Сюрреализм 3 страница

45. Творчество М. Шагала.

Основным направляющим элементом творчества Марка Шагала является его национальное еврейское самоощущение, неразрывно связанное для него с призванием. «Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником», — сформулировал он свою позицию в одном из эссе.[2]

От своего первого учителя Юделя Пэна Шагал воспринял представление о национальном художнике; национальный темперамент нашёл выражение и в особенностях его образного строя. Художественные приемы Шагала основаны на визуализации поговорок на идиш и воплощении образов еврейского фольклора. Шагал вносит элементы еврейской интерпретации даже в изображение христианских сюжетов («Святое семейство», 1910, Музей Шагала; «Посвящение Христу» /«Голгофа»/, 1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк) — принцип, которому он остался верен до конца жизни

46. Архитектура западноевропейского модерна (Австрия, Бельгия, Франция)

Архитектуру модерна отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, использование новых технологий (металл, стекло).

Как и ряд других стилей, архитектуру модерна отличает также стремление к созданию одновременно и эстетически красивых, и функциональных зданий. Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались.

Одним из первых архитекторов, работавших в стиле модерн, был бельгиец Виктор Орта (1861—1947). В своих проектах он активно использовал новые материалы, в первую очередь, металл и стекло. Несущим конструкциям, выполненным из железа, он придавал необычные формы, напоминающие какие-то фантастические растения. Лестничные перила, светильники, свисающие с потолка, даже дверные ручки — все тщательно проектировалось в едином стиле. Во Франции идеи модерна развивал Эктор Гима́р, создавший, в том числе, входные павильоны парижского метро.

Ещё дальше от классических представлений об архитектуре ушёл Антони Гауди́. Здания, сооружённые им, настолько органически вписываются в окружающий пейзаж, что кажутся делом рук природы, а не человека.

47. Архитектура советского конструктивизма. Братья Веснины, К. Мельников, И. Леонидов и др.

Конструктиви́зм — советский авангардистский метод (стиль, направление) в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, получивший развитие в 1920 — первой половине 1930 годов.Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. В 1924 году была создана официальная творческая организация конструктивистов — ОСА, представители которой разработали так называемый функциональный метод проектирования, основанный на научном анализе особенностей функционирования зданий, сооружений, градостроительных комплексов. Характерные памятники конструктивизма — фабрики-кухни, Дворцы труда, рабочие клубы, дома-коммуны указанного времени.

Братья Весины В 1923—1925 гг. в советской архитектуре развивалось новое направление — конструктивизм и сплочение сторонников нового направления вокруг лидеров, которыми стали братья Веснины. В проектах общественных сооружений братьев Весниных, участвовавших в первых конкурсах 20-х годов, было зафиксировано появление новой архитектуры, отвечающей духу времени.

Однако, на одном из первых конкурсов 1923 г., проект Весниных крупного общественного здания в центре Москвы — Дворца труда, получила третью премию. К.Мельников Константи́н Степа́нович Ме́льников (22 июля (3 августа) 1890, Москва — 28 ноября 1974, Москва) — русский и советский архитектор, художник и педагог, заслуженный архитектор РСФСР, один из лидеров направления авангарда в советской архитектуре в 1923—1933 годах.

Константин Мельников ещё в 1930-е годы получил мировое признание как «великий русский архитектор» современности, однако его уникальная творческая концепция в те же годы подверглась в СССР резкой критике за «формализм»;

И.Леонидов Ива́н Ильи́ч Леони́дов (9 февраля 1902 — 6 ноября 1959), русский архитектор, представитель русского авангарда, конструктивизма, мастер «бумажной» архитектуры.

Вопрос 48 западно-европейская живопись межвоенного периода 1920-30 года (сюрреализм, пуризм)

Сюрреали́зм (фр. surréalisme — сверхреализм) — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

Основателем и идеологом сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон. Под заголовком «сюрреалистическая драма» обозначил в 1917 году одну из своих пьес Гийом Аполлинер. Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографесчитаются Луис Бунюэль, Жан Кокто, Ян Шванкмайер и Дэвид Линч. Сюрреализм в фотографии получил признание благодаря пионерским работам Филиппа Халсмана. Хотя центром сюрреализма был Париж, с 1920 по 60-е годы он распространился по всей Европе, Северной и Южной Америке (включая страныКарибского бассейна), по Африке, Азии, а в 80-х годах и по Австралии. Наиболее значительным вкладом в Золотой век сюрреализма является первый Манифест сюрреализма 1924 года, созданный Андре Бретоном. Пятью годами ранее Бретон и Филипп Супо написали первый «автоматический» текст, книгу «Магнитные поля». К декабрю 1924 года началось издание «Сюрреалистическая революция» под редакцией Пьера Навиля, Бенжамена Пере и, позже, Бретона. Кроме того, в Париже начало работу Бюро сюрреалистических исследований. В 1926 году Луи Арагон написал книгу «Парижский крестьянин». Многие из популярных художников в Париже в 20-е и 30-е годы были сюрреалистами, в том числе Рене Магритт, Макс Эрнст, Сальвадор Дали, Альберто Джакометти, Валентина Гюго,Мерет Оппенгейм, Ман Рэй, Туайен, Ив Танги, Виктор Браунер, Роберто Матта и многие другие. Хотя Бретон искренне восхищается Пабло Пикассо и Марселем Дюшаном и призывает их присоединиться к движению, они держатся от сюрреалистов на некотором расстоянии, хотя и не избегают их влияния.

Пуризм

Можно создать картину как машину. Картина - это механизм волнения". Эта теория была постепенно развита и усовершенствована практическим живописным опытом и особенно в теоретических работах - серии статей в журнале "L'Esprit nouveau" основанном поэтом Полем Дерме Озанфаном и Жаннере в 1920. Эти тексты затем вошли в книгу Современная живопись (Париж 1925) которая вызвала много шуму в кругах стремившихся к осознанию природы художественного творчества и ее рационализации. Пути Озанфана и Жаннере разошлись после 1925. С 1927 творчество Озанфана изменило направление: он снова вводит изображение человеческой фигуры и обращается к стенной живописи ("Купальщики в гроте" 1930-1931 Париж гал. Кати Гранофф). Он откликается на призыв сюрреализма странными но всегда рациональными образами. Затем Озанфан создает произведения на аллегорические темы принесшие ему к сожалению мало удовлетворения ("Жизнь" 1931-1938 Париж Национальный музей современного искусства Центр Помпиду передано на хранение в музей Сен-Кантена). Пуризм вышел из недр кубизма и уже в 1918 г. заявил о себе манифестом "После кубизма". Авторами манифеста были живописец А. Озанфан и архитектор Ш. Жаннере (Ле Корбюзье). Признавая заслуги кубизма, Озанфан и Жаннере упрекали его в тяготении к излишней декоративности, в утрат присущей ему первоначально организованности, дисциплины. Настало время, утверждали они, вернуть предмету его первозданную архитектоническую простоту и чистоту (от французского слова "риге" ("чистый") происходит и название течения). А в качестве некоего пластического символа предмета пуристы выбрали машину как создание абсолютно утилитарное, лишенное всяких нефункциональных аксессуаров. Необходимо отметить, что практическая реализация принципов пуризма оказалась наиболее эффективной в архитектуре.

Вопрос 49 искусство поп-арта 2й половины 20 века (Р.Раушенберг Э.Уорхол)

Поп-арт (pop art) - широкое художественное течение, охватившее в 1950-60-х все виды изобразительного искусства США, Великобритании и других западных. Отказавшись от элитарности и глубокомыслия абстрактного экспрессионизма, художники, работавшие в стиле поп-арт (в США Э. Уорхол, К. Олденбург, Р. Лихтенштейн и др.), избрали источником своего вдохновения массовую культуру: рекламу, комиксы, кино, джаз, иллюстрированные газеты и журналы и т.п. Произведения поп-арта отражают «жизнь, как она есть», и нередко содержат долю юмора и авторской иронии (таковы знаменитые картины Э. Уорхола, изображающие долларовую банкноту, многократно повторенные увеличенный фотопортрет актрисы М. Монро и банки томатного супа фирмы «Кэмбелл»).

Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы. Поп искусство (поп-арт) воплотило в себе творческие искания новых американцев, которые опирались на творческие принципы Дюшана. Это: Джаспер Джонс, К. Олденбург, Энди Уорхол, и другие. Поп искусство получает значение массовой культуры, поэтому неудивительно, что оно сформировалось и стало течением искусства в Америке. Их единомышленники: Гамельтон Р, Тон Китай в качестве авторитета выбрали Курта Швитерса. Поп искусству свойственно произведение - иллюзия игры, объясняющая суть объекта. Р. Раушенберг также своеобразен: он приклеивал к полотну разные фотографии, их обрисовывал и к работе приделывал какое-нибудь чучело. Одна из известных его работ - чучело ежа. Также хорошо известна его живопись, где он использовал фотографии Кенеди. Можно считать, что произведения Р. Раушенберга довольно политизированы, но это не меняет их значения. Его искусство очень внушительное. Такие работы выполненные в стиле поп искусства, понятны людям. Поп искусство балансирует на грани абсурда и иронии. Сформировавшаяся ветвь поп искусства: гиперреализм - направление постмодернизма, целенаправленно на фотографическое воспроизведение банальной ежедневности. Множество создателей поп исскуства используют творческие методы, пришедшие из дадаистских экспериментов (общество «Dada»), когда форма не моделирована из материала, но составлена из искусственных объектов. В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов, в том числе - знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие визитной карточкой Энди Уорхола. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления. Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в «кислотной» манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна. Поговоривали, что в качестве «последнего штриха» Уорхол просил своих любовников помочиться на подобное произведение. Скандальная репутация Уорхола способствовала росту цен на работы из этой серии. В настоящее время рыночная стоимость картин Уорхола нередко измеряется десятками миллионов долларов.

50.Советское искусство эпохи социализма (А. Платов, А. Дейнеко, братья Ткачевы и др.)

Официальное советское искусство, изобразительное искусство СССР охватывает период 1917—1991 годов и характеризуется огромной ролью идеологии в своем развитии. Параллельно с ним с 1950-х годов развивалось неофициальное искусство СССР.Для этого периода (в связи с очевидными историческими изменениями) характерна смена главной магистральной линии официального искусства по сравнению с предыдущей стадией развития русского искусства. Идеологическое содержание начинает выдвигаться на первый план. Искусство принадлежит народу. Оно должно уходить своими глубочайшими корнями в самую толщу трудящихся масс, оно должно быть понятно этими массами и любимо ими. Оно должно выражать чувства, мысли и волю этих масс, поднимать их. Оно должно пробуждать в них художников и развивать их. (В.И. Ленин) Основные «задачи» советского искусства: «служить народу, отстаивать общее дело борьбы за социализм и коммунизм, нести людям правду, рождать в них творческое начало». Кроме того, важными понятиями были народность и многонациональность.

51.Советское искусство 60-х г. «Суровый стиль» (Т. Салахов, А.Никонов, Д. Жилинский).

Однако художники нового поколения, сурового стиля, наиболее последовательно отразили смысл перемен, происшедших в живописи. Наиболее заметными из художников этого круга были братья Смолины — Александр и Пётр. Их совместные работы демонстрируют суровый романтизм характера, причем данная индивидуальная черта сливается с общей тенденцией искусства того времени к монументализации жизненных впечатлений. Их полотно «Полярники» (1961) в этом отношении весьма характерно. «Истинный героизм полярников, романтический характер их профессии участвуют в произведении в качестве его глубокого смыслового подтекста. Сюжет же, по первому впечатлению, демонстративно противостоит привычному представлению о том и о другом. Полярники изображены в состоянии предельной усталости после долгой и изнуряющей работы в бесконечную полярную ночь. Однако по мере „вглядывания“ в картину все в большей мере ощущается значительность, необычность этих людей, ведущих героическую жизнь в труднейших условиях, причем этот героизм — их профессиональная повседневность». Свою картину «Стачка» (1964) они посвятили историко-революционной тематике. «Новым здесь является оттенок легендарности, сообщающей давно ушедшему в прошлое событию современную остроту. Изображение характеризуется отвлеченностью, внеконкретностью. Поэтому люди здесь воспринимаются как все пролетарии перед первым общим шагом в историю. В картине „Стачка“ и некоторых более поздних полотнах братьев Смолиных проявились поэтико-метафорические тенденции, ставшие вскоре новым образным открытием для всего советского искусства». Д.Жилинский Автор многочисленных сюжетных полотен, картин-портретов, в которых удачно, новаторски, переосмыслены традиции древнерусской иконописи и живописи раннего Возрождения. Принадлежит к поколению художников "сурового стиля", но стилистически стоит особняком.

52.Знаменитые станции московского метрополитена (Маяковская, Кропоткинская и др.)

КРОПОТКИНСКАЯ На станции два ряда десятигранных колонн, облицованных серовато-белым мрамором. Верхнюю часть колонн украшают капители, в которые вмонтированы невидимые снизу светильники. Путевые стены облицованы белым мрамором, Пол выложен серым и розовым гранитом. Первоначально путевые стены были облицованы фаянсовой плиткой, позднее покрыты уральским мрамором «коелга» и «уфалей».
На международных выставках в Париже (1937) и Брюсселе (1958) макет станции отмечен гран-при. 15.03.1941 станции присуждена Сталинская премия 2-ой степени за архитектуру и строительство.

НОВОСЛОБОДСКАЯ Названа по одноименной улице.

Пилоны облицованы белым каркодинским уральским мрамором. Станцию украшают 32 оригинальных витража из разноцветного стекла внутри пилонов, обрамленные сталью и золоченой латунью и освещаемые изнутри.
Автор художественного оформления станции – художник Павел Дмитриевич Корин. Торцевую стену станции украшает сделанное по его эскизу мозаичное панно "Мир во всём мире". Витражи на пилонах изготовлены по эскизам Павла Корина в Риге, в мастерских Латвийского отделения Художественного Фонда СССР (художники Э.Я.Вейланд, Дж.Я.Бодниек, Х.М.Рысин, Э.Крестс).

Несмотря на то, что архитектура «Маяковской» относится к «сталинской неоклассике», наличие некоторых авангардных деталей придаёт ей оттенок стиля «ар деко». Колонны и арки станции покрыты рифлёной нержавеющей сталью, благодаря которой, можно бросить монетку с одной стороны, а она приземлится с другой стороны арки. Детали обрамления были специально изготовлены для метро на заводе «Дирижабльстрой», на оборудовании, предназначенном для создания производства каркаса цельнометаллических дирижаблей, проектирование которых инициировал К. Э. Циолковский[2]. В Санкт-Петербурге аналогично была выполнена станция«Академическая». Угловые части колонн декорированы уральским камнем «орлец» и мраморовидным известняком. Верхняя часть путевых стен отделана мрамором «уфалей», нижняя — диоритом. Пол выложен белым мрамором и серым гранитом. Светильники находятся в тридцати четырёх овальных нишах свода центрального зала. Важным украшением станции являются размещённые в нишах мозаичные панно из смальты (автор эскизов — А. А. Дейнека, тема — «Сутки советского неба». Мозаики были набраны в мастерской В. А. Фролова в Ленинграде). При открытии станции, панно было 35. Одно, находившееся ближе к старому выходу, было впоследствии утеряно из-за строительства гермозатвора.

Дата добавления: 2015-05-09