краски природного происхождения, а также в широкий культурный обиход вошла практика первоначального высекания рисунка на камне, а затем его раскрашивание. Но всё же эти черты нельзя считать достижением Мадленской эпохи, они были хорошо известны и на предыдущем этапе. Также ещё более широкое распространение получило создание палеолитических фигур, которые также в своих основных чертах остались неизменными. Возможно, наиболее заметный прогресс действительно можно отметить в зверином стиле в миниатюрной скульптуре: прежде всего, костяные фигурки животных стали всё чаще быть более приближенными к реальности, чем раньше.

Всё ближе к цивилизации

Наибольшее число оснований для выделения в отдельный период у третьего этапа первобытного искусства, начало которого принято связывать с окончанием в Европе ледникового периода (12-10 тысяч лет назад), а окончание приурочивать к началу бронзового века – 6-5,5 тысяч лет назад. В данном случае действительно можно вести разговор о новых качественных чертах первобытного искусства. Это связано с появлением керамики, важнейшего пласта первобытного искусства. Как только был изобретён гончарный круг и количество керамических изделий стало расти, глиняные сосуды тут же превратились в отдельное поле для творчества. Причём такой статус они имели и сами по себе, благодаря возможности создавать сосуды различных форм, объёмов, размеров, с декоративными деталями, так и в силу наличия на них рисунков и орнаментов.

Первобытная живопись, которая перестала быть исключительно наскальной, также приобрела ряд новых черт. Прежде всего, значительно большее распространение получили абстрактные символы, орнаменты и тому подобное. Исследователи связывают это с усложнением абстрактного мышления человека, а также с развитием религиозных культов, которые хоть и не уходили далеко от реальных символов, всё же более активно пытались представить и отразить мир сверхъестественный. Орнаменты из различных зигзагов, спиралей, концентрических кругов, геометрических фигур и тому подобного прекрасно для этого подходил. Со сменой поколений художников накапливался и опыт в изготовлении костяных и каменных скульптур, которые в лучших своих образцах стали изящнее. Кроме того, по мнению ряда учёных, мегалитическая архитектура, особенно распространившаяся уже в бронзовом веке, появилась именно на этом этапе первобытного искусства.

Вопрос №8. Мифологическое сознание как форма познания в Древнем мире.

Важную роль, особенно на начальном этапе истории человечества, играло мифологическое познание. Его специфика в том, что оно представляет собой мистическое (скрытое) отражение реальности, является бессознательной переработкой различных проявлений природы в образы, которыми человек отражал самого себя и свою взаимосвязь с обществом. Таким образом, в рамках мифологии вырабатывались определенные знания о природе, Вселенной, о самих людях, о структуре их бытия, формах взаимосвязи между ними. Еще с древних времен люди знали (речь идет о жречестве), что развитое мифологическое мышление - это не просто безудержная игра фантазии, а своеобразное моделирование мира, позволяющее фиксировать и передавать опыт поколений. Причем мифы содержат в себе многоуровневый пласт информации, в котором имеет место быть конкретика и так же метафоричность, что воспринимается мифологическим мышлением, с его способностью к обобщению, классификациям и логическому анализу. И что не стыкуется на одном уровне, ответ обязательно находится на другом более скрытом (мистическом), что не ставит в тупик человеческое сознание, а как бы олицетворят собой стену плача, после определенных попыток мольбы и чаяний человеку с таким мышлением открывается выход по ту сторону, в совершенно иной мир познания.

Вопрос №9. Общая характеристика искусства Древнего Египта.

Древнеегипетская архитектура отличается условностью и однообразием[1]. Это было связано с тем, что добыча камня и его обработка находилась в руках государства, методы работы установились так прочно, что не менялись на протяжении 3500 лет. Изолированность египетской цивилизации привело к тому, что в древнем государстве отсутствовала конкуренция в архитектуре, которая оказала бы благотворное влияние на ее развитие, как, например, в Европе. Еще одним важным фактором было отсутствие разнообразия строительного материала.

В Египте было мало архитектурных форм, характерных для этой страны, это также объяснялось ограниченностью строительного материала. Основными архитектурными формами были пирамида, пилон, колонна и пандус.

Скульптура Древнего Египта — одна из наиболее самобытных и строго канонически разработанных областей искусства Древнего Египта. Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов, фараонов, царей и цариц в физической форме. Существовало также множество изображений, как в могилах простых египтян, в основном из дерева, некоторые из них сохранились. Статуи богов и фараонов ставились на всеобщее смотрение, как правило, на открытых пространствах и вне храмов.

Статуи, как правило, сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена.

Существовал очень строгий канон создания древнеегипетской скульптуры: цвет тела мужчины должен был быть темнее цвета тела женщины, руки сидящего человека должны были быть исключительно на коленях; существовали определенные правила изображения египетских богов. Так бога Гора следовало изображать с головой сокола, бога мертвых Анубиса — с головой шакала. Все скульптуры создавались по данному канону и следование было столь строгим, что почти за трехтысячелетнюю историю существования Древнего Египта он не претерпел изменений.

Все рельефы в Древнем Египте ярко раскрашивались, меньше всего изображений было в гробницах, храмах и дворцах, там рисунки были только на поверхности. Каменная поверхность готовилась к покраске — грубый слой грязи с более мягким слоем гипса сверху, потом известняк — и краска ложилась более ровно. Строительные пигменты были, как правило, минеральными, дабы защитить изображения от солнечного света. Состав краски был неоднородным — яичная темпера, разнообразные вязкие вещества и смолы. В конечном счете настоящая фреска не получалась и не использовалась. Вместо этого использовалась краска на слое высушенного пластыря, т. н. «фреска a secco». Сверху живопись покрывалась слоем лака или смолы, чтобы сохранить изображение надолго. Небольшие изображения, выполненные в такой технике, хорошо сохранились, хотя на крупных статуях практически не встречаются[4]. Чаще всего, используя подобные методы, раскрашивались маленькие статуи, особенно деревянные.

Множество египетских картин сохранились благодаря сухому климату Древнего Египта. Картины создавались с намерением улучшить жизнь покойному в загробном мире. Сцены, изображенные на картине, представляли путешествие в загробный мир и встречу в загробном мире с божеством (суд Осириса). Также часто изображалась земная жизнь усопшего, чтобы помочь ему заниматься тем же в царстве мертвых.

В Новом Царстве вместе с умершим стали хоронить Книгу мертвых. Это считалось важным для загробной жизни.

Основными цветами были красный, синий, черный, золотой и зеленый.

Вопрос №10. Общая характеристика искусства Древнего Китая.

История Древнего Китая насчитывает 5000 лет. Становление культуры Поднебесной началось в период династии Цинь, которая просуществовала недолго, и продолжилось в период династии Хань. На рубеже тысячелетий Китай развивался достаточно интенсивно, и тогда же появилось искусство Древнего Китая.

Прежде всего, возникла традиционная китайская живопись - искусство тонкое, в немалой степени философичное, обставленное целым рядом ритуальных условностей. Первое и обязательное правило при написании картины – сюжет должен содержать какую-либо историю. В соответствии со вторым правилом, на картине писалось в стихотворной форме изречение, раскрывающее смысл сюжета. Писать нужно было в каллиграфическом стиле. Как мы видим, искусство древнего Китая уже тогда требовало жертв.

Одновременно с появлением традиционной китайской живописи, развилось искусство керамики. Изготовление глиняных изделий не отличалось особой утонченностью, горшки и кувшины делались методом ручной лепки или на примитивном гончарном круге, но зато украшались керамические изделия в стиле высокого искусства. Яркие, красочные рисунки тиснились на поверхности вазы или кувшина, геометрически правильные узоры и орнаменты ритмически повторялись, создавая целые композиции. Через определенный период времени искусство керамики плавно перешло в знаменитый китайский фарфор, который высоко ценится и в наши дни. Китайская династия Хань интересна также искусством бронзового литья. Технологии были сложными, но готовый сосуд или ваза поражали совершенством узора. Древним китайским мастерам удавалось передать тончайшие изображения, целые сюжеты, животных и растения. По найденным в ходе раскопок глиняным формам можно восстановить картину появления бронзового литья, когда искусство Древнего Китая получило развитие по многим направлениям. Делалась глиняная копия будущего сосуда, затем прорисовывался узор на поверхности. После этого форма обжигалась и методом обратного оттиска создавалась другая форма, уже с рельефным рисунком. В эту форму заливалась расплавленная бронза, затем форма разбивалась на мелкие куски. Таким образом, керамическое искусство Древнего Китая характеризуется эксклюзивными изделиями.

При всей значимости прикладного искусства, нельзя не отметить и театральное. Это народное искусство появилось в 6 веке н.э. и набирало силу вплоть до 10 века, приобретая новые формы. Древний китайский театр сформировался как сложное, многоступенчатое представление, включающее в себя пантомиму, танец и пение, четкое разграничение амплуа актеров, непритязательность декораций, которые выполняли лишь небольшую дополнительную роль в спектакле. А в целом китайское театральное искусство было значительной частью культуры Древнего Китая. Безусловно, искусство Древнего Китая, кратко изложенное в этой статье, не дает представления об искусстве страны в полном объеме, «за кадром» остались такие виды, как письмо на узелках, скульптура глиняных гигантов, искусство шелковых тканей, порох и, наконец, китайская кухня.

Вопрос №11. Особенности китайской архитектуры.

Первые дома для устойчивости строились в углублении, имели круглую или квадратную форму. В 3 веке до н.э. были введены правила по устройству городов, где прописывались размеры улиц и сооружений. К 10 веку н.э. функциональная сторона жилища начинает уступать место декоративным элементам. Однако соблюдение принципов Фэн-шуй по-прежнему остается очень важным моментом. Так входная дверь должна быть расположена исключительно с южной стороны, а высота здания соответствовать статусу хозяина.

Одной из главных национальных особенностей архитектуры Китая является ее конструкция и строительные материалы. В основе древних сооружений обязательно находился деревянный каркас: столбы, балки, лаги и перемычки, которые несут на себе всю тяжесть дома. Об этом качестве говориться в одной поговорке: «фанза устоит, даже если ее стены разрушатся». Чтобы защитить дерево от разрушения его стали покрывать краской. Существенным недостатком древесины является ее недолговечность, подверженность гниению и отсутствие огнеупорности. Среди прочих материалов использовали: глину, камень, кирпич, бамбук, тростник и т.д.

Другой характерной чертой китайского зодчества всегда являлось поточное строительство. Благодаря этому возведение того или иного здания не прерывалось даже при изменении погодные условия. Все детали изготавливали по эталонным размерам по отдельности, а потом собирали в единое целое. Такой способ помогал увеличить скорость строительства в несколько раз. Так, например, Гугун, где насчитывается порядка тысячи комнат на площади более 700 тыс. кв. м. был возведен за тринадцать лет.

Внутренне деление на комнаты происходило с помощью легких ширм и перегородок. Внешне дом украшался барельефами, резьбой и лепными изображениями. Крыши традиционно делались изогнутыми и покрывались черепицей или бамбуком, в зависимости от статуса жильца. Такая форма по Фэн-шуй не позволяет скапливаться негативной энергии, и не дает злым духам проникнуть в жилище. С практической же точки зрения изогнутость создавала меньшее давление на каркас. На углах кровли размещались фигурки животных, каждая из которых имела свое значение. Так феникс или дракон символизировали благополучие и чаще всего служили украшением императорских домов.

Проследить национальные особенности архитектуры Китая можно, обратившись к его сохранившимся достопримечательностям. Как правило, при строительстве дворца, храма или обычного жилья используется комплексный принцип возведения. Объяснения этой тенденции находятся в традиционном менталитете, и ориентированности китайского общества на коллективизм.

Готовый ансамбль должен соответствовать принципу сыхэюань, что переводится как «двор, закрытый с четырех сторон». Согласно ему жилые постройки располагаются по всем четырем сторонам огороженной территории, при этом входная дверь в помещение смотрит во двор, а со стороны, которая выходит на улицу, находится чистая стена. Родителям всегда отдавалось лучшее помещение, а дети жили в домах по соседству.

Соблюдался в комплексе и принцип «золотого сечения». Здания строились таким образом, что в центре двора располагались самые важные из них, а остальные по бокам от него. Это принцип касается не только отдельных ансамблей, но и целых городов. Внутренняя планировка всегда имеет строго симметричный характер.

Если планировалось строительство в местах с неровным рельефом, то архитектурный план разрабатывали применительно к существующим условия. При этом обязательно соблюдались все вышеперечисленные принципы. Отличительной особенностью такой страны как Китай, является то, что полученный за многие века опыт применяется и в наше время для возведения высокотехнологичных небоскребов.

Вопрос №12. Общая характеристика искусства Древней Руси и традиционные ремесла славян.

История древнерусского искусства насчитывает почти тысячелетие. Оно зародилось в 9-10 вв., когда возникло первое феодальное государство восточных славян - Киевская Русь.

В пору уже своего государственного становления Русь испытывала сильное влияние соседней Византии, которая для своего времени была одним из наиболее культурных государств мира. Таким образом, культура Руси складывалась с самого начала как синтетическая, т.е. находящаяся под влиянием различных культурных направлений, стилей, традиций.

Одновременно Русь не просто слепо копировала чужие влияния и безоглядно заимствовала их, но применяла к своим культурным традициям, к своему дошедшему из глубины веков народному опыту, пониманию окружающего мира, своему представлению о прекрасном. Поэтому в чертах русской культуры мы постоянно сталкиваемся не только с влияниями извне, но с их порой значительной духовной переработкой, их постоянным преломлением в абсолютно русском стиле.

Для русской деревянной архитектуры была характерна многоярусность строений, увенчивание их башенками и теремами, наличие разного рода пристроек - клетей, переходов, сеней. Затейливая художественная резьба по дереву была традиционным украшением русских деревянных строений, которая живет в народе и до сей поры.

Особенность зодчества Руси проявлялась, с одной стороны, в следовании византийским традициям (вначале и мастера были преимущественно греки), с другой — сразу наметился отход от византийских канонов, поиск самостоятельных путей в архитектуре. Так, уже в первой каменной церкви — Десятинной — наметились такие не характерные для Византии черты, как многокупольность (до 25 куполов), пирамидальность — это чисто русское наследие деревянного зодчества, перенесенное на каменное.

Древнерусское зодчество при наличии большой монументальности, тем не менее, характеризуется чрезвычайной пластичностью форм, каким-то особым ощущением их спокойствия и незыблемости, соизмеримостью с размерами человека, его масштабами и потребностями.

Основными видами живописи в Древней Руси были фреска и икона. Христианская церковь внесла в эти виды искусства совершенно иное содержание.

Фреска – это живописное изображение по сырой штукатурке. В основном ей пользовались для росписи интерьеров храмов и церквей. Икона - изображение ликов Иисуса Христа, богоматери, святых, сцен из Священного Писания. Этому изображению церковь приписывала священный характер, потому икона выполняла функцию религиозного культа – ей поклонялись, на нее молились.

А писание икон – иконопись – была главным видом живописи того времени. Даже в Византии иконопись никогда не играла такой важной роли, как на Руси, где она стала одной из основных, общераспространенных форм изобразительного искусства, соперницей монументальной живописи. Именно иконы являются основным жанром древнерусской живописи. Иконопись, в отличие от светской живописи, осуществлялась по определенным канонам.

Эстетика иконописи требовала воплощения «божественного», сверхчувственного содержания в зримых, чувственно воспринимаемых, но идеально возвышенных образах, призванных передавать внутреннюю духовную сущность реального мира. Икона – это, как правило, плоскостное изображение с преимущественно однородным колоритом и стандартной композицией. Широко распространилось в Киевской Руси и искусство миниатюры. Самый значительный памятник - Остромирово евангелие, исполненное дьяконом Григорием для новгородского посадника Остромира в 1056-1057 гг. Миниатюры евангелия содержат много черт, несвойственных собственно византийскому искусству. Более плоскостная трактовка фигур евангелистов, склонность к чистым локальным краскам, употребление золота в контурах - все говорит о формировании нового, более декоративного живописного стиля, о сложении особых живописных традиций.

Пластика занимала в древнерусском искусстве подчиненное положение. Как и в Византии, православная церковь видела в круглой скульптуре наследие «идольских», языческих времен и относилась к ней неодобрительно. Хотя этот взгляд с течением времени изменился, круглая скульптура так и не получила на Руси большого развития.

Зато процветало прикладное искусство: резьба по дереву и камню, литье, чеканка, эмальерное дело, вышивка, керамика и др. Среди ремесел следует указать художественное литье, сложную технику черни, филиграни и зерни, поливную керамику и особенно эмальерное дело. В качестве примера - великолепный оклад Мстиславова евангелия (начало 12 в.) - подлинное чудо прикладного искусства.

Ремесла:

Металлургия и металлообработка железа и стали

Обработка дерева

Обработка цветных металлов

Прядение и ткачество

Обработка кожи

Обработка кости

Машины и механизмы

Гончарное дело

Стеклоделие

Вопрос №13. Крещение Руси и развитие архитектуры.

Каменное строительство получило определенное развитие с конца 10 начала 11 веков, что было связано с крещением Руси, и первоначально преобладало в церковном зодчестве. Первой известной по летописям каменной постройкой Руси можно считать Десятинную церковь (церковь святой Богородицы) в Киеве, сооруженную в первые годы после Крещения Руси, в 989-996 годах и сочетающую в себе традиции и приемы византийской и болгарской церковной архитектуры. Влияние греческих мастеров отчетливо прослеживается в архитектуре Спасо-Преображенского собора в Чернигове (1030-е годы). Стремление следовать византийским образцам заметно и в крупнейшем храме Киевской Руси соборе святой Софии в Киеве, игравшем роль главного храма православной Руси.

Софийский собор являет собой образец крестово-купольного храма, получившего особую популярность у древнерусских зодчих. По образцу киевского храма выстроены соборы святой Софии в Новгороде (1045-1050 гг.) и Полоцке. Киевская София опосредованно повлияла и на композицию многих других церковных сооружений Древней Руси, включая Успенский собор Киево-Печерского монастыря (1073-1089; взорван в 1942 году, восстановлен в 1990-е гг.), соборы в Ростове и Суздале.

Особенностью ранней церковной архитектуры Древней Руси было единство интерьера, достигавшееся за счет низких алтарных перегородок, открывавших взору верующих верхнюю часть алтарной части храма. Такое решение интерьера как бы приближало молящихся к центру богослужения, а через него и ко всему божественному (сакральному) пространству, объединяло церковь земную и небесную. Из византийской традиции заимствована и традиция украшения внутреннего пространства храмов мозаикой, благодаря яркости и легкости светового решения, также символизировавшей единение земного и небесного начал церкви.

Наряду с каменными храмами строились деревянные церкви, которых было большинство. Из дуба, в частности, был выстроен в 1049 году и первый Софийский собор в Новгороде – предшественник белокаменной Софии. Историки архитектуры расходятся во мнениях относительно того, какими были взаимоотношения каменной и деревянной архитектуры, какая из них оказывала влияние на развитие другой. Вероятней всего влияние было двусторонним. Каменная архитектура, особенно храмовая, испытывала определенное влияние деревянного зодчества с его приемами двухскатной и четырехскатной кровли и пр., в свою очередь, деревянная архитектура усваивала и осваивала элементы каменного строительства в той мере, в какой они могли быть воспроизведены в принципиально ином строительном материале.

Небольшие сельские храмы строились по типу избы, в основе которой всегда лежит венец из четырех бревен, образующих при соединении квадрат или прямоугольник, а вся изба представляет собой несколько венцов, наложенных друг на друга – сруб, покрытый двускатной или четырехскатной крышей. Этот принцип сохранился и в более сложных сооружениях – теремах, дворцах, крепостных башнях. Иногда вместо четырехугольного сруба (четверика) сооружается восьмиугольный сруб (восьмерик). Принцип соединения четвериков и восьмериков прослеживается и в каменной архитектуры Руси вплоть до нового времени.

Чередование четвериков и восьмериков, особенно характерное для храмового зодчества, создало весьма распространенный на Руси тип двух- и многоярусных шатровых храмов – от небольших, односрубных или одностолпных церквей, до многостолпных соборов. Отдельные срубы (столпы) связывались между собой системой галерей, переходов, крылец. Все здания ставились на деревянные или каменные цоколи (подклеты), в которых размещались частично уходящие под землю подвальные помещения и входы в погреба, и подземные ходы.

Вопрос №14. Общая характеристика изобразительного искусства Древней Руси.

Поскольку иконопись пришла на Русь из Византии, живописная (цветовая) ее сторона сначала напоминала византийскую. Искусство Византии, в силу исторических условий его возникновения, было, в отличие от искусства Руси, аскетичным, что проявилось в цвете. Для византийской живописи характерны три основных цвета: красный, синий и зеленый. Красный цвет понимался как цвет Божественной творческой активности, голубой - как символ устремленности мира к Богу (цвет неба), зеленый - как символ гармонии всего Божественного Бытия.

Православная русская икона - полностью заслуга Руси. Основными в русской иконописи стали все семь цветов радуги. Семь цветов радуги соответствуют семи дням Творения, семи таинствам христианства. Особое значение имеют в иконописи белый цвет и цвет золота, Это символы Божественного Света, царственной славы и достоинства.

Следует отметить и такую характерную особенность древнерусского искусства, как отсутствие авторства. Это связано с византийским пониманием процесса художественного творчества как божественного откровения. Не художник - автор произведения, а Бог, вдохновивший его на создание картины. Личность художника в данном случае не важна. В силу этого имена художников, создавших шедевры древнерусской живописи, неизвестны. До наших дней дошло только имя Алимпия Печерского - автора мозаики Успенского собора Киево-Печерской лавры, жившего на рубеже XI-XII вв.

Древнерусская архитектура и изобразительное искусство, испытав значительное влияние Византии, получив с принятием христианства важный стимул, в целом развивалось на собственной основе. За сравнительно короткий срок была создана система общерусских художественных ценностей, которая сохранялась и в условиях раздробленности Руси. Особенности художественного творчества отдельных земель взаимно обогащали эту систему. Сохранившиеся и дошедшие до нас памятники архитектуры и живописи Древней Руси свидетельствуют о высоком уровне строительной техники, мастерстве и тонком художественном вкусе русских зодчих и живописцев.

Вопрос №15. Барокко в русском искусстве.

В России развитие искусства барокко, отразившего рост и укрепление дворянской абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII века. Стиль барокко в России обладал рядом национальных особенностей. Русское зрелое барокко отличалось от западного, в частности, наиболее ярко выраженного — итальянского, структурной ясностью и простотой плановых построений, тесной связью конструктивной основы и декорирующих её элементов. Другой отличительной особенностью русского барокко был его мажорный характер, активное использование ярких цветов в окраске, смелых колористических контрастов, включая золочение.

Исследователь древнерусского зодчества Николай Султанов ввёл термин «русское барокко», обозначив им допетровскую архитектуру Руси XVII века. Фактически под этим термином понималось «московское узорочье», сложившееся в 1640-х годах. Современные искусствоведы видят в узорочье скорее аналог маньеризма, а отсчёт истории русского барокко ведут с распространения в московской строительной практике восьмериков на четверике (церковь царевича Иоасафа, 1678). В эволюции русского барокко выделяют стадии «московского барокко» конца XVII века (различают нарышкинский, строгановский, голицынский стили), «петровское барокко» первой четверти XVIII в., «зрелое русское барокко» елизаветинского времен].

Русская архитектура барокко, достигшая величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села и других, отличается торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов (арх. М. Г. Земцов, В. В. Растрелли, Д. В. Ухтомский). Сравнительно малоизвестную страницу в истории барокко составляет храмовое зодчество уральских заводов и Сибири; применительно к нему бытуют такие термины, как «уральское барокко» и «сибирское барокко».

Вопрос № 16. Классицизм в русской архитектуре, скульптуре, живописи.

Классицизм в России.

Расцвет русского классицизма относится к последней трети 18—1-й трети 19 вв., но уже в начале 18 в. отмечено творческим обращением (в архитектуре Петербурга) к градостроительному опыту французского классицизма 17 в. (принцип симметрично-осевых планировочных систем). Русский классицизм - этап, небывалый для России по размаху, расцвета русской светской культуры.

Архитектура.

Ранний русский классицизм в архитектуре (1760—70-е гг.; Ж. Б. Валлен-Деламот, А. Ф. Кокоринов, Ю. М. Фельтен, К. И. Бланк, А. Ринальди) сохраняет ещё пластику, обогащённость и динамику форм, присущую барокко и рококо.

Зодчие зрелой поры классицизма (1770— 90-е гг.; В. И. Баженов, М. Ф. Казаков, И. Е. Старов) создали классические типы столичного дворца-усадьбы и крупного комфортабельного жилого дома, ставшие образцами в широком строительстве загородных дворянских усадеб и в новой, парадной застройке городов. Искусство ансамбля в загородных парковых усадьбах — крупный национальный вклад русского классицизма в мировую художественную культуру. В усадебном строительстве возник русский вариант палладианства (Н. А. Львов), сложился новый тип камерного дворца (Ч. Камерон, Дж. Кваренги}.

Особенность русского классицизма в архитектуре — небывалый масштаб организованного государственного градостроительства: разрабатывались регулярные планы более 400 городов, формировались ансамбли центров Костромы, Полтавы, Твери, Ярославля и др. городов; практика "регулирования" городских планов, как правило, преемственно сочетала принципы классицизма с исторически сложившейся планировочной структурой старорусского города.

Рубеж 18—19 вв. - крупнейшие градостроительные достижения в обеих столицах. Сложился грандиозный ансамбль центра Петербурга (А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, Ж. Тома де Гомон, позже К. И. Росси). На иных градостроительных началах формировалась "классическая Москва", застраивавшаяся в период её восстановления и реконструкции после пожара 1812 небольшими особняками с уютными интерьерами. Начала регулярности здесь были последовательно подчинены общей живописной свободе пространственной структуры города. Виднейшие зодчие позднего московского классицизма — Д. И. Жилярди, О. И. Бове, А. Г. Григорьев.

Скульптура.

В изобразительном искусстве развитие русского классицизма тесно связано с петербургской Академией Художеств (основана в 1757). Скульптура русского классицизма представлена "героической" монументально-декоративной пластикой, составляющей тонко продуманный синтез с ампирной архитектурой, исполненными гражданского пафоса памятниками, элегически-просветлёнными надгробиями, станковой пластикой (И. П. Прокофьев, Ф. Г. Гордеев, М. И. Козловский, И. П. Мартос, Ф. Ф. Щедрин, В. И. Демут-Малиновскии, С. С. Пименов, И. И. Теребенёв).

Живопись.

Русский классицизм в живописи наиболее ярко проявился в произведениях исторического и мифологического жанров (А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмое, И. А. Акимов, А. И. Иванов, А. Е. Егоров, В. К. Шебуев, ранний А. А. Иванов). Некоторые черты классицизма присущи также тонкопсихологическим скульптурным портретам Ф. И. Шубина, в живописи — портретам Д. Г. Левицкого, В. Л. Боровиковского, пейзажам Ф. М. Матвеева.

Воспрос №17. Товарищество передвижных художественных выставок.

19 век принято называть Золотым Веком, так как в это время искусство становится классическим. Пика своего развития русская культура достигает во второй половине 19 века. Это было связано с временем "великих" реформ Александра Второго.

В 1863 году 144 учеников Императорской Академии Художеств во главе с Иваном Николаевичем Крамским отказались выполнять дипломную работу на заданную тему и поэтому ушли из Академии (бунт четырнадцати). В 1870 году они организовали Санкт-Петербургскую Артель Художников - Это первое в истории России независимое творческое объединение художников. Позже она была преобразована в Товарищество Передвижных Художественных Выставок. Инициатором создания Товарищества выступил Крамской и Мясоедов. Основной смысл творчества передвижников - стремление приблизить искусство к народу. То есть деятельность художника понималась как служение Родине и выполнение патриотического долга. Первая выставка передвижников открылась в 1881 году в Петербурге, в здании Академии Художеств.

Большую роль в искусстве передвижников сыграл критик Владимир Стасов и меценат и купец Павел Михайлович Третьяков.

Появление Товарищества было связано с расцветом бытовой живописи, которую представляли Владимир Егорович Маковский, Николай Александрович Ярошенко, Василий Перов (Охотники на привале, Рыбачок), Григорий Маковский (Земство обедает), Илья Репин (Крестный ход в Курской Губернии)

Большую роль в творчестве передвижников сыграла историческая живопись. Николай Ге. Василий Суриков.

Религиозный жанр. Николай Ге "Что есть истина". Иван Крамской "Христос в пустыне".

Вопрос №18. Русская живопись в первой половине 19 века.

Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать канонам классицизма, поощряла написание картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских художников не удовлетворяли рамки академизма. Поэтому они чаще обращались к портретному жанру.

Кипренский Орест Адамович [13 (24) марта 1782, Мыза Нежинская, около Копорья, ныне в Ленинградской области — 17 октября 1836, Рим], русский художник. Выдающийся мастер русского изобразительного искусства романтизма, известен как замечательный портретист.

В первой половине XIX в. жил и творил художник Александр Андреевич Иванов (1806—1858). Всю свою творческую жизнь он посвятил идее духовного пробуждения народа, воплотив ее в картине «Явление Христа народу». Более 20 лет работал он над картиной «Явление Христа народу», в которую вложил всю мощь и яркость своего таланта. На переднем плане его грандиозного полотна в глаза бросается мужественная фигура Иоанна Крестителя, указывающего народу на приближающегося Христа. Его фигура дана в отдалении. Он еще не пришел, он идет, он обязательно придет, говорит художник. И светлеют, очищаются лица и души тех, кто ожидает Спасителя. В этой картине он показал, как говорил позднее И. Е. Репин, «угнетенный народ, жаждующий слова свободы».

В первой половине XIX в. в русскую живопись входит бытовой сюжет. Одним из первых к нему обратился Алексей Гаврилович Венецианов (1780—1847). Он посвятил свое творчество изображению жизни крестьян. Эту жизнь он показывает в идеализированном, приукрашенном виде, отдавая дань модному тогда сентиментализму. Однако картины Венецианова «Гумно», «На жатве. Лето», «На пашне. Весна», «Крестьянка с васильками», "Захарка", "Утро помещицы" отображая красоту и благородство простых русских людей, служили утверждению достоинства человека вне зависимости от его социального положения.

Его традиции продолжил Павла Андреевича Федотов (1815—1852). Его полотна реалистичны, наполнены сатирическим содержанием, разоблачающим торгашескую мораль, быт и нравы верхушки общества ("Сватовство майора", "Свежий кавалер" и др.). Свой путь художника-сатирика он начинал будучи офицером-гвардейцем. Тогда он делал веселые, озорные зарисовки армейского быта. В 1848 г. на академической выставке была представлена его картина «Свежий кавалер». Это была дерзкая насмешка не только над тупым, самодовольным чиновничеством, но и над академическими традициями. Грязный халат, в который облачился главный герой картины, очень уж напоминал античную тогу. Брюллов долго стоял перед полотном, а потом сказал автору полушутя полусерьезно: «Поздравляю вас, вы победили меня». Комедийно-сатирический характер носят и другие картины Федотова («Завтрак аристократа», «Сватовство майора»). Последние его картины очень печальны («Анкор, еще анкор!», «Вдовушка»). Современники справедливо сравнивали П.А. Федотова в живописи с Н.В. Гоголем в литературе. Обличение язв крепостнической России — основная тема творчества Павла Андреевича Федотова.

Дата добавления: 2015-05-10