Искусство XX века

Темы рефератов

• Модерн в русской архитектуре.

• В. Васнецов — художник русской сказки.

• К.Коровин — русский импрессионист.

• Портретная живопись В.Серова.

• Образ Демона в творчестве М.Врубеля.

• Символизм В. Борисова-Мусатова.

• Художники русского театра XIX в.

• Творческое объединение художников «Мир искусства».

• Символизм в творчестве художников «Голубой розы».

• Проблемы синтеза искусств в русском модерне.

ЛИТЕРАТУРА

Алленов Л/. Л/. Русское искусство X — начала XX века. Архитектура. Скульптура. Живопись. Графика / М.М.Алленов, О. С. Евангулова, Л. И.Лифшиц. — М., 1989.

Борисова Е.А. Русский модерн / Е. А. Борисова, Г. Ю. Стернин. — М., 1994.

История русского искусства / под ред. В. В. Ванслова, А.К.Лебедева и др. — М., 1991.

Неклюдова М. Г. Традиции и новаторство в русском искусстве конца XIX —начала XX века / М.Г.Неклюдова. — М., 1991.

Рапацкая Л. А. Искусство «серебряного века» / Л.А. Рапацкая. — М., 1996.

Русская живопись: энциклопедия / ред. Г. П. Конечна. - М., 2003.

Русские художники: энциклопедический словарь / Т. Б. Вилинбахова, Ю.Я. Герчук, С. М.Даниэль и др. — СПб., 1998.

Сарабьянов Д. В. ИсториЧасть 7

Искусство XX в. создает новый язык, чтобы передать мироощущение человека в эпоху революций и мировых войн и указать путь к решению ее глобальных проблем (социальная напряженность, экологические катастрофы и космические открытия и др.). Политика активно вторгается в искусство XX в. Столкновения между демократией, фашизмом и коммунизмом захватывают живопись, графику и скульптуру. Бунт и надежда, критика и пропаганда находят у художников новые формы. Тоталитарные режимы способствуют развитию только того искусства, которое может служить их прославлению. Социалистический реализм представляет собой героическую версию академизма, воспевающую вождей и иллюстрирующую политические лозунги. В течение века искусство обретает в ожесточенной социально-политической борьбе разрушительную силу, многие ценности пересматриваются. Каждый художник может творить, как ему хочется, традиции более не берутся в расчет — в искусстве отныне все возможно.

Искусство XX в. характеризуется тем, что происходит распад художественной культуры на множество самостоятельных направлений и школ. Личности, идеологии, теории, эксперименты, как в калейдоскопе, сменяют друг друга. В начале века на роль обобщающего направления претендовал стиль модерн, позднее — экспрессионизм, но объединения разнородного художественного процесса ни представителям модерна, ни экспрессионистам достичь не удалось. И все же в культуре XX в. есть некоторые фундаментальные свойства, придающие ей единство. Они угадываются не на уровне бесконечно разнообразных выразительных средств и художественных языков, а в плане самых общих особенностей картины мира, резко изменившейся под влиянием техногенной цивилизации.

Поиски новых средств художественной выразительности, проявившиеся, в частности, в нетрадиционном использовании художественных материалов, во взаимодействии художественных и технических средств; эксперименты с формой, цветом и композицией, а также тяготение к синтезу искусств и полистилистике (смешение видов, жанров и стилей искусства) во многом обусловлены научными открытиями XX в., изменившими представления о материи и Вселенной.

Так, утверждение физиков о том, что мы видим предметы благодаря отраженному от них свету, было буквально воспринято создателем лучизма, художником русского авангарда М.Ларионовым. Он изображал формы, созданные пересечением лучей, идущих от различных предметов («Свет улицы»). В первых «лучистых» полотнах еще едва различимы природные мотивы («Осень желтая», «Петух», «Лучистый пейзаж»). В дальнейшем художник перешел к беспредметной живописи. Научно-технический прогресс стимулирует искусство, которое завоевывает фотографию, видео- и телекартинку, компьютерную графику, Интернет. По-новому эксплуатируется искусство в музеях и галереях: фотомонтаж, арт-видео, видеоинсталяиия, фотореализм, концептуальные композиции. Новые идеи мгновенно распространяются по всей планете благодаря эффективности средств массовой информации.

Мир быстро изменяется, и искусство хочет не только следовать за его движением, но и опережать его. Так, в 1950-х годах поп-арт питается прессой, мультфильмами, рекламой, телевидением, кино, чтобы создать популярный, понятный каждому, но не лишенный иронии язык. Гиперреализм (фотореализм) идет за ним следом. В 1970-е годы появляются такие виды искусства, как перформанс — театрализованное действо, боди-арт — роспись тела, восходящая к ритуальным церемониям, ленд-арт — искусственное вторжение в пейзаж. Искусство сегодня обладает ярко выраженной концептуальностью, дает пищу взгляду и мысли.

Искусство XX в. рассчитано на сотворчество, активное взаимодействие со зрителем. Если в предшествующие века музейная табличка «Руками не трогать!» была символом отношений между посетителем и произведением, то современное искусство, особенно его авангардные формы конца XX в., вовлекают зрителя непосредственно в творческий процесс. Например, зрителю предлагается что-либо напечатать с помощью трафарета, наклеить, разбрызгать краску, а художник из этого тут же создает коллаж.

Еще одной характерной чертой искусства XX в. является то, что художники по-своему используют достижения культуры прошедших столетий. Большинство из них пытаются найти вдохновение в первобытном искусстве или в новой интерпретации классических традиций. Так, П.Пикассо создал более полусотни произведений на основе «Менин» Веласкеса и множество интерпретаций полотен других великих мастеров прошлого. Р. Магритт на картине «Реди-мейд букет» соединил Флору с картины Боттичелли«Весна» со своим излюбленным героем в черной шляпе. Примеров такого рода, когда мастер вступает в диалог с гениями прошлого, в культуре XX в. немало. В произведениях самого последнего времени вновь возродились элементы эллинистического искусства и присущий абстракционизму отвлеченный, геометрический подход к изображению. Без знания искусства предшествующих веков нельзя по-настоящему творить и понимать совре­менное искусство. Казалось бы, ослабление роли предметности в творчестве многих художников XX в. должно было привести к упадку искусства, но в действительности это привело к интересным поискам новой выразительности. Однако расцвет абстрактной живописи, которая предпочитает придумывать свой собственный мир, не мешает развитию постоянно обновляющейся реалистической живописи. Особенно богатой теоретическими и практическими новациями была деятельность авангардистов как на Западе, так и в России в первые десятилетия XX в. Эстетика авангардизма (от фр. — передовой и — отряд) — направления, определяющего экспериментальные, новаторские начинания в искусстве, — как правило, строится на основе резкого неприятия прошлого, подчеркнутого опережения времени в творчестве, стремления создать искусство будущего.

В начале XX в. роль авангарда выполняли сформировавшиеся тогда направления — фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. В период между двумя мировыми войнами (1920 — 1930-е) пальма первенства переходит к сюрреализму. В 1960 — 1970-е годы возникают акционизм, поп-арт, концептуальное искусство ( иногда все эти явления объединяются термином «неоавангард»). Анализируя авангардизм, было бы правильнее говорить об авангардистском творчестве, так как понятие «искусство» относится к авангарду весьма условно. При всем разнообразии творческих программ авангардистских направлений и течений в них можно выделить общие черты. По отношению к обществу и традиционной «консервативной» культуре художники авангарда занимали нонконформистскую позицию. С этим связаны отказ от классических норм изобразительности, красоты, преимущественная ориентация на формальную новизну либо на примитив.

Авангардистам присущи стремление уловить и осмыслить глубинные законы человеческой психики и мышления, изначальные принципы устройства мира и нашего отношения к нему и смелые эксперименты с самим художественным языком. В авангардистском творчестве изображение подвергается деформациям, аналитическому расчленению, различным игровым преобразованиям, вплоть до его вытеснения формальными построениями в абстракционизме. Некоторые искусствоведы называют авангардистские явления модернизмом, что вполне справедливо. Модернизм включает все новейшие направления и течения, школы и деятельность отдельных мастеров искусства конца XIX —XX в., порывающих с реалистической традицией и считающих эксперимент основой творческого метода. Противоречия модернизма необходимо рассматривать в исторической динамике.

Возникновение авангардизма было закономерно. Он формировался уже в рамках стиля модерн, беря от него все самое необычное и передовое. История авангарда сложна и противоречива. Многообразие школ, групп, направлений и течений, складывающихся в художественных столицах мира, ошеломляет фантастическими красками, гротескными образами и формами. Каждая авангардистская группировка имеет свою концептуальную основу, программу или манифест и очень часто сопровождается яростными спорами и скандалами. Это становится неким атрибутом авангарда в целом. В искусстве авангарда течения и направления тесно переплетены, одни быстро сменяются другими, создавая довольно пеструю картину, но часто они существуют параллельно, а миф об их борьбе оказывается несколько преувеличенным.

Авангардисты стремятся сотворить новую художественную реальность. Например, вытесняя традиционные материалы и средства изобразительного искусства, они создают работы из чего угодно и как угодно. Допустимо ли объявить произведением искусства груду мусора, мост, завернутый в холст, отпечаток человеческого тела в гипсе (на выставках авангарда встречаются подобные примеры)? Давайте разберемся.

На протяжении тысячелетий основным критерием оценки истинности произведения служило наиболее точное отражение реальности, а сегодня мы любуемся абстрактными композициями, которые кодируют реальность с помощью условных знаков и символов. Значительные произведения модернизма демонстрируют связь «новейших кодов» с пластическими достижениями мировой художественной культуры. Стремительное изменение пластического языка в искусстве XX в. не столько дерзкий эксперимент, сколько исторически обусловленная, во многом защитная реакция на агрессию современного мира.

Первое впечатление при встрече с объектом авангардистского творчества — «все не так». Если художник обычно находится рядом со своим произведением, то теперь он может творить внутри него — так создаются арт-объекты и инсталляции, в которые необходимо войти, чтобы их рассмотреть. Если обычно художники рисовали обнаженное женское тело, теперь пробуют рисовать обнаженным женским телом, измазав его краской и затем прикладывая к холсту. Раньше форму и положение в пространстве законченного произведения не изменяли, теперь же его замысел порой можно оценить, только если что-либо покрутить, передвинуть, преобразовать.

Как уже говорилось, авангард, особенно такие его формы, как инсталляция, кинетическая скульптура, арт-объекты, произведения концептуального искусства, предполагает сотворчество, взаимодействие со зрителем. Например, если сказать какую-нибудь фразу в микрофон, причем все равно на каком языке, надувная скульптура А.Бикше «Похищение Евразии» (2001) приходит в движение. Под микрофоном висит табличка: «Поговори со мной, душечка, и все изменится!» И действительно, реагируя на голос, огромный бык вырастает до потолка и на его спине появляется фигура женщины, а затем сдувается. Это произведение — современное прочтение древнего мифа о похищении Европы Зевсом, принявшим обличье быка.

Еще один пример новой интерпретации старых образцов — композиция А.Бреже «Фонтан дружбы. ВДНХ». Она представляет собой хоровод белых рубашек, подвешенных в воздухе и с помощью специального механизма произвольно машущих рукавами. Автор пытается вызвать ассоциацию со знаменитым фонтаном «Дружба народов» на ВВЦ (бывшая ВДНХ) — грандиозной композицией из пятнадцати позолоченных скульптур девушек, расставленных по кругу в национальных костюмах республик Советского Союза. Этот фонтан, расположенный в самом центре территории ВВЦ, был своеобразным символом достижений эпохи социализма.

Формула «Если так еще никогда не делалось, то это необходимо сделать» определила возникновение многих произведений авангардизма. При этом он не допускает оценивания произведения по качеству исполнения, а предлагает оценивать его по другим критериям. Как же отличить «хорошее» произведение от «плохого», если не ставится вопрос о том, хорошо или плохо оно сделано? Где грань, за которой появляется собственно произведение? Ведь ясно, что разбрызгать краску или нарисовать черный квадрат может любой. Возглас: «И я так могу!» — постоянно звучит как упрек творцам авангарда. Отсутствие четких критериев оценки творения художника делает авангард открытым для всех.

Как же оценивать авангардистское произведение? Прежде всего, необходимо оценить качество идей, предлагаемых для реализации. Если идея перспективна для развития авангардизма, она качественна и эксплуатируется достаточно долго многими художниками. При оценке живописной, графической или скульптурной работы, как правило, обращают внимание на композицию, цветовое решение, технические приемы. Не точная передача сюжета, не копирование реальной жизни, не степень сходства с образцом, а эстетическое переживание линий, форм и цветов самих по себе в ряде случаев образует смысл произведения.

Порой определить масштаб творческой деятельности мастера помогает степень ее универсальности, т.е. продуктивной работы в разных сферах искусства. Многие выдающиеся мастера XX в., подобно гениям эпохи Возрождения, прекрасно владеют техникой живописи, графики, скульптуры, занимаются витражами, мозаиками, монументальной декоративной росписью, ювелирным искусством и др. (А. Матисс, П.Пикассо, С.Дали, Ж. Миро и др.).

Шкалу значимости произведения искусства можно представить от низкого уровня к высокому следующим образом: работа художника несет в себе конкретные новации, которые становятся объектом подражания и подчас получают широкое распространение (цитирование); произведение являет собой предмет национальной значимости, но при этом на мировую художественную культуру влияния не оказывает; явление искусства признается настолько значимым, что входит в круг мировых достижений национальных культур.

Проявляя большую гибкость и мобильность в понимании того, что может считаться искусством, художники расширяют свое поле деятельности. Они могут сопоставить Мону Лизу и Микки Мауса, тончайшую живопись и механическое разбрызгивание краски, китч и подлинное искусство.

Китч (от нем. — букв, халтура, дурной вкус) — псевдохудожественные изделия, отвечающие низкимвкусовым стандартам и неразвитым эстетическим запросам. Для китча характерны эклектизм, сентиментальность, выспренняя патетика, крикливость цвета, избыточность декора, подделки под разные материалы. Проявления китча возможны во всех видах пластических искусств, но чаще всего они встречаются в массовом художественном производстве, индустрии сувениров и дешевой бижутерии, в массовой печатной графике, некоторых видах художественных промыслов.

По мере исчезновения изобразительного начала произведение все более приравнивают к другим объектам внешнего мира. Тенденция размывания границ между искусством и реальностью особенно отчетливо видна в таких типичных для авангардизма формах, как коллаж и реди-мейд. В них осуществляется тесная взаимосвязь произведения искусства с материальной средой, окружающей человека, бытовые предметы выставляются как скульптурные произведения. Много подобных примеров — в творчестве М.Дюшана (1887—1968), крупнейшего мастера дадаизма («Сушилка для бутылок», «Велосипедное колесо на табурете»).

Дадаизм (от фр.— детская игрушечная лошадка) — течение, сформировавшееся в самом начале XX в. В многочисленных манифестах дадаисты опровергали предшествующую художественную традицию и провозглашали все окружающие предметы искусством, тем самым доказывая, что искусства вообще нет: оно умерло. Дадаизм мечтал вытеснить искусство из сферы культуры и занять его место. Дадаисты применяли в своем творчестве намеренно абсурдные решения, смешивали всевозможные стили и создавали «объекты» из обыденных вещей. Эти реди-мейд заменяли традиционные картины и скульптуры.

Реди-мейд (от англ. — готовый, готовое изделие) состоит в экспонировании предметов промышленного изготовления. Название «реди-мейд» впервые употребил М.Дюшан для обозначения своих «готовых объектов» 1913 — 1917 гг. В 1960-х годах реди-мейд получил широкое распространение в различных направлениях авангардистского искусства. Смысл реди-мейда заключается в том, что в выставочном зале изменяется восприятие предмета: зритель видит в нем не утилитарную вещь, а отвлеченную форму. Например, невозможность пользоваться чашкой, блюдцем и ложкой, «заросшими» мехом, как нельзя более ярко иллюстрирует идеи авангарда (М.Оппенгейм. «Меховой чайный сервиз», 1936).

Зарубежное изобразительное искусство

История европейского и американского изобразительного искусства позволяет проследить развитие таких авангардистских течений начала XX в., как фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм. В середине и конце XX в. наряду с перечисленными «измами» возникают такие явления, как поп-арт, оп-арт, фотореализм и кинетическое искусство. В целом зарубежное искусство предыдущего столетия представляет собой весьма пеструю картину течений и направлений.

Дата добавления: 2014-01-06