Сюрреализм 2 страница

САВРАСОВ, АЛЕКСЕЙ КОНДРАТЬЕВИЧ (1830–1897), художник, выдающийся пейзажист, основоположник символистского «пейзажа настроения» в русской живописи, он был известен широкой публике как автор одной картины - «Грачи прилетели». Летом 1854 года Саврасов написал картины «Вид в окрестностях Ораниенбаума» и «Морской берег в окрестностях Ораниенбаума», за которые получил звание академика. С 1870 года Саврасов жил с женой под Костромой и в Ярославле, где тихая и размеренная жизнь необыкновенно способствовала написанию чувственных пейзажей- «Печерский монастырь под Нижним Новгородом», «Волга под Юрьевцем», «Разлив Волги под Ярославлем. В 1871 году произошло трагическое событие в семье Саврасова — умерла его дочь. Это наложило отпечаток на творчество мастера: в его полотнах явственно чувствуются боль и печаль, а иногда и неприкрытая тоска. («Проселок», 1873; «Радуга», 1875; «Домик в провинции. Весна», 1878). В конце 70-х годов Саврасов тяжело заболел, последующие годы до смерти были тяжелыми: художник мало работал, испытывал нужду, подавал прошения о денежных ссудах и получал отказы. Умер Саврасов в московской больнице для бедных, 26 сентября 1897 года.

КРАМСКОЙ, ИВАН НИКОЛАЕВИЧ (1837–1887), русский живописец и рисовальщик, мастер жанровой, исторической и портретной живописи; художественный критик. Создал ряд портретов выдающихся русских писателей, артистов и общественных деятелей (Лев Николаевич Толстой, 1873; И. И. Шишкин, 1873; Павел Михайлович Третьяков, 1876; М. Е. Салтыков-Щедрин, 1879 — все находятся в Третьяковской галерее; портрет Боткина (1880)). Одной из ключевых тем творчества Крамского был Иисус, изображая которого, художник подчеркивал героизм Одна из известнейших работ Крамского — «Христос в пустыне» (1872, Третьяковская галерея). В образе Христа художник выразил идеал человека, исполненного высоких духовных помыслов, готовящего себя к самопожертвованию.

1883 год- была написана самая загадочная и интригующая картина «Неисвестная». Сюжет- на полотне изображена молодая женщина, проезжающая в открытом экипаже по Аничкову мосту. Она одета по последней моде 1880-х годов. На ней бархатная шляпка с перьями, украшенное мехом и лентами пальто, муфта и тонкие кожаные перчатки. Взгляд царственный, таинственный и немного грустный. до сих пор остаётся загадкой художника. Существует версия, что прототипом к картине послужила курская девушка крестьянка Матрёна Саввишна. По другой версии, на полотне изображена фрейлина императрицы Марии Фёдоровны и фаворитка Александра I, грузинская княжна Варвара Туркестанишвили.

ШИШКИН, ИВАН ИВАНОВИЧ (1832–1898), русский художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравер-аквафортист. Картины отличаются большой точностью в изображении деталей, нюансов и полутонов. «Сторожка в лесу» 1870; Рожь 1878; «Ручей в берёзовом лесу» 1883; «Дубовая роща»1887; «На опушке соснового леса»1882; Утро в сосновом лесу 1889; «После шторма в Мери-Хови» 1891;

34. Русская музыка второй половины Х1Х в. (Глинка, П. Чайковский, композиторы «Могучей кучки»).

ГЛИНКА, МИХАИЛ ИВАНОВИЧ (1804–1857) основоположник русской классической музыки, русского бельканто. Список основных произведений –Оперы «Иван Сусанин» (1834—1836) и «Руслан и Людмила» (1837—1842); «Увертюра-симфония» на русские темы (1834, неоконченная) - в основе симфонии лежат контрастные темы русского народного склада — песенная и плясовая; «Арагонская хота» (1845); «Камаринская» (1848); «Ночь в Мадриде» (1849—1852; 1-я ред.— «Воспоминание о Кастилии», 1848); «Вальс-фантазия» (1856); Музыка к трагедии «Князь Холмский» (1840)

ЧАЙКОВСКИЙ, ПЕТР ИЛЬИЧ (1840–1893), русский композитор, музыка которого отличается красочностью, романтичностью и необычайным мелодическим богатством. Автор более 80 произведений, в том числе десяти опер(Воевода (1868); Ундина (1869); Опричник (1872); Евгений Онегин (1878); Орлеанская дева (1879); Мазепа (1883); Черевички (1885); Чародейка (1887); Пиковая дама (1890); Иоланта (1891)) и трёх балетов («Лебединое озеро» 1877, «Спящая красавица» 1889, «Щелкунчик» 1892)

«МОГУЧАЯ КУЧКА» (Балакиревский кружок, Новая русская музыкальная школа) — творческое содружество российских композиторов, сложившееся в Санкт-Петербурге в конце 1850-х и начале 1860-х годов. В него вошли: Милий Алексеевич Балакирев (1837—1910), Модест Петрович Мусоргский (1839—1881), Александр Порфирьевич Бородин (1833—1887), Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844—1908) и Цезарь Антонович Кюи (1835—1918). Идейным вдохновителем и основным немузыкальным консультантом кружка был художественный критик, литератор и архивист Владимир Васильевич Стасов (1824-1906). Участники «Могучей кучки» систематически записывали и изучали образцы русского музыкального фольклора и русского церковного пения. Результаты своих изысканий в том или ином виде они воплощали в сочинениях камерного и крупного жанра, особенно в операх, среди которых «Царская невеста», «Снегурочка», «Хованщина», «Борис Годунов», «Князь Игорь»

35. Западноевропейские стили XVIII в.(Барокко, Рококо, Классицизм)

Барокко (итал. barocco — «порочный», «распущенный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — «жемчужина неправильной формы» (дословно «жемчужина с пороком»). Стиль барокко в живописи характеризуется динамизмом композиций, «плоскостью» и пышностью форм, аристократичностью и незаурядностью сюжетов. Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркий пример — творчество Рубенса («Похищение дочерей Левкиппа» 1617—1618; Ромул и Рем с волчицей, 1616; Венера у зеркала 1615; Четыре стихии 1615; Похищение Гипподамии 1636-1638; Диана и Каллисто 1638-1640; Три грации 1635; «Успение Пресвятой Богородицы» 1626) и Микеланджело да Караваджо ("Иоанн Креститель", 1602; Медуза Горгона 1598-1599; Марта и Мария Магдалина 1597-1599; Христос в Эммаусе 1601-1602; Давид и Голиаф 1601).Основные направления, русла барокко: веризм (натуралистическая достоверность и сниженная, бытовая тематика, интерпретация мотива), классицизм, «экспрессивное барокко». Для архитектуры барокко характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм- Версаль (Франция), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Цвингер (Германия), Шёнбрунн (Австрия).

Рококо —стремление к легкости, грациозности, изысканности и прихотливому орнаментальному ритму, фантастические орнаменты, прелестные натуралистические детали. Мастера: Антуан Ватто (основоположник стиля «Бивак», около 1710; «Савояр с сурком», 1716; «Праздник любви»; «Общество в парке», около 1720; «Затруднительное предложение», около 1716; «Капризница», около 1718; «Меццетен», 1719; «Паломничество на остров Киферу», 1717—1718); Жан Оноре́ Фрагона́р (французский живописец и гравер,прославился виртуозно исполненными галантными и бытовыми сценами-"Девочка, играющая с собачкой" 1772; "Поцелуй украдкой" 1780-е;"Читающая молодая женщина" 1776, "Погоня" 1765; "Качели" 1766;"Вдохновение" 1769) и Франсуа Буше(Создавал гравюры, иллюстрировал книги Мольера, Боккаччо, Овидия. Работал во многих видах декоративного и прикладного искусства. Картины -"Портрет маркизы де Помпадур" 1756; "Купание Дианы" 1742, "Юпитер и Каллисто" 1744; "Восход солнца" 1753; "Заход солнца" 1748; "Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея" 1757)

Классицизм для стиля характерно следование принципам античного (греческого и римского искусства): рационализм, симметрия, целенаправленность и сдержанность, строгое соответствие произведения его форме.

Мастера: Жак Луи Давид(Наполеон на перевале Сен-Бернард, 1801; Маргарита-Шарлотта Давид, 1813; Купидон и Психея 1773; Леонид I и спартанцы при Фермопилах, 1814; Смерть Сенеки 1773) Энгр Жан Огюст Доминик («Жанна д'Арк на коронации Карла VII» 1854; «Ромул - победитель Акрона» 1812; «Эдип и Сфинкс»1827)

36. Западноевропейская живопись. Ампир (первая треть Х1Х в.)

Ампир (от франц. empire — империя), парадный, торжественный, военно-триумфальный стиль, подражающий шику и роскоши Римской империи. Церковь Сен-Мадлен 1807-1842 Франция, Париж; Триумфальная арка на площади Карузелль 1803-1833, Париж; Триумфальная арка 1806-1836 Франция, Париж; Колонна Нельсона в центре Трафальгарской площади в Лондоне (Англия) 1840- 1843

37. Особенности живописи французского Импрессионизма (70–80-е г. Х1Х в.)

Импрессионизм - это направление не только в живописи, но в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Поводом послужило название пейзажа К.Моне "Впечатление. Восход солнца" (от французского impression - впечатление), в 1874 году. Представители Импрессионизма стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления

Эдуар Мане (1832- 1883)- создавал произведения на бытовые, исторические, революционные темы. Работам Мане присущи свежесть и острота восприятия («Завтрак в мастерской», 1868; «Бар «Фоли-Бержер», 1881-1882; "Портрет Эмиля Золя".1868 г.). В 1870-х годах обратился к светлой пленэрной живописи («Аржантей», 1874; "На берегу моря". 1873 г.; "В лодке". 1874 г.; "Лодка-мастерская К.Моне". 1874.).

Клод Моне (1840—1926) - основоположник импрессионизма. (1840—1926). Добиваясь чистоты и звучности цвета, Клод Моне избегает смешивать краски на палитре; чтобы передать нужный ему тон зеленой листвы, художник кладет рядом мазки желтого и синего, на расстоянии они сливаются, «смешиваются» в глазу зрителя, и листья кажутся зелеными. «Регата под Аржантейем»1872; «Тюльпаны Голландии» 1872; «Бульвар Капуцинок»1873; «Маковое поле» 1873; «Подсолнухи» 1881; «Дама с зонтиком» 1886; «Водные лилии», 1915 г.; «Нимфеи (Кувшинки)» 1920-26; «Впечатление. Восходящее солнце» 1872

Огюст Ренуар (1841- 1919) мастер светского портрета,пейзажной живописи, динамичных бытовых сцен. «Большие бульвары» (1875), «Прогулка» (1875), «Бал в ле Мулен де ла Галетт» (1876), «Обнаженная» (1876), «Обнажённая в солнечном свете» (1876), «Качели» (1876), «Первый выезд» (1876/1877), «Тропинка в высокой траве» (1877). «Портрет актрисы Жанны Самари» (1878) и «Портрет госпожи Шарпантье с детьми» (1878) «Большие купальщицы» (1887), «Девушки у рояля» (1892)

Эдгар Дега, (1834 -1917)- Картины отличаются острым, динамичным восприятием современной жизни, со строго выверенной асимметричной композицией, гибким и точным рисунком, неожиданными ракурсами фигур. Мастер пастели ("Певица с перчаткой". 1878 г., "Звезда (Танцовщица на сцене)" 1878 г.; "Ванная". 1885-1886 гг.). "Танцевальный класс". 1873-1875 гг.; «Три танцовщицы в зале для занятий» 1873; «Балетная школа» 1879

Альфред Сислей, (1839-1899) Основным жанром в его творчестве является пейзаж- "Городок Вильнев-ла-Гаренн" 1872 г.; "Наводнение в Марли". 1876 г.; "Мороз в Лувесьенне". 1873 г.

Камиль Писсарро (1830-1903) Работы, это сочетание традиционных пейзажных сюжетов и необычной техники в прорисовке света и освещённых предметов. "Въезд в деревню Вуазен". 1872 г.; Бульвар Монмартр в Париже". 1897; "Кофе с молоком". 1881 г.

Берта Моризо (1841-1895) - французская художница, рисовальщица. Содержание ее творчества ограничено темами, интересующими женщину из добропорядочной буржуазной семьи: материнство, домашний уют, сад, деревня, прогулки на природе - "У колыбели" (1872); "Игра в прятки". 1873 г.; "Женщина за туалетом, пудрящая свое лицо", 1877-1879; "Чтение: мать и сестра художницы". 1869-1870 гг.

38. Оперное искусство Италии 19 в. (Верди, Пуччини)

ВЕРДИ, ДЖУЗЕППЕ (1813–1901), итальянский композитор. Композитором созданы более 26 опер и реквием. Лучшие оперы композитора: "Бал-маскарад" 1859; "Риголетто" 1851; "Трубадур" 1853, "Травиата" 1853. Вершина творчества - последние оперы: "Аида"1871, "Отелло" 1887, "Фальстаф"1893.

Джакомо Пуччини (1858-1924) - итальянский оперный композитор. В операх Пуччини нет увертюр. Известны так называемые «пуччинивские октавы» —приём оркестровки, когда мелодию ведут в разных регистрах разные инструменты (или в пределах одной оркестровой группы). Оперы - «Виллисы» 1884; «Эдгар» 1889; «Богема» 1896; «То́ска» 1900; «Мадам Баттерфляй» 1904; «Ласточка» 1917; Триптих - «Плащ», «Сестра Анджелика», «Джанни Скикки» 1918.

39. Великие актеры западноевропейской сцены. Х1Х- начала ХХ вв.

1. Сара Бернар (1844-1923) обладала красивым голосом, отточенный дикцией, пластичностью. Играла и мужские роли (Гамлета, сына Наполеона в «Орленке» Ростана).

2. Андре Антуан (1858-1943) основоположник современной французской режиссуры, создатель «Свободного театра». Он познакомил французов с творчеством норвежского драматурга Г.Ибсена и шведского писателя А. Стриндберга.

3. Англичанин Эдмунд Кин (1787-1833) играл роли отрицательных персонажей в пьесах Шекспира (Шейлок, Ричард 3-й). умер на сцене, играя Отелло в сцене, где его сын играл роль Яго.

40. Искусство актеров французских демократических театров Фредерика-Леметра (1800 — 1876), Мари Дорваль (1798 — 1849), Пьера Бокажа (1799 — 1862) и других было отмечено глубокой поэзией, человечностью, поднималось до страстной защиты народа, до гневного обличения буржуазной жизни, где все подчинено наживе.

За десятилетие перед революцией 1848 г. Элиза Рашель (1821 — 1858) возродила героические традиции классицизма, восприняв вместе с тем пламенность, страстную искренность романтических актеров.

В Италии, где в течение многих десятилетий шла борьба против австрийского владычества, появилось поколение драматургов и актеров, которые были не только театральными деятелями, но и бойцами, революционерами-карбонариями. Здесь родилось политически страстное, героическое искусство итальянских актеров Густаво Модена (1803 — 1861) и Аделаиды Ристори, (1822 — 1906).

В первой половине XIX в. расцвело реалистическое искусство замечательного немецкого мастера Карла Зейдельмана (1793 — 1843), любимого актера К. Маркса.

41. Живопись французского Постимпрессионизма конца Х1Х в. (В. Ван Гог, Сезан, Гоген и др.)

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ (1853–1890),нидерландский художник — постимпрессионист, обладал яркой самобытной индивидуальностью, образы его картин окрашены пессимистическими и тревожными настроениями. Любой портрет, пейзаж или натюрморт наполнен у Ван Гога теми беспокойными чувствами, которые обуревали и его самого. Он достиг небывалого до сих пор в искусстве эмоционального воздействия цвета, динамичности мазка и линий, острой выразительности форм. Ван Гог часто использовал промышленную краску, известную как "желтый хром", иногда смешанную с белым, что придавала яркие, насыщенные цвета. Картины - "Подсолнухи" 1888 г.; «Натюрморт с четырьмя подсолнухами» 1889 г.; «Ирисы» 1890 г. "Автопортреты" 1887 -1889 г.; "Сад с кипарисами" 1883 г.; "Монмартр" Осень 1886 г.; "Звездная ночь над Роной" 1888 г.; "Кипарисы" 1889 г.; "Звездная ночь" 1889 г.. Свою любовь и восхищение природой Прованса В.Ван Гог выразил в многочисленных пейзажах, находя свою цветовую гамму и пластическое решение для каждого изображаемого времени года ("Жатва. Долина Ла-Кро", 1888; "Рыбачьи лодки в Сент-Мари", 1888; "Вороны над полем пшеницы", 1890; "Ветка миндаля", 1890 - все в Фонде В.Ван Гога, Амстердам); "Красные виноградники" (1888,) - построенная на контрасте дополнительных цветов, обогащенных гаммой теплых и холодных красок.

Поль Сеза́нн (1839 – 1906) Художественное наследие больше 800 работ маслом, не считая акварелей и других произведений.Произведения Сезанна несут на себе отпечаток внутренней жизни художника. Они наполнены внутренней энергией притяжения и отталкивания. Картины – «Пирамида из черепов» 1901 г; «Купальщицы» 1900 года; «Девушка у пианино (Увертюра к «Тангейзеру») ок. 1868; «Букет цветов в голубой вазе» 1873-1875; «Гора св. Виктории» 1897-1898, «Портреты Мадам Сезанн» 1878-1895 гг.

Эже́н Анри́ Поль Гоге́н 7 июня 1848 — 8 мая 1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» 1898 - По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».

«Видение после проповеди» (1888); «Натюрморт с японским эстампом» (1889). К лучшим работам первого таитянского периода(с 1891) Гогена относятся: «Таитянская женщина с цветами» (1891), «Утрата невинности» (1891), «Две таитянки на берегу» (1891), «А ты ревнуешь?» (1892), «Ее звали Вайраумати» (1892), «Таитянские пасторали» (1893), «Женщина, держащая плод» (1893) и др. Одна из самых известных работ Гогена тех лет — «Манао тупапау» («Дух умерших бодрствует»). В 1901, Гоген переезжает на остров Хива-Ова, самый большой из Маркизских островов, и строит дом в отдаленной деревне Атуана. Здесь были созданы выдающиеся произведения Гогена: «Золото их тел» (1901), «Подсолнечники» (1901), «Попугаи» (1902), «Мать и дочь» (1902), «Автопортрет» (1903), «Девушка с веером» (1902) и др. В Атуане была написана замечательная книга Гогена «До и после». Здесь он умер отшельником, в то время как его искусство завоевало признание.

42. Искусство западноевропейского авангарда начала ХХв. (Кубизм, Фовизм, экспрессионизм и др.).

Аванга́рд (фр. Avant-garde — «передовой отряд») — обобщающее название течений в европейском исскустве, возникших на рубеже XIX и XX веков, выраженное в полемически-боевой форме. Авангард характеризуется экспериментальным подходом к художественному творчеству, выходящим за рамки классической эстетики, с использованием оригинальных, новаторских средств выражения, подчёркнутым символизмом художественных образов

К ярким представителям авангардного искусства можно отнести:

· экспрессионизм — Франц Кафка, ранний Леонид Андреев;

· футуризм — Алексей Крученых, Велимир Хлебников, Владимир Маяковский.

1. Абстрактный экспрессионизм (англ. abstract expressionism) — школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование. Целью художника при таком творческом методе является спонтанное выражение внутреннего мира (подсознания) в хаотических формах, не организованных логическим мышлением

2. Всёчество — теоретическая концепция, выдвинутая художниками Михаилом Ларионовым, Михаилом Ледантю, Кириллом Зданевичем и литератором Ильёй Зданевичем в 1913 году.Согласно манифесту «Лучисты и будущники», подписанному также рядом других авторов. Все стили мы признаём годными для выражения нашего творчества, прежде и сейчас существующие. Всёчество можно рассматривать как блистательную «теоретическую пародию», не отказывая ему при этом в наличии серьезных идей (имею в виду, в частности, представление о художественном процессе как непрерывном культурном пространстве, в котором время как бы отсутствует)

3. Дадаи́зм, или дада — модернистское течение в литературе, изобразительном искусстве, театре и кино. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе (Кабаре Вольтер). Существовало с 1916 по 1922 г[1]. В 1920-е годы французский дадаизм слился с сюрреализмом, а в Германии — с экспрессионизмом.

4. Конструктиви́зм — советский авангардистский метод (стиль, направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 — первой половине 1930 годов.

5. Куби́зм (фр. Cubisme) — авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

6. Орфизм (фр. orphisme, от фр. Orpһée — Орфей) — направление во французской живописи 1910-х годов, образованное Р. Делоне, Ф. Купка, Ф. Пикабия, М. Дюшан. Генетически связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом.

7. Примитиви́зм — стиль живописи, зародившийся в XIX веке, вмещавший в себя обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными, как творчество ребенка или рисунки первобытных времен. По мнению некоторых^[кто?^] искусствоведов, понятие наивного искусства не подпадает под термин «Примитивизм», так как первое означает живопись непрофессионалов, второе — стилизованную живопись профессионалов.

8. Супремати́зм (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

9. Сюрреали́зм (фр. surréalisme — сверхреализм) — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

10. Футури́зм (лат. futurum — будущее) — общее название художественных авангардистских движений 1910-х — начала 1920-х годов, прежде всего в Италии и России.

11. Экспрессиони́зм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве, получившее развитие примерно в начале 1905—1920 годов, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку.

12. Систематизм – направление в изобразительном искусстве.Систематизм вводит академическое понятие таблицы трех уровней, позволяющей систематизировать супрематический минимализм макро - и микрокосма. Систематизм является продолжением супрематизма и конструктивизма Малевича, Кандинского, Родченко, Лисицкого, Татлина и др.

13. Сто́хатипия (англ. stochastic monotype) — вид монотипии, который состоит из стохастических фракталов, полученных естественным способом. Стохатипию называют также фрактальной монотипией. Стохатипия относится к фрактальному искусству (англ. Fractal art), а также это один из видов эволюционного искусства (англ. Evolutionary art). Наиболее ценными считаются фигуральные стохатипии, так как вероятность возникновения образа человека при изготовлении стохатипии значительно меньше, чем пейзажа. Стохатипии, как фрактальные рисунки, бывают двух типов: оригинальные монотипии и адаптированные (дорисованные) художником к его замыслу. Стохастические рисунки (Cтохатизм) являются видом модернизма в изобразительном искусстве.

Вопрос №43 жизнь и творчество Пабло Пикассо

ПИКАССО, ПАБЛО РУИС И (Picasso, Pablo Ruiz y) (1881-1973), испанский живописец, скульптор, гравер, художник по керамике, сценограф. Родился 25 октября 1881 в Малаге (Испания). Он был необыкновенно одаренным ребенком и уже в четырнадцать лет поступил в Академию художеств в Барселоне, за один день выполнив экзаменационную работу, на которую давался месяц. Учился в Королевской академии искусств Сан-Фернандо в Мадриде. Годы с 1901 по 1904 в творческой биографии мастера получили название «голубого периода» из-за преобладания в его картинах того времени голубой тональности. В эти годы он жил то в Париже, то в Барселоне. В 1905 «голубой период» сменяется «розовым»; Пикассо знакомится с критиком Гийомом Аполлинером и американцами Лео и Гертрудой Стайн. До этого момента жизнь художника была скорее борьбой за существование, но его положение заметно улучшилось, когда в течение нескольких лет русский коллекционер Сергей Щукин приобрел около пятидесяти его работ. В то время Щукин обладал лучшим собранием картин Пикассо в Европе. Такие работы, как Странствующие гимнасты, Девочка на шаре, Потрет Воллара, были приобретены в коллекцию Морозова. В 1907 Пикассо написал картину Авиньонские девицы, которая считается поворотным моментом в изобразительном искусстве 20 в. В том же году он познакомился с Ж.Браком. Брак и Пикассо стали основоположниками и лидерами кубизма. К 1917 относится первый опыт работы Пикассо в качестве театрального художника. Он создал эскизы костюмов и декораций к постановке балета Парад для «Русских сезонов» Сергея Дягилева. В следующем году женился на одной из балерин труппы Дягилева, Ольге Хохловой. В 1920-е годы Пикассо продолжал работать для театра, а также писал картины в разнообразных стилях, от неоклассики до кубизма и сюрреализма. В 1928-1931 Пикассо вместе со своим старым другом Гонсалесом занимался созданием произведений из металлических сварных конструкций. В начале 1930-х годов художник сделал несколько графических серий, в том числе 30 офортов к Метаморфозам Овидия для издательства «Скира» и к Неведомому шедевру Бальзака по заказу коллекционера Амбруаза Воллара. Несколько основных мотивов, которые обычно ассоциируются с творчеством Пикассо, - Минотавр, художник и модель и др., - вошли в знаменитую серию офортов Сюита Воллара, над которой он начал работать в 1930. В эти годы брак Пикассо распался; его новой возлюбленной стала Мари-Тереза Вальтер. В 1936, когда в Испании началась гражданская война, Пикассо стал на сторону республиканского правительства и в подтверждение своей лояльности принял предложение занять почетный пост директора музея Прадо. В конце апреля 1937 мир узнал о бомбардировке Герники, в результате которой маленький баскский городок был стерт с лица земли. Пикассо выразил свое отношение к происшедшему в панно Герника. Оно предназначалось для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, а затем хранилось в нью-йоркском Музее современного искусства. В 1981, через шесть лет после смерти Франко, картина была передана в Прадо. Во время Второй мировой войны Пикассо жил в Париже вместе с Франсуазой Жило, которая родила ему двоих детей. В 1946 мастер обратился к искусству керамики и практически собственными силами возродил в городке Валлорис на Ривьере некогда процветавшее там керамическое ремесло. Пикассо всегда интересовался новыми технологиями, а в 1947-1950 разработал особую технику литографии. В 1944 художник вступил во Французскую коммунистическую партию. Политические убеждения Пикассо, нашедшие отражение в Гернике, вновь проявились в картине Война в Корее (1951) и двух больших панно Война и Мир (1952), созданных для украшения Храма Мира в Валлорисе. В 1950-е годы прошло несколько ретроспективных выставок Пикассо; тогда же он познакомился с Жаклин Рок, на которой женился в 1961. В 1950-1960-е годы художник вступил в диалог с великими мастерами прошлого: в 1954-1955 он написал несколько вариаций на тему картины Делакруа Алжирские женщины, в 1957 - Менин Веласкеса, а в 1959-1960 - Завтрака на траве Мане. В 1960-е годы Пикассо создал монументальную скульптурную композицию высотой 15 м для общественного центра в Чикаго. В 1970 художник подарил более восьмисот своих произведений музею-дворцу Агилар в Барселоне. Пикассо умер в Мужене (Франция) 8 апреля 1973.

Вопрос 44 творчество Малевича и Кондинского

Казимир Северинович Малевич родился 11 (23) февраля 1878 года в доме на окраине Киева. К религиозным сюжетам примыкает гуашь Малевича «Плащаница» (1908, ГТГ) - эффектная узорчатость роднит ее с работами народных мастеров. Вместе с напыщенно-претенциозными Эскизами фресковой живописи в творчестве Малевича 1907-1908 годов присутствовал другой жанр противоположный по смысловому звучанию, но сходный по стилистическим приемам. Та же орнаментальность, симметрия, узорчатость, ритмичность, плоскостность определяли формальный строй таких работ, как «Древо жизни» (русалки), «Свадьба», «Отдых», «Общество в цилиндрах», «Порнографическое общество в цилиндрах», «Эротический мотив». Уже по названиям можно ощутить заряженность этих работ несколько иными эмоциями и настроениями, нежели благостность райской жизнью засушенных святых. И «Эскизы фресковой живописи», и «Порнографическое общество в цилиндрах» отличаются смертельной серьезностью и настоящим пафосом, в одном случае благолепным, в другом зло издевательским, неприемлемым для игровой стилистики примитивизма. Гуаши рубежа десятилетий - «Женский портрет», два «Автопортрета», «Человек в острой шапке», «Натюрморт», - энергичные, экспрессивные, с упругой контурной обводкой и мощной цветовой лепкой уплощенных объемов, - говорят о возникновении новых качеств в живописи молодого художника. Первая половина 1911 года для Малевича была богата на публичные смотры: помимо выставок в старой столице, он выступил вместе с группой москвичей на третьей выставке петербургского "Союза молодежи". Сближение с петербуржцами послужило для него прологом будущих существенных событий. На следующей московской выставке, собранной все тем же неутомимым Ларионовым и получившей шокирующее название "Ослиный хвост" (март-апрель 1912), Малевич экспонировал более двух десятков работ; большинство из них сохранились. И действительно, для «Аргентинской польки» (частное собрание, Нью-Йорк), «Провинции» (Стеделик музеум, Амстердам) и прочих работ вдохновлявшими образцами были произведения фольклорного искусства - вывески, лубки, росписи подносов. Все картины были сюжетно-бытовыми: так, устремляется к воде неуклюжий «Купальщик» (Стеделик музеум, Амстердам) с ластоподобными конечностями; оплывший книзу «Садовник» (Стеделик музеум, Амстердам) окаменел, как памятник самому себе, а «Полотеры», напротив, лихо изогнуты в трудовом раже. Неимоверная сила цвета, его красочная интенсивность словно деформируют своим брутальным напором рисунок и композицию. Не только с точки зрения академических канонов, но и с точки зрения здравого смысла не может быть таких анатомических аномалий в человеческих фигурах, каковые наблюдаются у «Купальщика» или «Полотеров». Однако Малевич напряженно и трудно нащупывал ту истину, которую впоследствии будет считать единственно верной: картина должна представлять собой самостоятельный организм, который развивается и строится по своим собственным законам - законы же эти диктуются чисто живописными средствами, прежде всего цветом. Путеводными ориентирами на этом пути ему служили французские фовисты «дикие», прозванные так за пронзительную мощь цвета. Под "подражанием иконе" он имел в виду, прежде всего Этюды фресковой живописи. Однако золотистые темперы были прямолинейной и не слишком убедительной стилизацией иконописи, а по существу её традиции оказали влияние на тот жанр Малевича, который он определял словом "трудовой". Взгляд Малевича на происхождение иконы отличался оригинальностью - он считал ее высшей ступенью "крестьянского искусства". Вместе с тем, какая-то правда была в его отношении к иконописи как подлинно народному виду творчества: без святых образов был немыслим крестьянский быт. На полотнах первой крестьянской серии - «Жница», «Плотник», «Крестьянка с ведрами и ребенком», «Уборка ржи» (все 1912, Стеделик музеум, Амстердам) - хорошо виден решительный перелом в искусстве Малевича. Фигуры крестьян, занятых насущными заботами, распространены на все поле картины, они примитивистски упрощены, преднамеренно укрупнены и деформированы во имя большей выразительности, иконописны по звучанию цвета и строго выдержанной плоскостности. Сельские жители, их труд и быт возвеличены и героизированы. Кубофутуризм Картина «Точильщик» («Принцип мелькания». Картинная галерея Йельского университета), написанная Малевичем в 1912 году, в перспективе времени превратилась в классическое полотно русского кубофутуризма. Вспомогательное название лучше всего говорило о том, чего добивался автор. И, действительно, в радостном повторе бесчисленно дробящихся контуров и силуэтов, в стальном серо-голубом колорите, контрастно оттененном "ржавыми" пятнами цвета, почти, что физически ощущается "принцип мелькания" ритмично натачиваемого ножа, в неуловимую долю времени оказывающегося в разных точках пространства.Полотна «Синяя гора», «Купола», «Пейзаж с лодкой», «Дамы в кринолинах» стали первыми работами, свидетельствовавшими о серьезных изменениях в живописной манере Кандинского. В этих Картинах ландшафтах, для которых были характерны энергичные краски и простые сменяющие друг друга контуры, образы едва угадываются. За счет этого композиции стали весьма близки к абстрактным. Свое обращение к абстрактной живописи В. Кандинский объяснял не фантазией, не прихотью художника, а существованием замаскированных образов, содержание которых должно выявляться постепенно. Вершиной творчества В. Кандинского считаются «Композиция VI» и «Композиция VII», написанные в 1913 году. Как пишет искусствовед Н.Б. Автономова, по комбинациям живописных форм и линий картины эти многосоставны и разнообразны. В них нет глубины пространства в привычном для нас понимании, однако при этом она все же сохраняется. Характер распределения форм, наложенных друг на друга, и свойства самой краски (которая, по словам В. Кандинского, «может отступать или выступать, стремиться вперед или назад») помогают ему построить «идеальную плоскость» и вместе с тем дать ее «как пространство трех измерений». Сам он называл это рисуночным (или живописным) «растяжением пространства».«Композиции», над которыми В. Кандинский работал долго и напряженно, имеют свою живописно-пластическую драматургию. Художник исполнил много графических и живописных набросков и эскизов, он мыслил свои «Композиции» как некие новые миры, возникающие так же, как возник «космос» -- «путем катастроф, подобно хаотическому реву оркестра, выливающемуся в конце концов в симфонию, имя которой -- музыка сфер». В 1917 году Кандинский создает три программных произведения: «Синий гребень», «Смутное», «Сумеречное», годом ранее им была написана картина «Красная площадь». «Красная площадь» - это символ города, стоящего на пороге новой эры. С началом революции Кандинский активно включается в художественную жизнь обновленной России. Художник отказывается от своего раннего стиля абстракций; теперь его интересуют геометрические формы, четко обозначенные. Отражением новых идей стала книга "Точка и линия на плоскости", изданная в 1926 году. Это систематический анализ живописных элементов - линий и их исходного пункта - точки, сочетание "рисуночной формы" и "формы красочной", ритмов и пропорций, отношение углов, разработка плоскости. В основе этого имелась своя философия - "победа над злом в мире". В геометрическом стиле абстракций Кандинский больше внимания обращает на "игру" различных сочетаний фигур, иногда напоминая Пауля Клее, с ним дружившего. Вибрация 1925г. «Вибрация» создана Кандинским в Веймаре. Композиция полна геометрических фигур, описанных в книге художника о «точке и линии». Как он сам писал, «контакт между острым треугольником и кругом
производит не меньший эффект, чем палец Бога, протянутый Адаму на картине Микеланджело» И еще его картины: «Вверх 1929г», «Композиция VIII» 1923г, «Круги в круге» 1923г, «Несколько кругов» 1926г.

Дата добавления: 2015-05-09