Лекция № 8. Оригинальные хоры современных композиторов

1. Хоровое творчество П.Г.Чеснокова

2. Хоровое творчество Г.В.Свиридова

Чесноков Павел Григорьевич (24.10.1877 - 14.03.1944) - русский советский хоровой дирижер, композитор, педагог.

Родился близ г.Воскресенска (ныне г.Истра) Звенигородского уезда Московской губернии 12 (24) октября 1877 в семье сельского регента.

Отец совмещал службу с работой церковного регента в небольшом фабричном хоре, где и началось музыкальное развитие мальчика. В 1886 году он был определен в Московское Синодальное училище, которое блестяще окончил в 1895 году. Впоследствии брал уроки композиции у С.И.Танеева, Г.Э.Конюса (1862–1933) и М.М.Ипполитова-Иванова; гораздо позже (в 1917) получил диплом Московской консерватории по классам композиции и дирижирования.

По окончании Синодального училища работал в разных московских училищах и школах; в 1895–1904 преподавал в Синодальном училище, в 1901–1904 был помощником регента Синодального хора, в 1916–1917 дирижировал капеллой Русского хорового общества.

С 1900-х годов Чесноков получил большую известность как регент и автор духовной музыки. Долгое время руководил хором церкви Троицы на Грязях (на Покровке), с 1917 по 1928 – хором церкви Василия Неокесарийского на Тверской; работал также с другими хорами, давал духовные концерты. Его произведения входили в репертуар Синодального хора и других крупных хоров

После революции Чесноков руководил Государственной академической хоровой капеллой, был хормейстером Большого театра; с 1920 до конца жизни преподавал дирижирование и хороведение в Московской консерватории.

После 1928 вынужден был оставить регентство и сочинение духовной музыки. В 1940 опубликовал книгу Хор и управление им.

Умер Чесноков в Москве 14 марта 1944

В 20 – годы ХХ века вместе с А.Кастальским и Н.Данилиным участвует в создании дирижерско-хорового факультета в консерватории.

Эти мастера хорового искусства разработали систему образования и воспитания хормейстера.

В консерватории Чесноков вел созданный им курс хороведения, хоровой класс, специальное дирижирование, сольфеджио. Педагогическую деятельность он совмещал с исполнительской: руководил Вторым государственным хором, хоровой капеллой Московской филармонии, самостоятельными хорами.

В консерватории Чесноков вел созданный им курс хороведения, хоровой класс, специальное дирижирование, сольфеджио. Педагогическую деятельность он совмещал с исполнительской: руководил Вторым государственным хором, хоровой капеллой Московской филармонии, самостоятельными хорами.

В 1940 году вышел из печати труд Чеснокова — «Хор и управление им». Возникновение этой книги связано не только с накопленным за многие годы опытом практической работы с хором, но и с многолетней плодотворной педагогической деятельностью ее автора.

Чесноков приступил к созданию учебного пособия по хоровой методике, которую он называл «хороведение».

был пионером в деле создания отечественной теории хорового дела.

В его книге осуществилась, действительно впервые, серьезная, построенная на многих тонких наблюдениях и глубоком знании хоровой природы, попытка обобщения громадного, хотя преимущественно личного, опыта работы с хором. Свыше восемнадцати лет напряженного труда положил он на создание своей книги.

Всего Чесноковым создано около пятисот хоровых пьес - духовных сочинений и переложений традиционных распевов (среди них по несколько полных циклов литургии и всенощного бдения, панихида, циклы "Ко Пресвятой Богородице", "Во дни брани", "Ко Господу Богу"), обработок народных песен, хоров на стихи русских поэтов.

Перу композитора принадлежат около 360 песнопений, 18 произведений для смешанного хора a' cappella, 21 произведение для женского хора с фортепиано, 20 детских песен, 21 романс.

В последние годы жизни композитор сделал 22 обработки русских народных песен для солистов, смешанного и мужского хора a cappella, создал около 20 песнопений и 4 романса. Многие хоровые сочинения еще при его жизни были широко известны и любимы исполнителями

Духовные опусы П.Г.Чеснова - две Литургии св. Иоанна Златоуста для женского хора, опус 9 и 16; Литургия преждеосвещенных даров, опус 24; Литургия св. Иоанна Златоуста, опус 42; Литургия св. Иоанна Златоуста, опус 50-а и Всенощное бдение, опус 50-б; и отдельные песнопения – ярчайшие образцы русской музыкальной культуры.

Духовные опусы П.Г.Чеснова - две Литургии св. Иоанна Златоуста для женского хора, опус 9 и 16; Литургия преждеосвещенных даров, опус 24; Литургия св. Иоанна Златоуста, опус 42; Литургия св. Иоанна Златоуста, опус 50-а и Всенощное бдение, опус 50-б; и отдельные песнопения – ярчайшие образцы русской музыкальной культуры.

Среди произведений для женского хора с фортепиано:

· «Несжатая полоса» сл. Н.Некрасова

· «Листья»- сл. Ф.Тютчева

· «Солнце, солнце встает» сл. А.Федорова

· «Лотос» сл. Г.Гейне

· «Ночь» сл. А.Плещеева

· «Зеленый шум» сл.Н.Некрасова

· «Колокольчики звенят» сл.А.Пушкина

· Содержание большинства смешанных хоров – природа, мысли, чувства и переживания, вызванные их созерцанием.

· Это хоры:

· «Теплится зорька» сл. К.Гребенского

· «Август» сл. С.Копыткина

· «Ночь» сл. М.Коханского

· «Зимой» сл. К.Алемасовой

· «Альпы» сл. Ф.Тютчева

Анализ произведения «Теплится зорька» Крайние части небольшие, созерцательного характера. Интересны наслоения доминантной гармонии на тоническую, что придает особую пряность произведению.

Средняя часть состоит из ряда эпизодов изобретательного характера.

Шелест камыша, плеск рыбки, разбегающийся по воде круг, крик филина, мерцающий огонек – картины и звуки природы обрисованы ярко, выпукло, красочными гармониями, колоритом разных тональностей.

Реприза повторяет первую часть, несколько изменен только ритмический рисунок начальной фразы. Размеры 6/8 и 9/8 в спокойном темпе создают ощущение легкого плавного покачивания.

Это произведение требует высокого вокального мастерства от певцов. Сложность заключается и в гармоническом языке хора и в частой смене тональностей(модуляции, сопоставления) и в разнообразии и тонкости нюансов.

Имя Павла Чеснокова называют рядом с такими знаменитыми именами, как Чайковский, Рахманинов, Танеев, Ипполитов-Иванов.

Все они принадлежат к так называемой Московской композиторской школе. Музыке этих композиторов присущ глубокий лиризм и психологичность. Павел Чесноков был высококлассным мастером полифонии.

Свиридов Георгий Васильевич 3 (16) декабря 1915 года – 6 января 1998 года. Георгий Васильевич Свиридов родился 3 декабря 1915 года в маленьком городке Фатеже, расположенном в степной Курской губернии. Отец Свиридова был крестьянином. В начале революции он вступил в Коммунистическую партию и в 1919 году погиб, защищая советскую власть.

С девяти лет Георгий Свиридов жил в Курске. Здесь он стал учиться играть на рояле. Но вскоре занятия прекратились гораздо больше, чем рояль, юного любителя музыки привлекала балалайка. Свиридов выучился играть на ней и поступил в самодеятельный оркестр русских народных инструментов.

В 1929 году он поступил в класс фортепиано местной, музыкальной школы. Через три года Свиридов окончил школу и приехал в Ленинград, чтобы продолжить занятия музыкой. Он начал учиться на фортепианном отделении Центрального музыкального техникума.

В Ленинграде семнадцатилетний юноша узнал много нового. Он впервые в жизни побывал в оперном театре и на симфоническом концерте. Но главным открытием было то, что, оказывается, можно учиться сочинять музыку и что в музыкальном техникуме существует даже специальное композиторское отделение. Свиридов задумал перейти туда. Он написал две фортепианные пьесы и в мае 1933 года был принят в класс композиций профессора М. А. Юдина. С необычайным рвением новый студент начал наверстывать упущенное. Уже через месяц упорной работы им было представлено первое сочинение.

В конце 1935 года Свиридов заболел и уехал на время в Курск. Там он написал шесть романсов на слова Пушкина «Роняет лес ветряный свой убор», «Зимняя дорога», «К няне», «Зимний вечер», «Предчувствие», «Подъезжая под Ижоры». Этот цикл принес молодому композитору первый успех и известность.

Удивительно простые, близкие традициям русской музыки, и вместе с тем самобытные, оригинальные пушкинские романсы Свиридова сразу полюбились и исполнителям, и слушателям.

В 1936 году Свиридов поступил в Ленинградскую консерваторию, где стал учеником Д. Д. Шостаковича. Начались годы упорного, напряженного труда, овладения композиторским мастерством. Он стал осваивать разные стили, пробовать свои силы в различных видах музыки — Свиридов сочинил в консерваторские годы скрипичную и фортепианную сонаты, Первую симфонию, Симфонию для струнного оркестра.

В июне 1941 года Свиридов закончил консерваторию. В первые же дни Великой Отечественной войны он был зачислен курсантом военного училища, но вскоре демобилизовался по состоянию здоровья.

Еще в самом начале войны Свиридов написал первые свои песни для фронта. С военной тематикой тесно увязана и написанная тогда же музыкальная комедия «Раскинулось море широко», посвященная балтийским морякам. Еще до окончания войны, в 1944 году, Свиридов возвратился в Ленинград. За три года он написал несколько крупных камерно-инструментальных произведений, отразивших события и переживания военных лет.

своеобразное в творчестве Свиридова 1940-х годов — его вокальные сочинения поэма «Песни странника», сюита на слова В. Шекспира, новые романсы и песни на слова советских поэтов, появившиеся в 1948 году.

Свиридов много работает в театре и кино. Этот опыт помог ему в создании новых крупных сочинений, которые появились в начале 1950-х годов.

В 1949 году Свиридов познакомился с творчеством великого армянского поэта Аветика Исаакяна и был потрясен его вдохновенной поэзией. Один за другим стали появляться романсы на стихи Исаакяна в переводах А. Блока и советских поэтов. Вскоре сложился замысел большой вокальной поэмы для тенора и баса с фортепиано в одиннадцати частях под названием «Страна отцов». Поэма Свиридова — «эпическая песнь» наших дней о стойкости и мудрости народа, о величии его духа.

В 1955 году Свиридов написал девять песен для баса с фортепиано на стихи Роберта Бернса в превосходном переводе С. Маршака. В отличие от поэмы «Страна отцов», в бернсовском цикле нет монументальных образов и картин, отражающих события большого исторического значения. Вместе с тем у этих двух произведений много общего — серьезность замысла, умение композитора за частными явлениями видеть их большой, общечеловеческий смысл.

Если в поэме «Страна отцов» каждая часть представляла собой картину, то песни на слова Бернса — это галерея музыкальных портретов простых людей, вереница сценок из их жизни вокруг одного образа — молодого человека, «лучшего парня наших лет».

В ноябре 1955 года Свиридов, увлекшись поэзией Сергея Есенина, написал несколько песен на его стихи. За ними последовал ряд других, и в порыве высокого творческого вдохновения всего за две недели родилась многочастная поэма «Памяти Сергея Есенина». Она была впервые исполнена 31 мая 1956 года в Москве.

Есенинские строки, с их красотою и волшебной певучестью, кажется, сами просятся на музыку. Но прочесть их композитор может по-разному. Иной раз в Есенине ценят лишь «чистого» лирика, «певца любви» под гитару. Свиридов же увидел в нем большого народного поэта, который любил Россию как сын.

Как всегда, музыка Свиридова не просто музыкальная иллюстрация к полюбившимся ему стихам. Композитор, действительно, умеет «читать» поэзию, он всегда очень внимателен и чуток к неповторимым особенностям того или иного автора.

Четко обозначилась основная линия творчества композитора — создание вокальной музыки, хотя инструментальные произведения не исчезают из сферы его интересов. Поначалу в творчестве Свиридова преобладали камерные жанры — песня, романс; но постепенно он переходит к более крупным формам, в частности к ораториям. И каждое его произведение отмечено одухотворенностью.

Особое место в творчестве Свиридова занимает «Патетическая оратория» (1959) для солистов, хора и оркестра на стихи В. Маяковского. Очень многие советские композиторы писали на стихи Маяковского произведения самых различных жанров. Но, пожалуй, «Патетическая оратория» Свиридова является из них самым значительным и интересным.

«Патетическая оратория» — это монументальное художественное полотно, сотканное из множества интонаций. Особенно впечатляет последняя, заключительная часть оратории, в которой используются отрывки из поэмы «Необычайное приключение, бывшее с Владимиром Маяковским летом на даче». Называется эта часть «Солнце и поэт». Яркая, ликующе-торжественная музыка сопровождается колокольным звоном, как бы передающим в звуках полыхание «ста сорока солнц».

Линия революционной романтики, идущая от «Патетической оратории», получила свое дальнейшее продолжение в очень динамичной музыке к кинофильму «Время, вперед!» (1977), которая многие годы была музыкальной заставкой к информационной телевизионной программе «Время», а также в оратории «Двенадцать» по поэме А. Блока.

Следом за ораторией были написаны «Весенняя кантата» на стихи Н. Некрасова, кантата «Деревянная Русь» на стихи С. Есенина, несколько хоровых сочинений без сопровождения на его стихи «Вечером синим», «Табун», «Душа грустит о небесах», кантата «Снег идет» на стихи Б. Пастернака.

Эти произведения, безусловно, зрелые, отмеченные высоким профессионализмом, наполненные поэтическими образами. Что касается стиля, то в них стала ярче, рельефнее выделяться городская песенная струя.

Однако композитор не расстался и с крестьянской песенностью. В 1960-е годы пристрастие композитора к этой первооснове народной русской музыки обозначилось еще определеннее. Так, был создан вокальный цикл «Курские песни», который явился вершиной творчества Свиридова тех лет и одним из шедевров советской музыки.

Основой для цикла послужили народные песни Курской области, записанные группой фольклористов и изданные в конце пятидесятых годов. Результатом творческой работы композитора стало это замечательное произведение современности. В «Курских песнях» не проступают черты какой-либо определенной эпохи. Однако в музыке этого произведения нашла отражение жизнь русского народа со всеми его особенностями.

Словно вещий Баян, не спеша, композитор разворачивает перед нами эту жизнь, показывая различные ее грани. Он рассказывает увлеченно, живо и вместе с тем строго, возвышенно, с объективной сдержанностью летописца.

В семи песнях единая драматическая линия с кульминацией и итогом. Причем итог — яркая народная сцена, оптимистическая по характеру.

Чуткое постижение народно-песенного материала позволило композитору создать и особую гармоническую структуру музыкального сопровождения, которое своей емкостью, выразительностью равноценно основной мелодической линии и способствует выявлению смысла, содержания всего целого.

В своем позднем периоде творчества Свиридов словно синтезирует гармонию бытия и тонкость чувств, что создает какую-то еще более невесомую одухотворенность и возвышенность.

Примеры тому — «Весенняя кантата» на слова Некрасова (1972) с ее удивительной легкостью, свежей, как весенняя капель, первой частью, и одно из самых ярких сочинений Свиридова — Три хора из музыки к трагедии А. К. Толстого «Царь Федор Иоаннович» (1973). Здесь интонации старинных культовых песнопений обретают современное звучание и эмоциональную остроту. Музыка эта, пожалуй, близка древним гимнам раннего христианства с их торжественной печалью и глубоким чувством несовершенства человеческого бытия.

Следует отметить и «Концерт памяти А. А. Юрлова» (1973) — своеобразный реквием в трех медленных скорбных частях с очень изысканной и сложной хоровой тканью, вызывающий грустно-светлые воспоминания о выдающемся музыканте. Это страстное, медленное, мучительное отпевание, идущее из самой глубины взволнованного сердца.

В поэме «Отчалившая Русь» (1977), напротив, много контрастов, есть и моменты величаво трагического характера. Но это не картины социальных битв. Все «действие» поднято как бы на космическую высоту. Отсюда и легендарность образов добра и зла, Христа и Иуды.

Образный мир пушкинской поэзии вновь привлекает композитора и вдохновляет его на создание прекрасной музыки. Необыкновенно поэтична музыка к телефильму «Метель» (1974) по Пушкину. Даже не глядя на экран, а только слушая музыку, можно «увидеть» и картины природы, и жанровые сцены, и бал, который весь разворачивается на фоне вальса, в легких «полетных» интонациях которого ощущаются какие-то трагические предчувствия. Сумрачная настороженность чувствуется в музыке к сцене «Венчания». А сразу ставший популярным и часто исполняемым «Романс» внешне напоминает романсы пушкинской поры, но наполненность какими-то роковыми предчувствиями приближает его к развернутой симфонической поэме.

В июне 1979 года, когда отмечалось 180-летие со дня рождения А. С. Пушкина, было впервые исполнено новое сочинение Свиридова «Пушкинский венок» — концерт для хора. Это десять номеров, составляющих единое целое. Десять стихотворений, на которые написаны хоры, по содержанию не связаны между собой — единым целым их делает музыка, возвышенная по настроению и одновременно конкретная в своей образности, а подчас и картинности.

В 1980 году Свиридов пишет маленькая хоровую поэму «Ладога» на стихи Александра Прокофьева, первое исполнение которой состоялось в Большом зале консерватории — сочинение яркое, сочное, праздничное. Та вечно живая народная стихия, без которой не мыслит себя ни один подлинно национальный художник.

Свиридов несет свое понимание народного, в котором так естественно соединены чистота и целомудрие чувств, удаль и грубоватый, крепкий юмор. Народная жизнь черпает мудрость и силу в природе, сама являясь ее частью.

Обращают на себя внимание сочинения на стихи Блока — кантата «Ночные облака» (1979) и хоровой цикл «Песни безвременья» (1980). Свиридов открывает поэта причудливого, со своеобразной диалектикой становления, произрастания нового. Страстные молитвы о совершенстве жизни, картины ясной, светлой весны, зыбкой ночи, тайной любви и многого, что растет во мгле среди неустойчивости и неуютности быстро текущего бытия, все это перекрывается чувством торжественной таинственности и извечной причудливости жизни.

Так, постепенно, вырисовывается основной путь Свиридова — от молодой пылкости через трудные проблемы к философской ясности и просветленности, но везде Свиридов возвышен и герой его велик и красив, всегда Свиридов подчеркивает самое лучшее и высокое в человеке, все патетически приподнято у него!

В современной музыке все больше усложняется музыкальный язык, обостряется диссонантность звучаний. Потому Свиридовская кажущаяся простота в сочетании с новыми интонациями, порождая ясность мысли, прозрачность звучания, кажется особенно ценной. Поиски композитора именно в этом направлении снискали глубокое чувство признательности художнику — за внимание к тому, что есть лучшее в нашем национальном искусстве, в русской народно-песенной стихии.

Лекция № 9. Зарубежная хоровая классика

1. В.А.Моцарт

2. И.С.Бах

Вольфганг Амадей [дэ] Моцарт (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756–1791) — австрийский композитор. Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью. Выступал как клавесинист-виртуоз, скрипач, органист, дирижёр, блестяще импровизировал. Занятия музыкой начал под руководством отца — Л. Моцарта. Первые сочинения появились в 1761. С 6-летнего возраста с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Великобритании, Швейцарии, Италии.

В 1765 в Лондоне исполнены его 1-е симфонии. В 1770 Моцарт некоторое время брал уроки у Дж. Б. Мартини и был избран членом Филармонии, академии в Болонье. В 1769–81 (с перерывами) состоял на придворной службе у архиепископа в Зальцбурге как концертмейстер, с 1779 как органист. В 1781 переехал в Вену, где создал оперы «Похищение из сераля», «Свадьба Фигаро»; выступал в концертах («академиях»). В 1787 в Праге Моцарт закончил оперу «Дон Жуан», тогда же получил назначение на должность «императорского и королевского камерного музыканта» при дворе Иосифа II. В 1788 создал 3 наиболее известные симфонии: Es-dur, g-moll, C-dur.

В 1789 и 1790 выступал с концертами в Германии. В 1791 Моцарт написал оперу «Волшебная флейта»; работал над реквиемом (закончен Ф. К. Зюсмайром). Моцарт был одним из первых композиторов, избравших необеспеченную жизнь свободного художника.

Моцарт наряду с Й. Гайдном и Л. Бетховеном является представителем венской классической школы, одним из основоположников классического стиля в музыке, связанного с разработкой симфонизма как высшего типа музыкального мышления, законченной системы классических инструментальных жанров (симфония, соната, квартет), классических норм музыкального языка, его функциональной организации.

В творчестве Моцарта универсальное значение получила идея динамичной гармонии как принципа видения мира, способа художественного преобразования реальности. Одновременно в нём нашли развитие качества новых для того времени психологической правдивости и естественности. Отражение гармонической целостности бытия, ясность, светоносность и красота сочетаются в музыке Моцарта с глубоким драматизмом.

Возвышенное и обыденное, трагическое и комическое, величественное и грациозное, вечное и преходящее, общечеловеческое и индивидуально-неповторимое, национально-характерное предстают в сочинениях Моцарта в динамическом равновесии и единстве. В центре художественного мира Моцарта — человеческая личность, которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера. Драматургия Моцарта основана на раскрытии многоплановости контрастных музыкальных образов в процессе их взаимодействия.

В музыке Моцарта органично претворён художественный опыт разных эпох, национальных школ, традиций народного искусства. Большое воздействие оказали на Моцарта итальянские композиторы 18 в., представители мангеймской школы, а также старшие современники Й. Гайдн, М. Гайдн, К. В. Глюк, И. К. и К. Ф. Э. Бахи. Моцарт ориентировался на созданную эпохой систему типизированных музыкальных образов, жанров, выразительных средств, подвергая их вместе с тем индивидуальному отбору и переосмыслению.

Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластической гибкостью, кантиленностью, богатством, изобретательностью мелодии, взаимопроникновением вокального и инструментального начал. Моцарт внёс огромный вклад в развитие сонатной формы и сонатно-симфонического цикла.

Моцарту свойственно обострённое чувство тонально-гармонической семантики, выразительных возможностей гармонии (использование минора, хроматизмов, прерванных оборотов и др.). Фактура произведений Моцарта отличается разнообразием сочетаний гомофонно-гармонического и полифонического склада, форм их синтеза. В области инструментовки классическая уравновешенность составов дополняется поиском различных тембровых комбинаций, персонифицированной трактовкой тембров.

Моцарт создал свыше 600 произведений различных жанров. Ведущие жанры инструментальной музыки Моцарта — симфонии, камерные ансамбли, концерты. Симфонии Моцарта довенского периода близки бытовой, развлекательной музыке того времени. В зрелые годы симфония приобретает у Моцарта значение концепционного жанра, складывается как произведение с индивидуализированной драматургией (симфонии D-dur, Es-dur, g-moll, C-dur).

Моцарту принадлежит большое число произведений других жанров, в т. ч. песен, арий, бытовой музыки для оркестра и ансамблей. Из поздних образцов наиболее известна «Маленькая ночная серенада» (1787). Хоровая музыка Моцарта включает мессы, литании, вечерни, оффертории, мотеты, кантаты, оратории и др.; среди выдающихся сочинений: мотет «Ave verum corpus», реквием.

Иоганн Себастьян БАХ (1685 -1750) принадлежал к многочисленному роду Бахов из Тюрингии, давшему на протяжении 17-18 веков несколько поколений музыкантов. Пользуясь славой органиста, Бах при жизни не привлек достаточного внимания как композитор. Его биография, типичная по внешним событиям для рядового немецкого музыканта 18 века, находится в противоречии с его гениальным творчеством, являющимся одной из вершин философской мысли в музыке.

У Баха обобщены и завершены почти все значительные течения предшествующего полуторавекового периода. В творчестве Баха нашли отражение хоровая полифония эпохи Возрождения, протестантский хорал, немецкая песня, вокально-инструментальные духовные произведения Г.Шюца, итальянская и немецкая органная музыка, итальянская опера и итальянская скрипично-ансамблевая и оркестровая школа, немецкая оркестровая сюита, ведущая происхождение от инструментальной школы Ж. Люлли, французская клавесинная музыка, итальянская клавирная школа и английская музыка. Однако язык Баха неизмеримо более выразителен и более сложен, чем у его предшественников. Продолжая внешне оставаться в рамках определенных жанров, он обогащал их чертами, заимствованными из других жанров и видов музыкального творчества.

Под влиянием оперы в творчестве Баха появился новый вид полифонии - на гармонической основе, определились характер инструментального тематизма и принципы развития хоровой и сольной вокальной и инструментальной музыки и, что особенно важно, суровая музыка лютеранства преобразилась в лирико-драматическое искусство, отмеченное необычайной эмоциональной силой.

Бах обогатил традиционные итальянские формы концерта для скрипки и для клавира, ввел в них полифонию. Особенности полифонических жанров, в свою очередь, оказали влияние на традиционный облик скрипичной итальянской литературы (контрапункт, использование принципов имитационной разработки). Скрещивание многоголосной линеарности с гармонической аккордовой структурой породило в произведениях Баха неведомое до него богатство созвучий. На ясный функциональный план классической гармонии наслаиваются сложные хроматические последования, далекие аккордовые сопоставления.

Интонационный строй музыки Баха родствен музыке многих его предшественников - Д.Букстехуде, И.Пахельбеля, Я.П.Свелинка и Дж.Фрескобальди, а также композиторов А.Вивальди, Дж.Легренци, А.Корелли, Г.Ф.Генделя, Г.Ф.Телемана, Г.Перселла, представителей болонской школы 17 века. Ощетимы черты сходства вокальных мелодий Баха с мелодикой оперных арий. Вместе с тем в каждой детали музыкального языка Баха сосредоточена индивидуальная выразительность. при всей явной принадлежности своему времени, музыка Баха выходит за рамки его эпохи, предвосхищая более поздние музыкальные стили.

Композитор превзошел всех своих предшественников и в мастерстве формы. В его творчестве достигнута вершина полифонического искусства после нидерландской школы. Приемы полифонического развития, разработанные этой школой, сочетаются в творчестве Баха с выразительными возможностями гомофонии. Произведения Баха отличаются единством всех элементов, уравновешенной, связанной крепкой внутренней логикой музыкальной структурой, строгой архитектоникой, бесконечным разнообразием приемов варьирования одного и того же материала. Строгость и стройность архитектоники являются столь же важными чертами стиля Баха, как и поэтическая атмосфера и яркая эмоциональная выразительность его произведений.

Дата добавления: 2014-01-07