Особенности испанской школы живописи XVII века

Станковая масляная живопись. Технико-технологические особенности.

ХРАНЕНИЕ икон.

Красочный слой и грунт на иконах растрескиваются и осыпаются от резких перемен температуры и влажности, сквозняка. Допустимые условия для хранения икон: температура +17-22°С; влажность 50%-65%.

Икону лучше держать в застекленном киоте., Не допускать резких перемен температуры и влажности. Недопустимо попадание на икону прямых солнечных лучей (резкий нагрев).

Традиционные основы для масляной живописи: холст и дерево.

Для подрамников применяется сухая качественная древесина, главным образом краевая сосна. Клинья для раздвигания подрамника изготовляются из древесины твердых пород: дуба, бука или березы.

Краски масляные. В древнейшие времена художники применяли исключительно красящие вещества, встречающиеся в природе в виде различных минералов и органического происхождения.

ПРОКЛЕИВАНИЕ И ГРУНТОВКА ХОЛСТА

после того, как холст был хорошо натянут, его следует проклеить с целью изолировать холст (картон, бумагу, доску) от масляной краски. Студенистый клей наносят широкой кистью или щеткой в несколько слоев. Толстые слои проклейки склонны к растрескиванию. После первой проклейки надо дать холсту хорошо просохнуть при комнатной температуре. После проклейки высохший холст нужно обработать наждачной бумагой. Лучшие клеи желатиновый или казеиновый, столярный клеи, но только лучших мездровых сортов.

Высохший после проклеек холст грунтуют для того, чтобы создать связующее звено между холстом и красками. Поверхность получается практически ровной и не требует дополнительного шлифования. Для масляной живописи существует 4 вида грунтов: Клеевой,Эмульсионный,Полумасленный и Масленый.

МЕТОДЫ МАСЛЯНОЙ ЖИВОПИСИ: Живопись в один прием и в несколько приемов. Во втором случае работа расчленяется на первую прописку — подмалевок, в котором задача живописца сводится к прочному установлению рисунка, общих форм и светотени, колориту же или отводится второстепенное значение, или же он ведется в таких тонах, которые лишь в дальнейших прописываниях с поверхлежащими красками дают искомый тон или эффект, — на вторую, третью и т. д. прописки, в которых задача сводится к разрешению тонкостей формы и колорита.

Испанская живопись XVII века занимает одно из ведущих мест среди европейских школ.

Главными заказчиками искусства в Испании были господствовавшие в стране дворянство и католическая церковь. Это определило и ограничило тематику испанской живописи: ведущим жанром в творчестве становится монументальная алтарная картина. Натюрморт и пейзаж относятся к второстепенным жанрам. Наблюдается развитие светского портрета, в котором испанские живописцы достигли немалых высот.

Монументально-декоративная живопись не получает в Испании почти никакого развития. Испанская живопись развивается исключительно как станковая, однако характеризуется монументальностью композиций, что соответствует обычно большому размеру картин. Сурова я простота, серьезность и жизненность, присущие испанскому искусству, сочетаются с глубоким драматизмом и выразительностью образов. Последние, как правило, имеют народный, демократический характер и нередко отличаются ярко выраженными индивидуальными чертами. Стремление к идеализации так же чуждо лучшим представителям испанской живописи первой половины века, кик и искания декоративности и эффектности. Последние усиливаются лишь во второй половине столетия. Испанские художники уделяют большое внимание живописным проблемам, многие из них заслуженно считаются крупнейшими колористами в западноевропейском искусстве.

Ведущими художественными центрами Испании с конца 16 века являются Валенсия и особенно Севилья — города, дольше других сохраняющие и свое экономическое значение. Несколько позже видную роль в художественной жизни Испании начинает играть ее столица — Мадрид.

Самое начало XVII века запомнилось как противоборство разных художественных направлений. Придворное искусство, опиравшееся на традиции романизма, противопоставляло себя национальному подъёму в живописи. К дворцовому творчеству можно отнести такого художника, как Висенте Кардуччо. В противовес идеализирующему искусству вставали национальные испанские школы, расположенные в Севилье и Валенсии, где развивался реализм.

Одни из первых испанских художников, которые пришли к реализму были Франсиско Рибальта, Хуан Роэлас и Франсиско Эррера Старший. Конечно, их творчество носило отголоски караваджизма, но, в тоже время, нельзя говорить о каких-то заимствованиях.

Рибальта первым ушёл от романизма и обратился к караваджистским приёмам. Его окончательное мастерство воплотило себя в сюжетах на тему из жизни св. Франциска. Он активно использует резкую светотень, контрастирующую с тёмным фоном. Его фигуры выглядят особенно материально. Это видно в его полотне «Апостол Пётр». Особое внимание художник уделяет лицам и фигурам, игнорируя окружающие детали и пейзаж, как например, в «Евангелисте Луке». Рибальта применил новые караваджистские приёмы, но ещё не до конца освободился от религиозной суровости в картинах, как в «Видении св. Франциска».

Другой живописец, Эррера Старший, особенно отличился в колористических исканиях. Его полотна обширны и монументальны. Из них можно назвать «Св. Василий Великий» и «Видение св. Василия». Видна уверенная пластическая лепка фигур и богатое колористическое дарование. Художник работает и в жанровой живописи, обращаясь к теме отдельной человеческой личности. В его работе «Слепой музыкант» отсутствует сюжет, отображена статичность действия.

Роэлас посвятил себя написанию сцен из жизни Богородицы. Представлял севильскую школу. Запомнился работой со светотенью и красками, которые он использовал особенно гармонично. Был прекрасным рисовальщиком, умевшим грамотно расположить композицию. Известные его религиозные работы: «Св. Иаков», «Мучение св. Андрея», «Освобождение св. Петра из темницы».

Ещё один художник, который также впитал в себя всю противоречивость испанской живописи начала XVII века, - Франсиско Пачеко. Являясь цензором испанской инквизиции он, конечно же был вынужден отдать дань вырождающемуся романизму. С другой стороны, он ценил новый реалистический подъём в живописи. Свою славу заслужил скорее как педагог, написав трактат «Искусство живописи». Среди многочисленных религиозных работ он также написал «Портрет кавалера ордена Сантьяго».

На ранних этапах в творчестве Хусепе Риберы (1591—1652, с 1616 г. жил в Неаполе) отчетлив интерес к ярко индивидуальному, конкретному, пусть даже уродливому. В его почерке много от караваджизма: он предпочитает темный фон, насыщенные густые тона, красноватые в тенях, точную пластическую моделировку, подчеркнутую материальность формы, контрасты света и тени, сложные ракурсы фигур («Св. Себастьян»). Его библейские и евангельские персонажи — простолюдины, но всегда полные достоинства, мужественные и гордые. Как истинный сын эпохи барокко, да еще испанец, Рибера предпочитает изображать сцены мученичеств; в них ярче предстает нравственная сила героев. Драматические сюжеты толкуются Риберой без внешних эффектов, и образы обретают истинную монументальность благодаря глубокой внутренней значимости. Это характерно даже для тех персонажей, в которых мастер подчеркивает уродливые черты. Расцвет творчества Риберы относится к 30—40-м годам. К этому времени несколько меняется его манера. Живопись становится светлее, колорит—тоньше, тени—прозрачнее, исчезают резкие светотеневые контрасты, все как бы наполняется воздухом. Образы, возможно, теряют свою конкретность, но становятся более обобщенно-глубокими, выразительными. В них появляется иногда стремление к победе идеального начала.

Крупным центром художественной культуры была Севилья. Севильской школе принадлежит творчество Франсиско Сурбарана (1598—1664), уже в 1629 г. получившего звание главного живописца Севильи. Заказчиком была церковь, главными персонажами—монахи. Спокойные, важные, благочестивые, они представлены обычно в рост, в белых одеждах на темном фоне, в застылой, статичной позе, что сообщало им оттенок вечного, незыблемого. Это всегда национальный, полный достоинства характер. Приблизительно до 30-х годов сказывается влияние караваджизма: в плотности и темном цвете красок, в светотеневых контрастах. Живопись зрелого Сурбарана совершенно самостоятельна и свободна от влияний. В ней нет ни внешних эффектов, ни экзальтации даже в сюжетах мистических. Образы полны одухотворенности, величия, ясности и простоты. Лаконизм и выразительность пластических средств Сурбарана особенно прослеживаются в его натюрмортах, в которых художник умеет выявить материальное совершенство, красоту формы, фактуры, цвета изображаемых им предметов. Сурбаран создает поистине монументальный образ «мертвой природы» в своих чистых по краскам и строгих по формам натюрмортах.

Самый замечательный художник «золотого испанского века» — Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599—1660). Веласкес — севильянец, учился у Пачеко. Первые самостоятельные работы мастера показывают его интерес к жанру бодегонес (испанский аналог жанра). В этих работах Веласкес соединяет караваджистское «тенеброссо» с сурбарановским умением передать величие вещей и уже чисто свое глубокое уважение к людям из народа. Интересно, что у Веласкеса, типичнейшего испанца, почти отсутствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им как жанровые сцены.

В 1623 г. Веласкес переезжает в Мадрид и становится придворным художником. Почти 40 лет длится его служба при дворе, но она не помешала художнику остаться верным своим идеалам.

В середине 30-х годов Веласкес пишет картину «Сдача Бреды», посвященную единственному победному событию в бесславной для испанцев борьбе с голландцами,—произведение уже вполне сложившегося и большого мастера. Новаторской была сама композиция батальной сцены — без аллегорических фигур и античных божеств. Новаторским было и толкование темы: побежденные голландцы, сконцентрированные в левой части картины, представлены с тем же чувством достоинства, что и победители.

Утверждение достоинства личности — основная черта портретной живописи Веласкеса. Как придворный художник, он почти сорок лет писал портреты Филиппа IV, его детей, графа Оливареса и многих других придворных. Веласкес по праву считается одним из создателей парадного, репрезентативного портрета. Изображения его монументальны, лаконичны и глубоко выразительны по средствам. Для искусства Веласкеса, для восприятия им мира и человека вообще свойственны благородство и мера. Между моделью и зрителем он всегда оставляет некую преграду. Эти качества сказались и в портретах шутов, которые Веласкес писал в конце 30-х — в 40-е годы.

Искания тона, проблема передачи света и воздуха, световоздушной среды, что будет так волновать художников XIX в., были главными проблемами живописи Веласкеса. Его пейзажи с виллой Медичи с их изысканной колористической гаммой, благодаря которой краски природы воспринимаются не локально, а во взаимодействии со светом, предвещают пейзажную живопись XIX в.

Самым крупным художником второй половины XVII столетия был младший современник Веласкеса — Бартоломео Эстебан Мурильо (1618—1682), один из основателей, а затем президент Севильской Академии художеств. Его изображения «Мадонны с младенцем», «Вознесения мадонны», «Непорочного зачатия», «Святого семейства», в которых поэтичность нередко переходит в слащавость, снискали ему европейскую славу, равно как и изображения детей улицы, мальчишек в поэтических лохмотьях («Мальчик с собакой»).

С конца XVII в. изобразительное искусство Испании переживает упадок. В XVIII в. Испания не дает ни одного сколько-нибудь значительного художника, вплоть до конца века, когда появляется Гойя и испанское искусство с его именем вновь обретает общеевропейскую известность.

Дата добавления: 2015-05-07