Історія світового мистецтва

Образотворче мистецтво об'єднує близькі один одному живопис, графіку, скульптуру, художню фотографію.

Воно чи не найбільш давнє серед інших видів мистецтва і, по суті, супроводжує людину від доісторичних часів.Ще в епоху палеоліту первісні люди створили безліч печерних зображень, розписів та творів прикладного мистецтва, воспроизводивших конкретні факти і явища повсякденного життя.Відмінна риса цих перших проявів художнього дару людини - своєрідний наївний реалізм, пильність спостережень, неусвідомлене ще, але незборима прагнення до освоєння і пізнання життя в образній формі.

Від цих перших ознак пробудження в людині спраги художнього освоєння дійсності образотворче мистецтво, розвиваючись протягом століть і тисячоліть у тісному зв'язку з розвитком суспільства і особливо його духовної культури,набуває все більшого і більшого поширення і розкриває свої практично невичерпні творчі можливості.

Образотворче мистецтво має особливість запам'ятовувати життя в наочній формі.При всіх відмінностях, які існують між живописом, графікою, скульптурою, художньою фотографією, всім їм властиві і деякі загальні риси: на відміну від літератури та музики, театру і кіно, здатних розгорнути відтворювані події в часі, образотворчі мистецтва,позбавлені цієї можливості, надають, однак,зображуваним ними явищ життя безпосередню зримість.

Але сила і значення образотворчих мистецтв складаються зовсім не в тому, що вони зримо зображують життя. Зримість і безпосередність зображення притаманні і деяким іншим видам мистецтва, як, наприклад, кінематографії, яку, однак, ми не відносимо до мистецтв образотворчим.Найважливіша особливість образотворчого мистецтва полягає у властивій йому дивну здатність передавати все різноманіття і складність життя, всю її динамічність через зображення однієї події або моменту.

Образотворчі мистецтва прийнято називати просторовими зовсім не тому, що вони не передають почуття часу, минулого і майбутнього, а мають справу з одним тільки застиглим «справжнім».Позбавлені можливості безпосередньо включати час у свою структуру, вони виробили певні способи вираження часових характеристик через просторовий ряд, колорит, сюжет і т. д.«Бурлаки» Рєпіна, наприклад, як і всяке твір образотворчого мистецтва, як би «зупинили» життя на одну мить, але в цьому миті художник зумів виразити в цих людях їх минуле, сьогодення і очікування майбутнього.

Художник зовсім іншої епохи і зовсім іншого характеру дарування Г.Коржев представив на першу виставку «Радянська Росія» чудовий триптих «Комуністи», частини якого - «Інтернаціонал», «піднімають прапор», «Гомер» - чудово доповнюють один одного і обмежено об'єднані спільністю ідейного задуму.На картинах Коржева відображені три епізоди, але кожен з них певною мірою дає уявлення про те, що передувало цим епізодам, і тому, що повинно за логікою відбутися в майбутньому. Триптих Коржева відразу ж здобув визнання глядача.Сучасний глядач вдячний художнику за те, що він як би дав йому ще одну можливість побачити минуле, витоки шляху, розпочатого кілька десятиліть тому, і вже в цих витоках відчути красу і неминучість торжества великих і найблагородніших ідей нашого століття.

Знамените побажання гетевського Фауста: «Зупинися, мить, ти прекрасна!» - Виявилося хіба підвладним видатним твором живопису, графіки, скульптури і такий молодий гілки образотворчого мистецтва, як фотографія.Через зображення «зупинених миттєвостей» живопис, графіка і скульптура висловлюють глибоко і всебічно типові, характерні риси дійсності. Справді прекрасні твори образотворчого мистецтва мають величезний ідейно-емоціанальное вплив на глядача.Специфічні особливості образотворчого мистецтва своєрідно розкриваються в кожному окремому його вигляді.

Живопис.

Живопис, за влучним зауваженням художника К. Юона, - «живе лист або лист про живе».На перший погляд це може здатися парадоксальним: адже живе лист і лист про живе не одне і теж. Але в даному випадку парадоксальність цього твердження є тільки номінальною. Словами «лист про живе» художник розкриває предмет живопису, а «живе лист» - її кошти.У живописі передається форма предмета, його колір, що висвітлює його світло, фактура матеріалу, простір, в якому знаходиться зображуваний предмет. Тому живопис користується такими конкретними образотворчими засобами, як лінія, колір, світлотінь, повітряна і лінійна перспектива і т.д.Ці образотворчі засоби дозволяють створити на площині ілюзію тривимірності, вірно передати відчуття об'ємності предметів оточуючого нас світу, зберегти й помножити багатобарвність природи і т. д. «На своїх полотнах, - писав Паустовський про Ван-Гога, - він зобразив землю.Він ніби промив її чудотворною росою, а вона засвітилася фарбами такої яскравості та густини, що кожне старе дерево перетворилося на витвір скульптури, а кожне конюшинове полі - в сонячне світло, втілений у безлічі скромних квіткових віночків».Це про Ван-Гога і в той же час - про живопис взагалі. Живописець відтворює реальний світ, використовуючи для цієї мети фарби, що накладаються на спеціально підготовлену поверхню. Об'ємна, тривимірна, повна дихання життя як би застигає на двомірній площині.Багатоколірна, переливається безліччю відтінків, насичена грою світлотіні полотно справжнього майстра рельєфно передає у різноманітній кольоровій палітрі все багатство життя. Не веде до об'єднання дійсності і площинна живопис.

Накладаючи фарби на полотно або будь-яку іншу поверхню, живописець перетворює їх в колір, що створює уявлення і про матеріальні якостях (фактурі) зображуваного предмета, і про його забарвленню, і т. д.Введу того, що явище життя неоднокрасочни і неодноцветни, живопис зображує не тільки колір кожного окремого предмета, а й те складне поєднання, яке утворює предмети, що володіють різним кольором, коли вони розташовані в певному виді і дано у сукупності.Поєднання кольорів, колірна гармонія і утворюють в живопису колорит.

Колорит має таке велике значення, що інші художники навіть стверджують, що вся живопис заснована переважно на одному колориті.Вони вважають, що враження, які художник отримує від життя, в картині перетворюються «у чисто колористичні цінності». Звичайно, без колориту немає живопису. Засобами колориту художник висловлює зміст картини, викликає певний настрій при її сприйнятті.І часто буває так, що глядач ще не встигає вникнути в сюжет, а колорит відразу ж створює певне психологічне ставлення до картини, викликає відповідні почуття - радісні, тривожні, насторожені і т. д.Завдяки колориту живопис викликає у глядача певний настрій, співпереживання розуміння думок і почуття людей, які зображені на картині.

Але колорит - не самоціль в мистецтві, а засіб.Колірна гамма, живописні якості картини набувають більшу чи меншу цінність у прямій залежності від того, якою мірою вони допомагають розкриттю ідейно-естетичного задуму.

Такою є, наприклад, геніальна картина В. Сурикова «Ранок стрілецької страти».Багатюща колірна гамма картини - її темний, густий колорит, ліловий туман, білі сорочки стрільців, мерехтливі на їх фоні відсвіти вогнів - все це не «буйство фарб», а дивовижне майстерність, яке найяскравіші передає один з драматичних моментів російської історії.

Живописний твір створюється не одним кольором. Каркасом картини є малюнок. Малюнок передає форму предмета, його обриси. Не можна применшувати значення малюнка за рахунок перебільшення значення кольору.Теоретики антиреалістичних течій у живописі, зокрема прихильники абстрактного мистецтва, не тільки применшують, а просто ігнорують значення малюнка.Деякі з них стверджують, ніби колір у живописі може грати таку ж роль, що і звук у музиці: справу нібито полягає не в реалістичному зображенні предметів оточуючого нас світу, а в тому, щоб одним тільки кольором викликати відповідні асоціації у глядача.

Зображуючи реальну дійсність на двомірній площині, живопис створює ілюзію тривимірності і об'ємності: люди і предмети здаються що знаходяться на різних відстанях від глядача - одні ближче, інші далі, а природа зображується струм,що небо здається простирающимся до самого горизонту.Наприклад, в порівняно невеликий картині І. Левітана «Володимирка» дорога сприймається як нескінченність.

Враження глибини досягається використанням закону перспективи.Лінійна перспектива дає можливість побудувати здаються обриси предметів, а повітряне - зміна кольору і обрисах. Завдяки світлотіні створюється ілюзія обсягу, опуклості. Світлотінь утворюється тонким і точним поєднанням освітленою і неосвітленій боку зображуваних у картині предметів.Леонардо да Вінчі писав: «Якщо ти, поет, зумієш розповісти і описати явища форм, то живописець зробить це так, що вони здадуться жвавими завдяки світлотіні».Світлотіньової принцип, на думку Леонардо, визначається тим, що «тіні тіл не повинні бути причетними іншого кольору, крім кольору тіла, на якому вони лежать».

Але, звичайно, образотворча правда живопису не зводиться до досягнення можливо більш точного, всебічного і детального подібності зображення з реальною дійсністю.Істинно реалістичне художнє зображення завжди в тій чи іншій мірі умовно, і це не тільки не применшує, а збільшує переконливість образу. Умовність живопису зростає в одноколірної графіку, лінійному малюнку.

Для того щоб в статичних творах живопису ніби розсунулися рамки картини, художник зображує його цікавлять явища життя під таким кутом зору, який дозволяє виявити важливі й істотні сторони характеру зображуваних людей, шукає гострий сюжет,створює глибоко осмислену композицію.

Живопис ділиться на монументальну і станкову. Монументальна живопис пов'язана з архітектурою - це розпис фасадів будівель, стін, стель і т. д. Це, як правило, великі за своїми розмірами твори, пов'язані з призначенням архітектурних споруд.Станкова складається з тих творів, які мають самостійне значення, безвідносно до того, де вони будуть виставлені, - музеях, Будинках культури чи приватних квартирах. Станковий живопис з архітектурою не пов'язана.

Поняття - «монументальна» застосовується виключно для позначення виду мистецтва, а не для вираження монументальності, тобто значно виражених нею ідей і в цьому відношенні станковий живопис не менше монументальна.Високими ідеями та значними художніми якостями повинні в рівній мірі відрізнятись як монументальна, так і станковий живопис.

Нам видається штучним протиставлення станкового і монументального живопису з точки зору більшою чи меншою їх суспільної значущості і сучасного звучання.Монументальний живопис, як і монументальне мистецтво скульптури, буде займати в духовному житті нашого суспільства все більш значне місце. І це зумовлено не тільки характером сучасного містобудування, але й усім строєм суспільного розвитку при соціалізмі.Однак зростання ролі монументального мистецтва аж ніяк не означає применшення значення станкового живопису, здатної виражати і масштабні проблеми життя суспільства, і найтонші душевні переживання людини.Не можна не відзначити, що визнання чи применшення ролі станкового живопису так чи інакше пов'язане відповідно з твердженням або запереченням своєрідності ідейності і реалізму в образотворчому мистецтві.

Основними жанрами живопису є тематична картина (історична, батальна, побутова або, інакше, жанрова), портрет, пейзаж, натюрморт і т. д. Тематична, або сюжетна, картина займає провідне місце в радянській живопису.Портрет - жанр, в якому не тільки (і навіть не стільки) передається зовнішню схожість, але розкривається внутрішня сутність портретованого людини.На хорошому портреті людина часом навіть більш схожий на себе, ніж у житті, адже художник нерідко робить явним те, що для самого портретованого було таємницею. У пейзажі через зображення природи виражається певний людський стан.Це вірно стосовно і епічного і до ліричного пейзажу. Кожен з них духовно збагачує, виховує в людині почуття краси. Широко охоплюючи явища життя, живопис виступає у вигляді сукупності всіх своїх жанрів, в тому числі натюрмортного, анімалістичного і т. д.

Графіка.

Графіка - мистецтво малюнка. Графічне зображення, як правило, складається з ліній, штрихів, крапок і т. д. За своєю природою графічне зображення условнее мальовничого, хоча зображально-виражальні засоби графіки багато в чому ті ж, що і в живопису.На відміну від живопису колір у графіку переважно один (зазвичай чорний), але існує графіка, яка вдається і до допомоги іншого кольору. У графіку використовується також малюнок плямами - образотворче засіб, широко застосоване, наприклад, в графічних аркушах Мезерееля і Пророковим.

Художники-графіки можуть створювати не тільки окремі аркуші, але і цілі серії малюнків, об'єднаних загальною темою.Не вдаючись до допомоги кольору, графіка - мистецтво надзвичайно лаконічний своїми скупими засобами може дати і дійсно дає не менш значні в ідейно-естетичному відношенні картини життя, ніж живопис.

Графіку можна ділити на станкову і прикладну.Станкова графіка, наприклад гравюра, має самостійне значення. До прикладної відносяться ті жанри графіки, які пов'язані з іншими видами діяльності чи творчості, наприклад промислова графіка або ілюстрація.До жанрами графіки відносяться всі види графічного малюнка - книжкова ілюстрація, плакат, карикатура, промислова графіка і т. д. Кожен із цих жанрів відрізняється великою глибиною проникнення в зображуване явище.

Графіка - надзвичайно оперативне мистецтво, воно йде за гарячими слідами подій самого життя і з кожним днем все в більшій мірі входить не тільки в громадське життя,а й побут людей.

Книжкова графіка - це не тільки оформлення книги (обкладинка і суперобкладинка, титул,малюнок на початку і наприкінці тексту і т. д.) Ілюстрація ставить завданням розкрити ідеї і образи творів, внутрішньо відповідати його глибинного змісту. Ілюстрації, створені Д. Шмаринова до «Війни і миру» Л. Толстого, О. О. Верейським до «Тихого Дону» М. Шолохова, Кукриніксів до творів А. П.Чехова, збагатили наше розуміння і емоційне сприйняття немеркнувшіх образів цих творів. Проте книжкова ілюстрація - не проста копія літературного тексту, переведеного на мову графіки, а самостійний художній твір, результат справжньої творчості.Надзвичайно цікаво в цьому відношенні серія малюнків В. Пророковим «Маяковський. Закордон». У них художник не прагне до простої передачі образів поета графічною мовою.Пророків показує персонажів і ситуації закордонних творів Маяковського такими, якими їх побачив би сам поет у наш час, простежує образи Маяковського в динаміці, проникає в прототипи створінь поета і представляє їх глядачеві в тому вигляді, який вони здобули тридцять років по тому.Так, на одному з малюнків Пророковим величезний негр розмахнувся обривком ланцюга і, дивлячись на нього, ви вірите - він знайде волю, проти нього старий світ колоніалізму і расизму не встоїть.Малюнки повністю відповідають смислу віршів, Пророків глибоко вникає в образи Маяковського і в той же час в його малюнках - дух нашого часу.

Особливе місце в мистецтві графіки займає плакат - велике публіцистичне, агітаційне мистецтво, що відрізняється ясністю, броськостью, яскравістю, поєднанням малюнка з літературним текстом,- Бойовий відповідь засобами образотворчого мистецтва на найбільш гострі та значні злободенні політичні питання.

Розширення кола відтворених явищ життя, велика смислова наповненість, ємність твори - важлива тенденція сучасної графіки.І в станковій графіці, і в художніх ілюстраціях в рамці одного аркуша починають вміщатися різні, хоча і супутні один одному сюжети чи різні грані одного сюжету. Так Г. Поплавський один тільки лист «Сім'я» із серії «Пам'ять» вирішив майже як триптих.У центрі листа чоловік і жінка, прінікшіе один до одного в прощальному обіймах. На лівій частині аркуша - колона партизан, що йде з села, на правій - окопи. Тут і розвиток подій, і бачення цих подій головними дійовими особами.

До мистецтва графіки належить також карикатура і промисловий графіка.

Графіка включає різні види відтворення малюнка: гравюру - відбиток малюнка з гравірувальної дошки; літографію - відбиток з каменю чи з замінює його металевої пластинки.

Гравюра.

Слово «графіка» походить від грецького «графо», що означає по-російськи «пишу», «малюю». Саме ця назва показує, як багато спільного між листом і малюнком. Дійсно художник малює на папері, і часто тим же самим, що пише, - пером, олівцем.Більше того, основним виразним засобом графіки є не мальовниче багатство кольору, а лінія, штрих.

У графіку завжди відчувається площину аркуша паперу. На неї вільно лягають лінії малюнка, слухняно слідуючи польоту думки художника.Недарма в графіці так часто говорять про індивідуальний почерк, про неповторну своєрідність манери висловлювання.

Гравюрою і називають відбиток на папері, отриманий з обробленою особливим чином друкованої дошки.Друкованої дошкою можуть служити і дерев'яна дощечка, і металева пластинка і гладкий камінь. Художник власноруч наносить зображення на цю друковану форму і відповідним чином її обробляє.У залежності від матеріалу і способу його обробки розрізняють різні види, або техніки, гравюри: офорт, літографія, дереворит і т. д. Але сама по собі дошка має лише підсобне значення: метою художника є відбиток на папері - відбиток, або, як його іноді називають естамп.Правда естампом вважається не кожне відтиснення, а лише той, який надруковано під безпосереднім наглядом автора і носить не прикладної, ілюстративний, а самостійний, як прийнято говорити станковий характер.

Але в чому ж сенс гравюри?Чому художник-гравер виконує складну і трудомістку роботу по дереву, металу, каменю, а не малює відразу на папері?

Малюнок, як і картину, можна зробити тільки в одному екземплярі. Він за своєю природою унікальний.Повторити його не можна, тому що кожна копія та репродукція завжди бувають гірше оригіналу. Інакше йде справа з гравюрою. Головним її якістю є тиражність - можливість зробити з однієї друкованої дошки багато відбитків. Всі ці відбитки будуть рівноцінними художніми творами.На будь-якому з листів автор може поставити свій підпис: адже всі вони віддруковані з дошки, обробленої його рукою. Варто ж гравюра недорого - набагато дешевше, ніж малюнок, акварель і тим більше картина.

Гравюра - це оригінальний художній твір.Кожен авторський відбиток - такий же оригінал, як і картина маслом. У тому-то і краса естампи, що він дає велику кількість рівноцінних відбитків, кожний з яких самостійний художній твір.Художник-гравер говорить мовою свого мистецтва, з урахуванням всіх особливостей матеріалу і техніки, і його твір тому оригінально і неповторно. У ньому живе душа художника, відчувається трепет його руки.

Можливості гравюри надзвичайно широкі, її художня мова багатий і різноманітний.Багатогранна, гнучке мистецтво гравюри привернуло до себе увагу багатьох видатних художників.

Чудовими майстрами гравюри були такі великі живописці, як А. Дюрер, Рембрандт, Ф. Гойя; пробували свої сили в гравюрі А. Ван Дейк, Е. Делакруа, К. Коро, Ж.-Ф. Мілле.З російських художників багато займалися гравюрою О. А. Кіпренський, І. І. Шишкін, В. А. Сєров.

Не потрібно думати, що гравюра була просто доповненням до живопису. Це абсолютно самостійний вид мистецтва.

Існує цілий ряд художників, які присвятили свою творчість виключно гравюрі.Імена Дж.-Б. Піранезі, О. Дом'є, А. П. Остроумової-Лебедєвої, В. А. Фаворського настільки ж знамениті, як і імена видатних живописців. У їхній творчості дійсність відображена з усією повнотою і глибиною, у всій її складності і багатстві.

Всі ці художники цінували в гравюрі не тільки її тиражність, але і її виражальні можливості.Стійкість і визначеність у поєднанні з безпосередністю вираження, лаконізм, гострота і точність передачі дійсності в поєднанні з красою самого матеріалу - всі ці особливості гравюри відкривали перед художниками широке поле діяльності.

Скульптура.

Скульптура відтворює явища життя в об'ємній формі. Скульптор створює задуманий ним образ з твердих матеріалів - каменю, бронзи, мармуру, певних порід дерева - з урахуванням пластичних можливостей кожного з них.

Основним об'єктом зображення в скульптурі завжди було обличчя і тіло людини.На відміну від живопису і графіки, що зображують не тільки людини, але і середовище, в якому він живе, скульптура, особливо кругла, зображенням середовища в минулому не цікавилася.Уявлення про час, спосіб епохи скульптура на відміну від інших мистецтв, як правило, завжди давало через безпосереднє зображення людини.

Сучасна скульптура розширює свої образотворчі можливості, вона звертається до прямого відтворення таких явищ і граней життя, до яких у минулому скульптори не зверталися. Не тільки сама людина, але і навколишнє його середовище стають безпосереднім об'єктом інтересів скульптора.

Ще зовсім недавно в 1952 році, видатний наш скульптор В. І. Мухіна стверджувала, що скульптура не може зображати неживі предмети, наприклад, машини, матеріальні атрибути середовища і т. д.Але в наш час саме ці сторони насправді все частіше і частіше скульптори вводять у свої композиції. Так, наприклад, в скульптурній групі «Восьме Березня» Д.Метлянскій показав не тільки трьох людей, що сидять у президії зборів та жінку - оратора, а й саму трибуну і стіл, покритий скатертиною, і навіть висить над стіною гасло «Хай живе Восьме Березня!». Скульптор ввів в свою композицію і дві бічні стінки, огороджувальні сцену. Або ще приклад: А.Пологова в композиції «Сім'я колгоспника Чувалова» згрупувала членів цієї колгоспної сім'ї навколо столу під час чаювання. І стільці, і стіл, і укомпонованими в нього самовар - словом, побутова середовище - все це виступає необхідним компонентом твору.

У скульптурі з великою силою проявляється гуманістична природа мистецтва. Глибокий сенс полягає у тому, що мистецтво скульптури хоча й знала періоди занепаду, але вони завжди спостерігалися в епохи панування тиранії і придушення людської особистості.Дуже симптоматичні в цьому відношенні слова Мікеланджело, сказані ним як би від імені своєї знаменитої скульптури «Ніч»: «Мені втішно спати і ще відрадніше бути з мармуру. Поки триває царство вульгарності і тиранії, не бачити і не відчувати - вища для мене щастя. Тому не буди мене.Прошу тебе, говори тихо». Великий майстер дуже вірно угледів глибоку ворожість «царство вульгарності і тиранії» справді людському мистецтву скульптури. У пластичному мистецтві скульптури виражальні засоби підпорядковані завданню об'ємного відтворення людини в матеріалі.Тому основними образотворчими засобами скульптури є обсяг, силует, пластику, ритм. Вони використовуються таким чином, щоб створене художником твір проглядалося з усіх сторін, а силует його чітко вимальовувався в просторі, був органічно з ним пов'язаний.Чудовими зразками такого вдалого просторового рішення в мистецтві радянської скульптури є створений І.Шадра для ЗАГЕСа пам'ятник Леніну: фігура Леніна чітко вимальовується на тлі гір, жест його звернений до річки, підкореної людиною, пам'ятник сприймається як символ людського генія.

Твори скульптури виступають у вигляді портрета або бюста (погрудного зображення), напівфігури і фігури чи статуї (зображення на повний зріст). Найпоширенішим видом скульптури є об'ємна кругла тривимірна скульптура, яку можна розглядати з усіх сторін.

Поряд з круглою скульптурою існує ще і рельєфно-опукле зображення на площині. По висоті виступаючих з площини обсягів розрізняють високий - горельєф, низький - барельєф і зворотний увігнутий - рельєф. Вони можуть служити і для оформлення будівель, бути деталлю пам'ятника і т. д.

Прикладом вдалого поєднання круглої скульптури і рельєфу є, скажімо, пам'ятник Мініну і Пожарському роботи скульптора Мартоса, встановлений у Москві. Фігури Мініна і Пожарського виконані в круглій скульптурі, а рельєф на постаменті зображує окремі епізоди війни.

У розвитку художньої культури особливо велике місце займає скульптура монументальна.До неї відносяться пам'ятники, встановлені на площах, парках та інших громадських місцях з метою увічнення видатних історичних діячів, людей науки і мистецтва, героїв праці, а також найважливіших історичних подій.Монументальна скульптура пов'язана з архітектурою чи природне середовищем: вона повинна добре проглядатися з будь-якої точки і тому встановлюється на відкритому місці. Її обриси повинні бути ясними і чіткими, без надмірної деталізації і викликати у глядача яскраве враження.Монументальна скульптура на відміну від скульптурних творів, що знаходяться в спеціальних приміщеннях не розрахована на близьке розглядання.

Рух у скульптурі, як правило, більш стримано, ніж у живопису: статуя повинна бути стійкою, але об'ємність скульптури дозволяє уявити динамічність дуже виразно. Ця динамічність - найважливіший засіб характеристики людини. Так, у скульптурній групі В.Мухіної «Робітник і колгоспниця» фігури не тільки не здаються застиглими, але вони як би рухаються, і цілеспрямованістю руху визначається зразкове рішення. Істотним елементом виразності скульптури є падає на неї світло.Живописець зображує світло, а скульптор так обробляє матеріал, щоб площини і грані статуї по-різному відображали світло. Він розраховує, як скульптура буде висвітлюватися в різний час дня і т. д.Значення освітлення як засоби виразності настільки велике, що скульптори навіть вважають, що світло може вбити або відродити скульптуру.

Існує скульптура малих форм. До неї належать невеликі за розміром вироби з порцеляни, кераміки, статуетки.Ці твори нерідко знаходяться на межі скульптури та декоративно-прикладного мистецтва.

Мистецтво фотографії.

Мистецтво фотографії завоювало міцне місце в сім'ї мистецтв і приносить велику естетичну радість десяткам мільйонів людей.Однак науковому обгрунтуванню природи художньої фотографії, розкриття її специфічних видових особливостей і місце серед інших видів мистецтва, насамперед серед інших видів образотворчого мистецтва у мистецтвознавчій літературі все ще приділяється недостатня увага.

Фотографія і мистецтво - саме поєднання цих слів навіть в даний час ще нерідко викликає подив. Хіба не стало традиційним вживання поняття «фотографія», «фотографізм» в сенсі натуралістичного копіювання явищ життя?І хоча ототожнення цих понять аж ніяк не є наслідком аналізу природи фотографічного мистецтва і суперечки навколо цих понять мають велику давність в середовищі художників і шанувальників їхньої майстерності слово «фотографія» і в даний час нерідко помилково розглядається як щосьнесумісне з справжнімскусством.

Молодша гілка в сім'ї образотворчих мистецтв художня фотографія, не імітує ні живопису, ні графіки, в той же час веде своїм особливим «мовою» чудовий, повноцінний у художньому відношенні «розмова» про життя.Мистецтво фотографії вносить свій істотний внесок у створення художньої картини нашого часу.

Проста протокольна фотографічна фіксація життєвого факту може вносити натуралістичний характер.Але справа насамперед полягає в тому, що в самій фотографії закладені можливості подолання простого копіювання життєвих фактів, і тоді, коли вона цього досягає, малюнок правомірно стає мистецтвом.

Зіставимо в зв'язку з цим фотографію з іншими видами образотворчого мистецтва, наприклад, з живописом і графікою. Як часто живописець або графік, любовно виписуючи деталі зображуваних ним фактів, завдає шкоди зображенню справжньої правди життя.Вельми показово в цьому відношенні творча невдача, яка спіткала в деяких картинах талановитого художника А. Лактіонова, любив до скрупульозності вірно виписувати деталі;наприклад, лавку і розкинулося над нею дерево, випускаючи з уваги, що це заступає образ великого поета («Знову я відвідав...»). Фотографія тому й стає фотографією, що вона точно фіксує картини життя в тому вигляді, в якому вони існують, вона завжди документальна.Але точна передача життєвих фактів не виключає участі творчої фантазії.

На відміну від живопису фотограф-художник не вдається до допомоги деталей, створених уявою. У всіх випадках об'єкт зображення знаходиться безпосередньо перед оком фотографа.Він використовує ті деталі, ті їх поєднання, які існують в самому житті, але це не означає бездумного перенесення фактів на плівку.Художня фотографія теж результат творчо здійснюваного відбору, відділення головного від другорядного, істотного від незначного, випадкового, причому головна і істотна вона знаходить у самій дійсності. «Відсікання всього зайвого» займається і художня фотографія.Вона знаходить в самому житті такі її прояви, в яких немає нічого зайвого, відбирає в самій дійсності такі факти, які викликають глибокі почуття і серйозні роздуми, - такий шлях узагальнення в художній фотографії.

Фотограф стає художником тільки тоді, коли він починає глибоко розуміти і правильно оцінювати явища життя, правильно встановлювати співвідношення між ними, бачити місце, яке кожна з них займає.У результаті такої оцінки художник, який творить засобами фотомистецтва, виділяє найбільш характерні сторони дійсності і тим самим відтворює типові повні глибокого змісту картини життя.

Мистецтво фотографії - мистецтво документальне.Але чи варто протиставляти художню фотографію хроникальной? Так, наприклад, в кінематографії є вид хронікально-документальний і ніхто його не протиставляє кінематографу художньому.Але якщо в кінематографії хроніка - один з видів цього мистецтва, то у фотографії документальність - єдино можлива і необхідна форма відтворення життя. Але хроніка хроніки ворожнеча; також різної буває і документальність у фотографії.

Є хроніка, що представляє собою просту протокольну передачу подій і фактів, яка не зігріти диханням думок і почуттів художника, і вона, звичайно, стоїть поза мистецтва.

Художня фотографія може бути глибоко реалістичною, якщо художник силою свого гострого бачення життя здатний побачити в самій дійсності факти і ставлення.Справжній художній фотознімок, подібно картині або гравюрі, в статичному зображенні життя дозволяє відчути всю її красу, її руху, її минуле і майбутнє.

Мистецтво - це образне бачення.Такому баченню зовсім не протипоказане пряме і безпосереднє введення тих чи інших шматків життя в художній твір. І це, звичайно, не натуралізм. Документальна кінематографії не натуралістична. Чи не натуралістична і художня фотографія.Справжній художній фотознімок, подібно картині або гравюрі, в статичному зображенні життя дозволяє відчути всю її красу, її руху, її минуле і майбутнє.

Мистецтво фотографії складне. Його кошти спираються на техніку.Але техніка у фотографії аж ніяк не зводиться до суто механічному фактору: засоби техніки, якщо ними користується художник набувають значення художніх зображально-виражальних засобів.Створення колориту обсягу зображуваних явищ, виділення головного і істотного досягаються засобами фізики (оптики) і хімії, але саме ними (колоритом, світлом і т. д.) значною мірою зумовлено художнє звучання знімка.

Від майстерності художника-фотографа залежить вибір ракурсу, масштабу, характер кадрування, своєрідність композиції, посилення або ослаблення контрастності. Завдяки використанню різної оптики, світлофільтрів, зміни наведення на різкість може бути посилено вплив перспективи, об'ємності.Великі можливості відкриваються в мистецтві фотографії вмілим володінням світлом, а в кольоровій фотографії колористичними властивостями матеріалів.

Кращі роботи радянських фотомайстрів поряд з картинами живописців і естампами графіків являють собою художній літопис життя соціалістичного суспільства. «Колгоспниця Таня» Скурихіна нам також дорога, як «Делегатка» Ряжського.

Архітектура.

Поряд з живописом, графікою, скульптурою архітектура відноситься до просторових мистецтв, зримо сприймаються і художньо представляють дійсність у статичних формах.

У зв'язку з цим архітектуру та декоративно-прикладне мистецтво за традицією розглядають, як специфічні види образотворчого мистецтва.

Архітектура посідає особливе місце в сім'ї мистецтв.На відміну від інших видів мистецтва, які належать виключно до сфери духовної культури і являють собою лише відтворення дійсності, архітектура відноситься як до духовної, так і до матеріальної культури. Архітектурні споруди - це не лише яскраві образи епохи;архітектура - це незвичайне відображення дійсності, а сама дійсність, ідейно-естетично виражена.В архітектурі мистецтво органічно поєднується з практично корисною діяльністю: окремі будинки і їхні комплекси, ансамблі, покликані задовольнити матеріальні і духовні потреби людей, утворюють матеріальну середу, в якій протікає їх життєдіяльність.

Архітектура невіддільна від будівельного мистецтва, але не тотожна йому. Будівельною технікою та характером будівельного матеріалу визначається конструкція споруди, його міцність і довговічність. Будівельна техніка є найважливішим чинником, що впливає на характер архітектурного рішення.

Але конструктивне рішення, взяте саме по собі, ще не є архітектурне рішення.Досить міцна цікава в технічному відношенні конструкція корисного будівлі може залишатися за межами архітектури, якщо ця будівля має суто технічне значення і не виразно в художньому відношенні.Архітектурні споруди створюються з метою задовольняти соціальні потреби, вони мають практично корисний характер. Однак для архітектурної споруди або комплексу споруд цього мало - практично корисне має стати художньою цінністю.Такі, приміром, дерев'яні хати на Русі, Ейфелева вежа в Парижі, вежі Шухова і Останкінська Нікітіна в Москві - споруди, технічне і функціональна досконалість яких набуло ідейно-естетичний зміст.

Гоголь характеризував архітектуру як довговічну літопис світу - вона, за словами письменника, продовжує розповідати про минулі часи навіть тоді, коли замовкають тіні й перекази.І дійсно, єгипетські піраміди, антична архітектура, готика, Ренесанс, бароко, класицизм, функціоналізм і конструктивізм у 20 столітті - етапи, що свідчать не тільки про провідні тенденції розвитку матеріального середовища, але й про розвиток художнього мислення.Приниження людини і його розчинення в обожненої особистості фараона, гармонія в життя вільної людини - громадянина настільки характерне для античності, панування релігійної ідеології в середні століття, торжество ідей гуманізму в епоху Відродження,характерна для дворянства епохи розквіту абсолютизму демонстрація розкоші і багатства, покликаних вражати людини, відомі риси технократичного свідомості і, нарешті,пряме вираження нової суспільної сутності людини - в кращих зразках архітектурного і містобудівного мистецтва явно простежуються у всіх цих напрямках.

Природа вираження дійсності архітектурою специфічна: за архітектурними спорудах можна судити про характер епохи, про особливості її матеріального і духовного буття, про стан світу, про місце людини в суспільстві, про панівних ідеях і настрої часу.Архітектура створює його узагальнений, ємний і цілісний образ.

Узагальнений художню мову архітектури історично мінливий.Його розвиток зумовлений як змінами у функціональному призначення споруд, розвитком будівельної техніки і появою нових будівельних матеріалів, так і невіддільними від них художніми особливостями архітектури, новими ідейно-естетичними рішеннями,які перед нею виникають в кожну нову епоху.

Основою архітектурної мови є організація внутрішнього простору і тектоніка, тобто пластично розроблені та художньо осмислені функція і конструкція.У тектоніці розкриваються практичне значення будівлі, характер задоволення функціональних потреб, своєрідність художнього мислення.

Архітектура користується такими виразними засобами, як симетрія, пропорційність утворюють спорудження елементів, ритм, масштабні співвідношення з людиною, зв'язок із середовищем і простором.Разом з тим архітектура широко використовує естетичний вплив світла, кольору, фактури будівельного матеріалу.

В архітектурі, як мистецтві, особливо у зв'язку з багатозначністю її природи, вельми істотним є поняття стилю.Саме стильове рішення втілює основні принципи історично зумовленої системи художнього мислення, закріплює в матеріалі художній задум, доведений тут до максимального ступеня узагальнення, до символу.У злети та спади архітектурного стилю знаходить в кінцевому рахунку своє вираження суспільно-культурний контекст цілої епохи, її провідних тенденцій. Кожна культурна ситуація як би закарбовується в камені, дереві, ритміці світла і тіні, кольору, пластики і конструкції і т. д.Тут простежуються і «злами» стилів, намічені відмови від одних і рух до інших стильовим течіям.

Важливою і найбільш складною формою архітектури є містобудування - створення архітектурних ансамблів, органічно пов'язаних зі складними просторовими рішеннями.У нашому містобудуванні втілюються ленінські ідеї соціалістичного розселення, створення цілісної системи міст і селищ з планомірним розміщенням магістралей і площ, парків і зелених масивів, житлових будинків, промислових споруд, громадських будівель і т. д. При цьому проводиться і комплексна реконструкція старих районів, при якій дбайливо зберігаються цінні в архітектурному відношенні споруди минулих епох,посилюється їх естетичний вплив шляхом найбільш доцільною організації простору навколо них.

Декоративно-прикладне мистецтво.

Декоративно-прикладне мистецтво - мистецтво виготовлення предметів побуту, що мають, однак, не тільки утилітарне значення, а й володіють певними художніми якостями, - у ряді відносин може розглядатися за аналогією з архітектурою.

Подібно архітектурним спорудам, твори декоративно-прикладного мистецтва, як правило, не втрачає зв'язку з практичним призначенням предмета. Навпаки, їхня художня сутність є в органічному зв'язку з ним.Ослаблення зв'язку, а тим більше розрив з практично корисним призначенням предмета найчастіше веде до втрати його естетичних достоїнств: зникає міра, порушуються пропорції, руйнується доцільність.Специфіка творів декоративно-прикладного мистецтва і полягає в тому, що їх художні якості є не доповненням або додатком до утилітарного призначенню речі, а служать засобом його виявлення.

Разом з тим у сучасному декоративно-прикладному мистецтві функціональне початку не завжди виступає так явно.У житті сучасної людини, в його побуті, займають чимале місце і такі твори цього мистецтва, які носять суто декоративний характер і, не володіючи ніяким утилітарним призначенням, радують своєю естетичною значимістю.

Декоративно-прикладне мистецтво ділять на певні види або залежно від матеріалу, з якого виготовляють виріб (кістка, скло, лак, дерево і т. д.), або в залежності від технології обробки матеріалу (кераміка, художні вироби з різних сортів обпаленої глини;художнє різьблення, набивні та декоративні тканини, художня вишивка і т. д.), або, нарешті, за функціональним призначенням (одяг, меблі, посуд, побутова начиння).

Функціональний принцип представляється найбільш раціональним, хоча він і володіє певною обмеженістю - недостатньо підкреслюється та обставина, що корисний предмет набуває значення твору прикладного мистецтва тільки тоді,коли лежить в його основі матеріал оброблений відповідно до вимог законів краси.

Для того щоб предмет став твором мистецтва, він повинен не тільки бути оброблений «за законами краси», але нести в собі певний ідейно-емоційний зміст.З цією метою використовується належним чином матеріал, враховується найбільш доцільна форма предмета (його пропорції, ритмічні повтори, тектонічний лад), набуває особливого значення співвідношення масштабів між окремими частинами предмета і людини,застосовується особливий спосіб обробки поверхні предмета - декор.

Тому майстерність художника, що створює гарні речі формуючий в людині, за відомим вираженні. Горького, творча уява і повагу до праці їх творця, являє собою істотне прояв предметної діяльності несе глибоку естетичну виразність.

Враження, вироблене прикладним мистецтвом нерідко може бути таким же сильним, як і вплив мальовничого або скульптурного твору.

У сучасних умовах поява нових матеріалів висуває перед прикладним мистецтвом нові завдання.Завдання художника полягає не в імітації нових матеріалів (пластмаси, синтетичні матеріали, пластики, полімери і т. д.) під старі (кришталь, скло, дерево), а виявлення своєрідних і неповторних виражальних властивостей, притаманних самим цим матеріалам.

Виробі декоративно-прикладного мистецтва виконуються як кустарним, так і промисловим способом. Виявлення фактури сучасних матеріалів пропонує і нові способи їх обробки. Машинна техніка набуває в зв'язку з цим особливо велике значення.Старими кустарними засобами художня обробка нових матеріалів часто виявляється нездійсненним.

У прикладному мистецтві форма виробу його архітектонічна конструкція несе в собі як утилітарну сутність предмета так і його естетичну виразність.

Форми виробів прикладного мистецтва історично мінливі. У різні епохи вони характеризуються переважним відмінністю мотивів - розкоші, манірності або, навпаки, простоти, природності і т. д.

Сучасна дійсність породжує тенденцію до простоти, лаконічності, відмови від зайвої деталізації, малогабаритність, економічності. Декоративно-прикладне мистецтво має глибоке народне коріння і широко поширене.У силу цього його значення особливо велике, тому що воно безпосередньо входить у побут. Художньо оформлені речі не тільки прикрашають повсякденне життя, але грають величезну роль і в формуванні художнього смаку.

"Мистецтво є один із засобів спілкування між людьми", Г. В. Плеханов.   Протягом всієї історії людина і мистецтво були нерозривно пов'язані. Усвідомлення людиною самої себе відбивається в кам'яних фігурках, в рисах пам'яток архітектури.Людські якості і почуття відбиті у творах живопису, скульптурних групах. Проблеми буття, релігії, світовідчуття знайшли своє відображення у творах мистецтва. Допомога в пізнанні світу через емоційне сприйняття його, розширення кругозору, пробудження творчих сил, формування духовного обличчя людини - функції мистецтва.Момент звернення людини до творчості, бути може є найбільшим відкриттям, що не має собі рівного в історії за тими можливостями, які в ньому закладені.Мистецтво не існує поза часом і суспільства, за своїм змістом воно соціальне і нерозривно пов'язане з національною традицією та епохою. Радянський психолог Л. С. Виготський писав: "Мистецтво є соціальне в нас...- Є громадська техніка почуття, знаряддя суспільства, за допомогою якого воно залучає в коло соціального життя самі інтимні і самі особисті сторони нашого створіння ". Художник, переосмисливши побачене, по-своєму розгадавши таємниці буття, за допомогою системи художніх образів намагається передати своє світовідчуття, залучаючи нас у складний процес самопізнання, примушуючи працювати не тільки наші очі, мозок, а й уяву, мобілізуюче до дії наші духовні сили. Історія мистецтва в історії людства являє собою складну картину розвитку різних національних шкіл, течій, стилів, взаємопроникнень форм і традицій, які не знають часових і географічних кордонів, завдяки чому у східчастих формах православних храмів,багатством декору не поступаються зразкам французького бароко, простежуються геометрично аскетичні лінії Єгипетських пірамід, а російські ікони дивляться на нас очима ликів,написаних пензлем візантійського художника. У своїй роботі я хотіла б провести вас по основних віх розвитку мистецтва і показати, як людина, змінюючись, творив нове, щось відмінне від колишнього, як його творіння змінювали самого творця, як народжувалися і вмирали цивілізації, і що залишилося вічним нагадуванням про їх існування.   ВИТОКИ МИСТЕЦТВА   Джерела мистецтва сягають глибокої давнини. Проблема походження мистецтва протягом багатьох століть хвилює кращі філософські уми, але про художню діяльності людства на ранніх стадіях розвитку відомо не дуже багато.Численні твори образотворчого мистецтва (наскальні розписи, скульптурні зображення з каменю і кістки) з'явилися значно раніше, ніж сформувалося свідоме уявлення людини про художню творчість.Зародження мистецтва сходить до первісної епохи, коли людина вперше спробував відобразити свої уявлення про навколишній світ у мистецтві, що сприяло закріпленню і передачі знань та навичок, виникнення ще однієї форми спілкування між людьми.Згідно з даними археологів вже в епоху палеоліту (давньокам'яного століття) близько 35-10 тис. до н. е.. з'явилися основні види образотворчого мистецтва (скульптура, живопис, графіка). Треба відзначити, що в первісному суспільстві художня діяльність людини була нерозривно пов'язана з усіма існуючими формами духовної і матеріальної культури: міфологією, релігією, побутовим устроєм.Художня, духовна культура існує в тісній єдності з матеріальною, утворюючи первісний синкретичний, тобто єдиний, культурний комплекс, який лише через сторіччя розпадеться на самостійні сфери культури: релігію, мистецтво (у всьому розмаїтті його форм), спорт, науку.Зображення, відтворені рукою первісної людини, є ланкою єдиного ланцюга художньо-релігійно-театрального магічного дійства, що відображає синтез матеріальної і духовної культури людини тієї далекої епохи. Ранні малюнки примітивні;це контурне зображення голів тварин, відбитки людської руки, хвилясті лінії, видавлені в сирій глині пальцями руки (так звані "макарони").Більш пізні зображення епохи палеоліту - це малюнки тварин того часу (оленів, коней, бізонів, мамонтів), виконані на стінах і стелях печер.Найдавніші статуетки тварин відрізняються точним зображенням, життя змушувало людини-мисливця докладно вивчати характер тварини, його звички. Ці знання представляли собою практичну цінність. Себе ж людина ще не пізнав, тому скульптурні зображення людини дуже схематичні,умовні.Такі первісні "венери" (Венера з Віл-лендорфа), найпростіші жіночі фігури з непропорційними кінцівками, гіпертрофованими материнськими рисами і відсутністю рис людського обличчя.Правильно сприймаючи окремі предмети, людина ще не охопив загальну картину світу і не усвідомив в ній своє місце. Мальовничі зображення мезолітичної пори (среднекаменного епоха) 10-6 тис. до н. е.. стали більш яскравими.З'явилися багатофігурні композиції, що відображають динамічні сцени полювання, битв між племенами, побутової діяльності. Людина робить перші спроби розкрити взаємозв'язки світобудови, освоїти загальні закономірності життя. Неоліт (новокаменний століття), 6-2 тис. до н. е.., Збагатив образотворче мистецтво створенням творів монументальної антропоморфної (людиноподібної) скульптури (наприклад, так звані "кам'яні баби" Північного Причорномор'я). Характерна риса культури неоліту - поширення дрібної пластики, художніх ремесел, які поклали початок декоративному мистецтву. В епоху бронзи, близько 2 тис. років до н. е.. переважне значення отримує архітектура, названа мегалітичний (тобтоархітектура великих каменів: від грецьких коренів "мег" - великий і "літ" - камінь). До мегалитическим споруд відносяться: менгіри, дольмени, кромлехи. Виникнення їх пов'язане з розвитком релігійних уявлень. Кам'яні стовпи - менгіри - заввишки до 20 м (перебувають у Бретані, Франції;Закавказзі, Вірменії) несуть в собі риси архітектури та скульптури.     МИСТЕЦТВО СТАРОДАВНЬОГО СВІТУ   Мистецтво древніх цивілізацій успадковує риси первісної культури, відкриваючи і нові форми художньої творчості. На зміну родовим відносинам приходить класове суспільство, більш прогресивна форма соціального устрою.Експлуатація рабів породжує поділ праці фізичного і розумового, створює грунт для розвитку різних форм творчості. З середовища ремісників виділяються зодчі, скульптори, живописці. Ускладнення суспільного життя сприяло розширенню образного діапазону мистецтва. Художня творчість найдавніших цивілізацій тісно пов'язане з релігією, більшість пам'яток культури носять культовий характер. Ідейний зміст мистецтва древніх деспотій, що виникли у 5-4 тис. до н.е.(Єгипет, держави Дворіччя), визначається, головним чином, вимогою прославляння влади богів, героїв, царів. Розробляються також теми праці, полювання, військових баталій. Найважливіше завоювання художньої культури стародавнього світу - синтез мистецтв.   ЄГИПЕТ   Єгипет - одне з найдавніших держав світу, а його мистецтво - один з найбільш ранніх вкладів в історію культури людства. Історію Стародавнього Єгипту ділять на наступні періоди: 1. Додинастический (4 тис. до н. Е..) 2. Древнє царство (30-23 ст. До н. Е..) 3. Середнє царство (22-18 ст. До н. Е..) 4.Нове царство (16-11 ст. До н. Е..) 5. Пізніше час (11в-332г. до н. Е..) Приблизно так розділив історію Стародавнього Єгипту жрець Манефон, який жив наприкінці IV-III ст. до н. е.. в Олександрії.   Додинастичний період   Для мистецтва додинастичного періоду характерно високу майстерність обробки каменю.Виявлені в похованнях шиферні таблички для розтирання фарб, прикрашені рельєфним зображенням; розписані глиняні судини, дозволяють судити про тематику, що розробляється єгипетськими майстрами; це: заупокійні обряди, історичні події, військові походи.І ось тут важливе місце завойовує образ людини. Складаються основні канони зображення людської фігури: широкі і сильні плечі розгортаються у фас, ноги і голова - у профіль,що дозволяє майстру поставити акцент на найбільш виразних і ясно читаються аспектах людського вигляду.Значущість володаря підкреслюється розмірами його зображення, набагато переважаючими зображення інших персонажів, як, наприклад, в рельєфі шиферної плити фараона Нармера (близько 3 тис. років до н.е., Каїр, Єгипетський музей).     ДРЕВНЄ ЦАРСТВО   Після об'єднання Єгипту в єдину державу в кінці IV - на початку II тис. до н. е.. починається розквіт єгипетського мистецтва. В епоху Стародавнього Царства в Єгипті з'являється новий тип гробниць - ступінчаста піраміда.Перша така піраміда побудована для фараона Джосера зодчим Імхотеном (історія зберегла ім'я майстра, що є скоріше винятком, ніж правилом для тієї епохи) в XXVIII ст. до н. е..До цього ж сторіччя належить і зведення відомих пірамід фараонів Хеопса (або Хуфу), Хефрена (іліХафра) і Мікеріна (Менкау-ра) в Гізі. Найграндіозніша з них - піраміда Хеопса - побудована під керівництвом архітектора Хімеуна. Її висота близько 150 м, і складена вона з 2 млн. 300 тис. блоків. Неодмінними атрибутами єгипетських храмів та усипальницю були статуї фараонів, знаті, придворних писарів, виконані у відповідності зі строгими канонами (правилами), чого вимагало культове призначення статуй.Люди зображувалися у спокійних, як би застиглих у віках позах (це або стоїть, або фронтально постать). Прикладами можуть служити статуя переписувача Каї (середина 3 тис. до н. Е.., Париж, Лувр), виконана з вапняку;парний скульптурний портрет принца Рахотена і його дружини Нофрет (початок 3 тис. до н. е.., Каїр, Єгипетський музей). Крім скульптурних статуй, прикрасою усипальниць були рельєфи і розписи на сюжети, пов'язані з заупокійним культом, виконані на стінах. Таке об'єднання різних видів мистецтва (архітектури, скульптури і живопису) фахівці називають синтезом мистецтв.   СЕРЕДНЯ ЦАРСТВО   Численні війни Стародавнього царства привели до ослаблення державної та економічної могутності країни. Припиняється будівництво дорогих пірамід.Ведеться пошук нових типів храмів та усипальницю. Першим пам'ятником нового типу став храм-усипальниця Ментухотепа I в Дейр-ель-Бахарі (XXI ст. До н. Е..) Поклав початок великим храмовим ансамблям більш пізнього часу. Підвищується увага до індивідуальних рис портретованого, що проявилося в портретах фараонів Сенусерта III (XIX ст. До н.е., Нью-Йорк, Метрополітен-музей), Аменемхета III (XIX ст. До н. Е.., Москва, ГМИИ). Розписи гробниць і храмів набувають велику самостійність.У гробниці Хнумхотепа в Бені-Хасана були створені одні з самих чудових розписів у мистецтві Середнього царства, що зображують сцени полювання.     НОВЕ ЦАРСТВО   Найбільшого поширення в період Нового царства отримав тип храму прямокутний у плані, що мав тричастинне розподіл: відкритий двір (перестилаючи), колонний зал (гипостиль), святилище. Такі храмові комплекси, присвячені богу Амону, в Карнаці і Луксорі. Найвищою точкою в своєму розвитку реалістичне образотворче мистецтво Стародавнього Єгипту досягає в період Амарни (к. XIV ст. До н. Е..). Фараон Аменхотеп IV (Ехнатон) провів соціальну і релігійну реформи, переніс столицю з Фів в Амарну. Були зруйновані старі традиції.Зміни в житті країни визначили значні перетворення в мистецтві. Твори амарнского періоду відрізняються людяністю, ліричні та проникливі. Найкраще, що було створено в цей період - скульптурні портрети Ехнатона і його дружини Нефертіті.   ПІЗНЄ ЧАС На подальший розвиток єгипетської культури позначилися численні війни, що призвели до розпаду держави. Припиняється зведення пишних усипальниць, серед пам'яток цієї епохи найбільш цікаві скульптурні портрети. Завоювання Олександра Македонського у 332 р. до н. е..поклали початок нового періоду в мистецтві Стародавнього Єгипту, в художній культурі якого переплелися традиції минулого і античності.   МИСТЕЦТВО СТАРОДАВНЬОЇ ГРЕЦІЇ   Грецькі племена населяли Балканський півострів, острова Егейського моря, західне узбережжя Малої Азії.Початок формування великої грецької культури, яка зайняла особливе місце в історії культури людства, відноситься до першої половини I тис. до н. е.. Перейшовши від первіснообщинного ладу до класового суспільства в середині I тис. до н. е..греки утворили ряд невеликих міст-держав, так званих "полісів".Дивно те, що не могутні деспотії Стародавнього Сходу, що існували тисячоліття, а порівняно бідні і невеликі міста-поліси Стародавньої Греції залишили нам спадщину, надалі назване "класичним", тобто "зразковим". "У природі є чудових сил, але сильніше людини немає," - стверджував Софокл у своїй трагедії "Антігона". Гімном людині, його моральної і фізичної краси стало мистецтво древніх греків. Людина - міра всіх речей для громадян Еллади.Твори грецького мистецтва вражають своїм реалізмом, гармонійним досконалістю, затвердженням високого морального початку, краси, сили, гідності людини. Естетичні ідеали Давньої Греції і до цього дня зрозумілі нам.Одне з центральних понять естетики античного мистецтва Стародавньої Греції - калокагатія - (від kalos - прекрасний і agathoc - хороший, добрий) - поняття означали внутрішнє і зовнішнє досконалість.Злиття етичного та естетичного ідеалів є характерна особливість уявлень грецького народу про красу. Смотром духовної і фізичної доблесті були загальгрецькі Олімпійські ігри. Людина - займає центральне місце у давньогрецькому образотворчому мистецтві.Образи юних дів, наділених неземною красою, подібних богиням, струнких, мускулистих атлетів, борців, при всій своїй ідеальності життєві та природні. Ніхто не міг досягти такої досконалості в зображенні людини, як греки. Мистецтво Стародавньої Греції тісно пов'язане з релігією та міфологією,-Богів-покровителів і богинь грецькі майстри зображували у людському вигляді, відображаючи у своєму творі найпрекрасніші і піднесені риси, які тільки могли уявити собі. Філософські погляди, література і мистецтво Стародавньої Греції справили величезний вплив на всю подальшу історію культури людства. Історія грецького мистецтва ділиться на наступні періоди: 1. Гомерівський (11-8 ст. До н. Е..) 2. Архаїка (7-6 ст. До н. Е..) 3. Класика (5-4 ст. До н. Е..) 4.Еллінізм (4-1 ст. До н. Е..)   ГОМЕРІВСЬКА ГРЕЦІЯ   XI - IX ст. до н. е.. в історії Греції вчені нерідко називають темними віками.Основні джерела інформації про життя греків-дорійців, що змінили на Балканському півострові греків-ахейців - це матеріали археологічних розкопок і епічні поеми "Іліада" і "Одісея" Гомера, який жив ймовірно, вже у VIII ст. до н. е..і тому багато подій тієї епохи, побут, реалії життя, відображені в поемах можуть бути перекручені, пропущені через призму світовідчуття людини більше, пізнього часу.На ім'я поета Гомера, що став єдиним літописцем цього часу і жив у кінці найдавнішого періоду в історії Греції і називається перший етап історичного розвитку Еллади (так стародавні греки називали свою країну). Саме в цей період складаються основи грецької міфології і народної епічної поезії. Поетична фантазія стародавнього народу населила світ казковими істотами: у річках жили річкові німфи, в лісах подорожній міг зустріти дріад, в горах - ореади, морські безодні наводнювали - нереїди і океаніди.Козлоногі сатири і кентаври (напівлюди-полукони) в уявленні давніх греків були їх сусідами на цій землі. А світом, в якому то змагаючись і ворогуючи, то мирно співіснуючи, жили люди і казкові герої, правили мудрі безсмертні боги, жили теж по сусідству - на вершині гори Олімп.Людина була подібна до бога, а боги представлялися прекраснейшими і мудрими з людей. Таке олюднення богів робило їх близькими і доступними людині, допомагало вірити у свої власні сили. Архаїки   У період архаїки з'явилися всі найважливіші тенденції, характерні для зрілого мистецтва Стародавньої Греції. У цей час складається рабовласницьке суспільство, в надрах якого з'являються перші паростки демократії. Розвиваються наука, література, філософське мислення, театр.Настає час першого розквіту грецького мистецтва. Складається грецький архітектурний ордер (система пропорційного співвідношення між несомих і несучими частинами споруди) став одним з найважливіших елементів архітектурних споруд наступних століть. Практично всі досягнення архітектури того часу як конструктивні, так і декоративні пов'язані з будівництвом храмів. Храм, присвячений богові-покровителю міста, будувався на гроші міста-поліса, і, таким чином, належав всьому суспільству.Номінально залишаючись житлом бога, він служив-земним, суспільним цілям: був сховищем міської скарбниці, художніх цінностей, які вважалися надбанням усього міста-поліса.Храм зводився на самому високому місці, зазвичай на акрополі, домінуючи над міськими будівлями, в центрі міської площі, що служила місцем громадських зборів, свят, релігійних процесій. Захоплюючись сьогодні мармурової білизною величних руїн давньогрецьких святинь, ми забуваємо, що античні майстри покривали храми кольоровими розписами.Шедеври грецького зодчества пишалися своїм поліхромним (багатобарвним) оздобленням, виблискуючи на сонці безліччю фарб: синьою, червоною, зеленою, золотий. Час знищив багатобарвний наряд стародавніх храмів, але навіть час не владний над досконалістю форм античних споруд. Епоха архаїки - час народження грецької монументальної скульптури. Статуї висікали з різних порід каменю, дерева, робили з обпаленої глини - теракоти. Найвище досягнення архаїчної скульптури - розробка образу людини в статуях богів і богинь, героїв, воїнів-куросов, дівчат-кор. Через усі архаїчне мистецтво проходить образ куроса ("курое" - в перекладі з грецького "юнак").Викрешуючи з мармуру оголену фігуру (на думку давніх греків досконалість людини можна було розкрити через цнотливу зображення здорової наготи, що прославляє природний початок) скульптор прагнув підкреслити характерні ознаки атлетично розвинутого тіла - широкі плечі, вузьку талію,міцні ноги з чітко вираженими виступами колінних чашок,нагадують могутні стовпи.Статуя, яку майстер створював на замовлення мешканців міста-поліса, мала висловити уявлення суспільства про красу мужнього і енергійну людину, здатного у важкий для міста годину захистити свою батьківщину від ворога, стихії, бути може від гніву богів. Найбільш ранні за часом статуї воїнів-куросов відрізняються різкою і грубуватою трактуванням форм, замкнутістю, статичністю і суворої фронтальність зображення. До середини VI ст. на вустах куроса з'являється посмішка, характерна для скульптурних зображень того часу,отримала назву "архаїчної".Умовна "архаїчна посмішка", очі, що живуть як би самі по собі іноді надають куросам кілька манірний неприродний вигляд.Точність і вишуканість у зображенні частин фігури у скульпторів архаїки вище, ніж у майстрів класичного періоду, проте статуї сприймаються розчленовано, позбавлені цілісності. З другої половини VI ст. до н. е..помітний інтерес до пропорцій тіла людини, відчувається прагнення до передачі реального людського образу, Одним з досягнень архаїчної скульптури стали статуї дівчат-кор в ошатному вбранні, знайдені в афінському акрополі. Вони зображували юних жриць (служительок культу) Афіни.Знайдено кілька десятків таких зображень. Стрункі фігури кор пропорційні, трохи здивована посмішка грає на ніжному обличчі. Ретельно висічені пасма волосся і складки одягу спадають в плавному ритмі. Така, наприклад, "Кора в пеплос" (близько 530 р. до н. Е.. Афіни, Музей Акрополя). Статуї кор хіба що підбивають підсумок художньому розвитку грецької архаїки, будучи найбільш досконалими творами архаїчної скульптури.   КЛАСИЧНА ГРЕЦІЯ   З перших десятиліть V ст. до н. е..культура Стародавньої Греції вступає в пору свого найвищого розквіту, пов'язаного з перемогою рабовласницької демократії.Перемога в греко-перських війнах переконливо довела перевагу суспільного устрою міст-полісів, сприяла зростанню громадянської самосвідомості, віри в сили людини-громадянина, що приймає активну участь у житті своєї держави.Рабовласницька демократія залучає до участі у громадському житті всіх вільних громадян. V-IV століття до н. е.. - Час розквіту грецького театру, для якого творили Есхіл, Софокл і Евріпід. Театр брав участь у вихованні громадян Древньої Еллади, показуючи шлях до гармонійного розвитку особистості.Мистецтво втілило в прекрасних художніх образах можливий результат цього розвитку - узагальнений образ людини-героя, відповідний поданням древніх греків про естетичному і моральному ідеалі. Створені в V-IV ст. до н. е..творіння архітекторів, скульпторів, живописців стали зразками, яким наслідували багато майстрів у наступні століття; їх вважали класичними, тобто зразковими.   РАННЯ КЛАСИКА (500-490-і рр.. До н.е..)   Найбільшого поширення в архітектурі періоду ранньої класики отримують доричні храми, що відповідали духу громадянськості, героїки суворої епохи. Сувора пропорційність, пружність, вагомість могутніх форм відрізняє храм Гери в Пестуме (початок V ст.до н. е..) Храм Зевса в Олімпії, що з'явився трохи пізніше, перевершує храм Гери своїм святковим декоративним оздобленням: його фронтони прикрашають рельєфні зображення. Храм Зевса з особливою художньою силою висловлює героїчні прагнення народу.Він створювався після визначних перемог над персами і є кращим зразком античної архітектури раннього класицизму. На жаль, храм Зевса не зберігся до наших днів, вціліли лише сильно пошкоджені скульптурні зображення фронтонів. Особливо яскраво героїчний характер мистецтва класичного періоду позначається в монументальній скульптурі - статуях богів, героїв, переможців олімпійських ігор.Ці статуї, будучи уособленням естетичного ідеалу всього народу, були власністю всієї громади міста-поліса, прикрашали храми, площі, місця громадських зібрань. Монументальна пластика робила сильний емоційний і виховний вплив на жителів міст-держав. Сюжети для своїх зображень скульптори черпали з життя і з міфології, тим більше що до того часу в Стародавній Греції вже склалася багата міфологічна традиція. Переосмислюючи старовинні перекази, художники класичної Греції намагалися знаходити теми, що хвилювали сучасників. У скульптурі Стародавньої Греції V ст. до н. е.. спостерігається тенденція до руйнування замкнутої умовності архаїчного мистецтва. Одним з кращих зразків скульптури початку V ст. до н. е.. є статуя візника, створена невідомим майстром у 470 р. до н. е.., (м. Дельфи, Археологічний музей).Скульптура виконана в бронзі. Автор дуже переконливо розкриває образ ідеального героя, в якому "воєдино злилися чеснота душі з сумірною красою тіла" (Лукіан).Фігура візника була частиною композиції, що зображувала переможця змагань і візника, який виконаний суворого спокою стояв на колісниці, запряженій квадригою (четвіркою) коней, Струнка фігура юнака своїй величній красою нагадує доричну колону,це схожість посилюється чітким ритмом спадаючих складок хітона,нагадують канелюри.Незважаючи на напруженість, відчувається природність пози візника, вигідно відрізняючи цю скульптуру від нерухомо застиглих зображень куро-сов періоду грецької архаїки. Високими художніми достоїнствами відрізняється і класичний рельєф "Народження Афродіти з піни морських хвиль біля острова Кіпр". Фігури богині і німф, що підтримують її, пропорційні, їм притаманні ясна гармонія форм і природність рухів. У середині V ст. до н. е..в Афінах працює скульптор Мирон, творчість якого характеризується пошуком типически-узагальнених образів, нових прийомів у передачі природних рухів фігури людини. Мирон одним з перших майстрів грецького мистецтва зумів передати в скульптурі відчуття руху.Найбільш відома його статуя "Дискобол" (460-450 рр.. До н.е., Рим, Національний музей), вона прославляє переможця Олімпійських ігор, виконана на честь конкретної особи, хоча і не носить портретного характеру. Статуя зображує юнака у момент, коли він всі свої сили вкладає в кидок.Зігнувшись, метальник заніс тому праву руку з диском, готовий випрямитися, передаючи всю енергію свого пружного сильного тіла метательному снаряду.У вигляді дискобола чітко проступають риси вже знайомого нам ідеального образу людини-громадянина, якому притаманні спокійне самовладання, стриманість у вияві почуттів, здатність підпорядкувати себе розумної волі. Саме такими мають бути елліни.Необхідність у вихованні людини здорового душею і тілом, прекрасного фізично і морально пояснює грецький письменник Лукіан: "Більш за все ми намагаємося,щоб громадяни були прекрасні душею і сильні тілом, бо саме такі люди добре живуть разом в мирний час і під час війни рятують державу і охороняють його свободу і щастя ".   ПІЗНЯ КЛАСИКА (кінець V - початок VI ст. До н. Е..)   Криза рабовласницької демократії, падіння полісів, трагічні конфлікти періоду пізньої класики призвели до втрати в мистецтві ідеалу вільного громадянина.Дещо спрощений погляд на явища життя, властивий Греції попередніх епох, змінили більш складні, більш глибокі уявлення про реальну дійсність, що призводить до значних змін в мистецтві. Художники розробляють проблему передачі суперечливих переживань героя.Були досягнуті перші успіхи у розкритті внутрішнього світу людини. У пластиці класики простежуються реалістичні традиції. Один з видатних скульпторів цього часу - Пракситель - створює новий ідеал жіночої краси, втіливши його в образі Афродіти Книдской (до 360 р. до н. Е..).У мистецтві Праксителя ще відчувається зв'язок з класичними ідеалами, але створені ним образи набувають більш витончений, фйлософскі-споглядальний характер. У художній культурі к. IV ст. до н. е.. зв'язку з високою класикою слабшають.Скульптори відкидають ідеалізований узагальнений образ героя-громадянина, звертаючись у своїй творчості до більш конкретного відображення дійсності. Їх творчості властиво пробудження інтересу до світу людських почуттів, думок, переживань.   Еллінізм   До кінця IV ст. до н. е.. величезна імперія Олександра Македонського розпалася на окремі елліністичні держави. Греція втрачає своє колишнє могутність. У мистецтві елліністичної Греції основні досягнення пов'язані з розробкою образу людини в монументальній скульптурі.Узагальнений образ ідеалу був витіснений більш конкретними образами, в яких підкреслювалося перебільшене героїчне начало, відчувалася втрата внутрішньої рівноваги. У свідомості людей епохи еллінізму складається складне ставлення до дійсності, яка часто виступає як сила, ворожа людині, часом не здатному протистояти ударам долі. Образи епохи еллінізму несуть у собі величезну емоційну напругу і пристрасну патетику.Такими рисами наділений один із самих чудових пам'ятників елліністичної пори - "Ніка Самофракійська" (близько 190 р. до н. Е.., Париж, Лувр). Статуя богині з паросского мармуру була споруджена на острові Самофрака (Самофракія) на згадку про перемогу над флотом сирійського царя.Весь її вигляд, струнка міцна фігура, впевнений крок, гордий сильний помах орлиних крил, створюють відчуття радісного торжества перемоги. Найбільш близька до традицій грецької класики статуя Венери Мілоської (близько 120 р. до н. Е.., Париж, JI Лувр).Її авторство приписується скульпторові Олександру (Агесандру). Вона породжує відчуття гармонії, це ідеал моральної чистоти і фізичної краси того часу.   Древній РИМ   З згасанням елліністичних держав з кінця I ст. до н. е..провідне значення в античній культурі набуває римське мистецтво. Історія Стародавнього Риму охоплює період з VIII ст. до н. е.. по V ст. н. е.. Багату культурну спадщину, залишене римлянами людству, зіграло значну роль у розвитку культури наступних поколінь. В основі художньої культури Стародавнього Риму лежить точність, реалістичний підхід, відсутність прагнення ідеалізувати дійсність, властивого мистецтву Стародавніх Греков. Мистецтво Стародавнього Риму живилося від декількох джерел, цим пояснюється різноманітність його форм.Безсумнівно вплив художніх традицій завойованих народів, місцевих італійських племен і в першу чергу, етрусків.   РИМСЬКА РЕСПУБЛІКА (кінець VI - кінець I ст. До н. Е..)   До кінця VI ст до н. е.. Рим стає аристократичної рабовласницької республікою. У республіканський період склалися основні типи римської архітектури. Конструктивне рішення монументальних інженерних споруд відповідало суворої прози життя в умовах постійних воєн. У Римі ще в VIII ст. до н. е.. зводяться грандіозні фортечні системи.Створюються складні інженерні споруди: акведуки (система подачі води на відстань), мости, гавані. Кращим у художній спадщині римської пластики був портрет.У портретному жанрі найкраще виявляються властива римському художнику гостра спостережливість, уміння віртуозно підкреслити індивідуальні риси портретованого, що різко відрізняє роботи римських скульпторів від грецьких портретів,в яких образ конкретної людини проступає через узагальнені риси ідеалу. Римським портретів республіканського періоду при скрупульозної точності відтворення індивідуальних рис людини, властиві деяка спрощеність форм, незграбність ліній.   РИМСЬКА ІМПЕРІЯ (кінець I ст. До н. Е.. - V ст. Н.е.)   У кінці I ст. до н. е.. римська аристократична республіка припинила своє існування, на зміну їй прийшов час імперії. Перед мистецтвом Риму постало завдання прославлення імператора і його влади. Деякий відступ від реалістичних традицій властиво скульптурі того часу: зображуючи імператора, художник, намагався зберегти портретну схожість, при цьому свідомо ідеалізуючи образ. Зразками для наслідування виступали грецькі статуї періоду класицизму.Особливо відчутно вплив грецького класичного мистецтва на римський портрет позначається в I ст. до н. е.. - I ст. н. е.. Мармурова статуя Октавіана Августа (початок I ст. Н. Е.. Рим, Ватикан),славила імператора і полководця - один з яскравих прикладів такого ідеалізованого портрета. До III ст.н. е.. римський портрет звільняється від традиційних ідеалів, відчутно прагнення до оголення самих інтими сторін особистості портретованого. Створюються образи людей тієї епохи, енергійних, цілеспрямованих, жорстоких і нещадних у боротьбі за владу.Такий, наприклад, портрет імператора Каракалли (близько 211-219 рр.., Неаполь, Національний музей). Каракалла виступає як типове втілення похмурого тирана, властолюбного і жорстоку людину, наділеного надзвичайної енергією, повного грубої сили.Образ відповідає періоду жорстокої боротьби за владу, що захлеснула римське суспільство. Ідея величі Риму, його обраності, знайшла своє відображення насамперед у грандіозних пам'ятках архітектури. Імператори змагалися один з одним, зводячи громадські будівлі, театри, адміністративні будівлі. Римське мистецтво завершує великий період античної художньої культури. У 4 - 7 ст.Рим спорожнів, розгромлений варварами, римська цивілізація припинила своє існування, але художні образи, архітектурні форми, створені римськими майстрами, ще довгі століття надихали художників, скульпторів і архітекторів наступних поколінь.Великий інженерний досвід римлян - був тим досвідом, який засвоїло людство щоб рухатися далі по шляху прогресу.   МИСТЕЦТВО СЕРЕДНІХ ВІКІВ   Тисячолітній період світової історії з V по XV століття прийнято називати "середніми століттями". Тимчасові рамки, що обмежують цю епоху умовні.Деякі вчені, історики і філософи, мистецтвознавці та філологи, вважають, що годинниковий механізм середньовіччя почав свою неквапливу роботу на рік падіння Західної Римської імперії (476), а зупинився в рік відкриття Америки, Христофором Колумбом (1492 р).Інші починають відлік епохи середньовіччя в 395 році, коли Рим розколовся на Західну і Східну імперії. Багато мистецтвознавці обмежують верхню рамку "середньовічного мистецтва" XIII століттям. У будь-якому разі, не можна сказати: "Середньовіччя почалося о 12.00 пополудні 5 січня 395 року".Важливо знати, що це тривалий період історії людства, довжиною в ціле тисячоліття. Європейське середньовічне мистецтво прийшло на зміну мистецтву античному.Спадщина античного світу: мистецтво, філософські погляди, основи права, політичні погляди, політичні ідеї, - стали одним з фундаментів на яких виросла європейська культура средевековья. Передумови для переходу до нового середньовічному світовідчуттям, до нової системи художніх поглядів виникають ще в епоху пізньої античності. У складні десятиліття, що передували падіння Римської імперії, світ втрачає в уявленні людей колишню гармонію.Загальна депресія, неможливість знайти вихід з тяжкого становища, в якому опинився Рим стали причиною зростання релігійних настроїв, пошуку релігії, здатної дати відповіді на важливі життєві питання.У такій обстановці зародилося християнство, - релігія, що дала надію багатьом, що бажали знайти спокій і рівновагу в житті, релігія, яка за словами Енгельса "... підпорядкувала собі Римську імперію...".Релігійні догмати християнства накладають печатку на філософію, літературу, мистецтво, етичні та естетичні ідеали середньовічного суспільства.Церква - прагнучи бути "загальної", зверталася до всього народу, до всієї громади зверталися і твори середньовічного мистецтва, основним замовником яких була церква. Середньовічне світовідчуття передбачає інший погляд на людину, який суттєво відрізняється від античних уявлень.Людина у свідомості людей перестає бути центром світобудови, мірою всіх речей. Він стає лише щонайменшої часткою всесвіту, підвладної її космічної енергії, її могутнім невідомим силам. Образ людини в мистецтві втрачає розумну ясність, одноплановості, внутрішню рівновагу античних ідеальних героїв, стає більш різноманітним, глибоким, суперечливим. Розширюється сфера явищ, які відображаються в мистецтві.Отримують широкий розвиток теми страждань в ім'я віри, стоїчного мужності, розробляється ідеал материнства. Виявивши в світі зло і потворність, середньовічні художники розвивають у своєму мистецтві проблему характерного, потворного.   ВІЗАНТІЇ   У центрі уваги художника, як і в античності, знаходиться людина, втілений в образах християнського бога і персонажів Священного писання. Естетичним ідеалом Візантії стає Бог - джерело краси, душевної рівноваги, що перевершує все прекрасне. Залишаючись в центрі уваги художників Візантії, образ людини набуває нового змісту.На зміну мистецтву, обоготворявшей людини, спонукають схилятися перед фізичної і моральної красою ідеалу, прийшло мистецтво, що прагне підняти насамперед почуття, моральні якості і духовну силу людини, що зумовило появу деякої умовності,зосередженої нерухомості зображення. Візантійське мистецтво сягає свого першого розквіту за імператора Юстиніана I (527 - 565 рр..). Головним художнім центром Візантійської імперії стає її столиця - Константинополь. Сюди протікають кращі наукові та мистецькі сили, тут розробляються нові форми мистецтва. Конфлікт між іконоборцями, відкидали можливість зображення Бога у вигляді людини і иконопочитателями, що тривало з 726 по 843 рр.., Привів до деякого спаду в розвитку живопису, але з перемогою офіційної церкви, що виступала на боці іконошанувальників, сюжетна образотворча живопис відроджується. У IX - Х ст.розпису уже заповнюють всі поверхні інтер'єру храму: у куполі зображувався Христос-Вседержитель (Пактократор), у чотирьох вітрилах - євангелісти, в апсиді - Богоматір і так далі. Майстерність художників вдосконалюється, ускладнюється відтворений образ. У другій половині XI - XII ст.стверджується класичний урочистий візантійський стиль, для якого властиві зображення фронтально сидять фігур зі строгими аскетичними особами на золотому фоні. Матеріальність створеного образу відступає на другий план, в центрі уваги митця - розробка духовної глибини образу. У ХII-ХIV ст. при Палеологах, візантійське мистецтво переживає свій останній розквіт. У розвитку архітектури не відбувається істотних змін. Втілене в архітектурі попередніх століть середньовічне уявлення про світобудову не змінюється. Лінійний стиль у розписі поступається місцем мальовничому, колористично багатому. Умовність, відірваність зображення від просторового середовища зникають. Фігури, розглянуті з декількох точок, зображені в русі, у взаємодії з середовищем і обстановкою.Виразні жести, людські почуття, закарбовані на обличчях надають зображенням життєвість. Такі, наприклад, мозаїки і фрески монастиря Хору (Константинополь, 1312 - 20 рр..)   РОМАНСЬКЕ МИСТЕЦТВО   Термін "Романський стиль", що виник у XIX ст.застосовується до західноєвропейського мистецтва X-XII ст. (У ряді країн - XIII ст.).. Широке поширення в романському мистецтві отримала монументальна скульптура (особливо рельєф), яка часто розписувалася фарбами.Романська пластику підпорядковується архітектурі, використовується в основному в зовнішньому оформленні соборів.Рельєфні зображення на сюжети "Священного писання" розміщувалися на західному фасаді, в бубнах, на стовпах і колонах, вони підкорялися формі елементів споруди: на колонах пропорції зображення витягнуті, подовжені, в фризах набували приземкуваті форми. Центральний образ романської скульптури - Христос. Розробляються теми добра і зла, втілені в образах раю і пекла; піднесеному протиставляється нице, трагічному - комічно-гротескне. Наприклад, у тимпані собору Святого Лазаря в Отене (1130-1140 рр..) В сцені "Страшного суду" грізному і величному образу Ісуса Христа протиставлений майже комедійний сюжет: ангел і диявол, зображений одночасно страшним і смішним, зважують добрі і злі справи померлих. Поступово в храмову скульптуру проникають образи селян, простих городян, комедіантів з їх повсякденними справами і турботами, з'являються герої фольклору, породжені народної фантазією: химери, демони в напівлюдських полузверином подобі.Романські скульптори, розробляючи проблему потворного, тяжіли до фантастичних, жахливим образам.   Готичне мистецтво   Готика - наступна сходинка в розвитку середньовічного мистецтва. Сучасники називали новий стиль, що з'явився в XII ст. у Франції "французької манерою".В епоху Відродження з'явилася назва "готика". Готичне мистецтво вражає різноманітністю форм, єдністю і цілісністю у всіх своїх проявах. Як і вся середньовічна художня культура мистецтво готики глибоко релігійно, але воно тяжіє до життя, природи, людини.Майстрів нового стилю цікавить конкретна людина з її почуттями, краса природи. Висока одухотвореність образів готики, властива їм дивовижна гармонія підготували прихід мистецтва Відродження. У синтезі скульптури і архітектури цього часу спостерігається посилення ролі скульптури, піднімається її самостійне значення. Триває розпочате романськими майстрами виділення образу людини в загальному декоративному оздобленні.Статуї, зазвичай мали найтісніший зв'язок із стіною, опорою часто поміщаються в нішах на окремих постаментах. Більш динамічний характер фігурам надають легкі повороти торсів, живі пози і жести. Розквіт готичної скульптури припадає на XII-XIII ст.Вищі досягнення скульптури готики пов'язані з соборами в Шартре, Ам'єні, Реймсі (у Франції).   МИСТЕЦТВО ЕПОХИ ВІДРОДЖЕННЯ   Епоха Відродження - одна з самих вражаючих сторінок в історії світового мистецтва. Вона охоплює близько трьох століть (XIV - XVI ст.).У порівнянні з епохами Стародавнього світу (близько 5000 тисяч років), середньовіччя (близько 1000 років), Відродження представляється дуже коротким періодом часу.Проте за кількістю геніальних творів мистецтва, новизні і сміливості пошуків майстрів тієї епохи художня спадщина Відродження не поступається попереднім етапам розвитку світового мистецтва. Батьківщиною Відродження стала Італія.Вже в XIV столітті в творах великого італійського поета-гуманіста Франческо Петрарки (1304-1374) з'явилося поняття Рінашіменто - Відродження (по-французьки "Ренесанс"). У цей час були закладені основи сучасної науки, високого рівня досягає література, що отримала з винаходом книгодрукування німцем Іоганн Гутенберг колись небачені можливості поширення.У цей час роблять свої відкриття Христофор Колумб, Копернік, пишуть свої безсмертні твори великі італійці Данте, Петрарка, французи Франсуа Рабле, автор роману "Гаргантюа і Пантагрюель", Мішель Монтень, творець знаменитих "Дослідів".Трагедії Шекспіра, "Дон Кіхот" Сервантеса вражають глибиною проникнення в психологію людини, знанням його пристрастей і прагнень,були написані в епоху Відродження. Світоглядною основою ренессанской культури стає філософський напрямок гуманізму (від латинського "гуманус" - чоловік).Людина знову стає "мірою всіх речей". Девізом мистецтва епохи Відродження можна було б узяти слова, вкладені італійським гуманістом XV ст. графом Піко делла Мірандола у його панегірику, в уста Бога-творця, звертався до людини: "Я ставлю тебе в центр світу..." На відміну від романської і готичної культури середньовічна культура Відродження носила світський характер, хоча основне коло сюжетів залишався пов'язується з міфологічною та біблійної тематикою.Епоха Ренесансу протиставила церковним догматам світосприйняття гуманістів, які стверджували цінність людської особистості. Однією з основ мистецтва Відродження стає по-новому зрозуміле спадщина античності. Ідеали гуманізму знайшли своє відображення і в архітектурі: споруди набувають ясний гармонійний вигляд, їх пропорції і масштаби співвідносяться з людиною. Справжнім основоположником в образотворчому мистецтві Високого Відродження був геніальний флорентієць Леонардо да Вінчі (1452-1519) Рукописи Леонардо свідчать, що він був не тільки великим живописцем і скульптором, але й архітектором, механіком, інженером, ботаніком, анатомом. Будучи різнобічно обдарованим людиною Леонардо да Вінчі цікавився всім, що його оточувало, записуючи свої враження в блокнот, який завжди носив при собі. "Віддаючи згасає жадобі знань, я мрію осягнути походження численних створінь природи", - говорив він про себе.Все своє життя художник розглядає світ з усім різноманіттям його форм, як творіння природи, має свій "власний розум", закликаючи живописців бути посередниками між природою і мистецтвом.   МИСТЕЦТВО XVII СТОЛІТТЯ   Слідом за приблизно трьохсотрічним періодом епохи Відродження настає XVII століття, що став одним з найбільш значних етапів у розвитку світової художньої культури.Караваджо, Берніні, Веласкес, Рібера, Сурбаран, Рембрандт, Рубенс, Хальс, Рейсдаль, Мольєр, Декарт, Спіноза - такий далеко не повний перелік великих імен, які дав людству XVII століття. Для образотворчого мистецтва цього часу в цілому характерне розширення тематики, поглиблення у внутрішній світ людини, збагачення старих жанрів і поява нових. XVII ст. не був мирним для Європи, але після трагічних подій кінця XVI ст.настає порівняльне затишшя, відбувається певна стабілізація економічної, політичної і культурного життя. У світогляді людей відбувається перехід від безмежної віри в людину, у його силу, енергію, розум через розчарування і розпач, виразно помітне в мистецтві кінця XVI ст., До нового розуміння світу і людини, як частинки нескінченно різноманітного світобудови. Людина розглядається в складному співвідношенні з дійсністю, як частина природи і суспільства, залишаючись центральною фігурою, що привертає увагу художника, письменника, філософа. У мистецтві XVII ст.виділяють три основних стильових напрями: бароко, класицизм, реалізм. Часто раціональне начало властиве класицизму, і мінливі динамічні форми бароко переплітаються в творчості майстрів того часу, а риси реалізму існують як би всередині двох основних стилів. Рух, що став для мистецтва бароко втіленням самої стихії життя, Берніні відтворює у своїх творах з великою сміливістю. У русі показаний "Давид" (1623, Рим, галерея Боргезе), зображений в момент смертельної сутички, готовий метнути камінь у свого ворога.Обличчя героя повно гніву, погляд лють, губи стиснуті. "Давид" Берніні різко відрізняється від ренесансних втілень цього образу. Тіло юного героя відтворено з небувалою точністю, почуття, відображені на його обличчі, наближаються до реальних.Розвиток реалістичної традиції в скульптурі Берніні показує характер людини в конкретних проявах: його персонажі розмовляють, діють, страждають.У творах великого скульптора відчувається, властива стилю бароко, спрямованість до глядача, прагнення залучити стороннього спостерігача в дію, змусити його співпереживати.     МИСТЕЦТВО XVIII СТОЛІТТЯ   XVIII століття у Західній Європі став останнім етапом тривалого переходу від феодалізму до капіталізму. Протягом цього століття тривала грандіозна ломка усіх, що існували раніше громадських і державних устоїв.У XVIII столітті з'являється переодическая друк, створюються політичні партії, ведеться боротьба за звільнення людини від пут феодально-релігійного світовідчуття. Мистецтво, сфера якого значно розширилася, стає загальнонаціональним, звертається не тільки до вузького кола поціновувачів, але і до широкої демократичної середовищі. XVIII століття - це епоха Просвітництва, вік розуму та іронії, вік філософів, поетів, соціологів та економістів.Це час, коли жили і творили Бах, Моцарт, Гендель, Гайдн, Мольєр, Свіфт, Хогарт, Шарден. Гостра спостережливість, витончена манера відтворення дійсності відрізняють художню культуру XVIII століття. Мистецтву XVIII ст.в порівнянні із суміжними епохами властиво більше стильову єдність.Ні того розмаїття стильових напрямів, яке спостерігалося в попереднє століття, коли поруч з класицизмом Пуссена існувало творчість послідовників Рубенса, а барочні картини італійських художників уживалися поряд з голландськими жанровими творами.Невластива XVIII століття і швидка зміна стилів, характерна для XIX століття, що є свідком еволюції стилів від класицизму до постімпресіонізму. У мистецтві XVIII століття амплітуда коливань значно вже: на зміну зрілим формам стилю бароко приходить класицизм. Головною причиною стилістичної єдності стала спільність доль європейських держав, що пережили на межі XVII-XVIII ст. криза абсолютистських систем. Одночасно з класицизмом, і під його впливом продовжує розвиватися реалістичний напрямок у мистецтві, спостерігається прагнення піти від "піднесеного", надуманого до "простого", природному, відповідним людині."Сумірність" характеризує світогляд всієї епохи Розуму і Просвітництва. Алегорично - надуманою ідеальності протиставлена особистість з її правами і достоїнствами, думками і почуттями, приватне життя людини. Йде процес витіснення релігійних начал культури світськими, - процес "обмирщения" культури. Світське зодчество вперше переважає над культовим у масштабі всієї Європи.Навіть у тих країнах, де церква була все ще дуже сильною - Італії, Іспанії, Австрії, Німеччини - очевидно "обмірщеніе" релігійного живопису, скульптури та архітектури. Парадний портрет бароковий, з його боротьбою світла і тіні, руху і спокою, поступається місцем портрета інтимному з його обережним, але глибоким інтересом до приватного життя людини. Пейзажний живопис породжує "пейзаж настрою". Змінюється ставлення до кольорах картини.Декоративно-салонний стиль рококо вимагає від живописних творів не тільки зацікавити глядача, а й прикрасити приміщення, не вибиваючись із його основної колірної гами.   Характерний для живопису бароко світло-тіньової конфлікт, що втілює протиріччя між духовним і матеріальним началами в житті були не властиві художникам XVIII ст. Делікатні пастельні півтони, світла холодна тональність змінили насичену палітру попереднього століття.Проте будь-яке правило має виключення. Часто живописці XVIII століття використовують яскраві фарби, прагнучи іноді навіть до строкатості.   МИСТЕЦТВО XIX СТОЛІТТЯ   Протягом XIX століття капіталізм стає панівною формацією в Європі. Всі значніше суперечності капіталістичної епохи. Діячі культури XIX століття ставлять у своїй творчості складні питання сучасності, намагаються знайти на них відповіді. Розвивається реалістичне мистецтво, яке стверджує естетичні цінності дійсності. Реалістичні тенденції простежуються в літературі та образотворчому мистецтві.Різні галузі культури розвиваються нерівномірно. Найвищого розквіту досягла література (Гюго, Бальзак, Стендаль), музика (Бетховен, Шопен, Вагнер, Гріг, Штраус), станковий живопис (особливо пейзаж), графіка, скульптура. Однак в архітектурі відчувається спад.Після підйому, обумовленого появою стилю ампір, в архітектурі спостерігається тяжіння до стилізації, еклектичним формам. Архітектори звертаються до архітектурних зразків попередніх епох, ломлячи у своїй творчості елементи різних стилів і течій.Відбувається розпад стильової єдності, як цілісної художньої системи, що охоплює всі види мистецтва.   ВИСНОВОК   У XXІ столітті, столітті потрясінь, світових воєн і тоталітаризму, мистецтво переживало глибоку кризу. Спроби забити неугодних творців, очорнити і знищити пам'ятники мистецтва, що кидають тінь або просто неугодні владі часом нагадували вакханалії.Але, тим не менше, самі деспоти ставали жертвами мистецтва. У Гітлера, наприклад, були свої улюблені композитори і художники. До середини XX століття обстановка світі змінилася, змінилося і світогляд внаслідок різкого стрибка вперед технічного прогресу.З'явилися нові форми мистецтв, залишки старовини звернулися ж у безцінні реліквії. Таким чином, вся історія людства відображена у творах мистецтва. На мистецтво впливали державний лад, проблеми епохи, мистецтво було офіційною особою націй та імперій.Всі грані життя від потворного до прекрасного відображає мистецтво у своєму неупередженому дзеркалі, надаючи сильний емоційний вплив на людину. Адже і людина різноманітний і багатоликий. Сьогодні він вандал, завтра він Рафаель, післязавтра... Не знаю, майбутнє покаже.    

Дата добавления: 2014-01-04