Высокое Возрождение

Формирование искусства Высокого Возрождения началось на исходе XV века. Колыбелью его была Флоренция, откуда вышли такие крупнейшие мастера, как Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Леонардо да Винчи (1452—1519). Имя Леонардо да Винчи еще при жизни художника было окружено легендами. Его необычайная и разносторонняя одаренность вызывала изумление и восхищение современников. Леонардо оставил немного живописных произведений, возможно из-за того, что научные интересы поглощали его время и силы.

Судьба Леонардо типична для беспокойного времени, наступившего в Италии в конце XV — начале XVI столетия. Большую часть жизни он провел в скитаниях. Формирование Леонардо как художника и ранний этап его деятельности связаны с Флоренцией. Сын нотариуса из расположенного неподалеку от нее местечка Анкиано близ Винчи, Леонардо еще мальчиком приехал во Флоренцию, где поступил в 1469 году в мастерскую известного скульптора и живописца Андреа дель Верроккио. Как было принято, Леонардо, вместе с другими учениками, помогал своему учителю в выполнении его заказов. Полагают, что он написал левую фигуру ангела в картине Верроккио «Крещение Христа» (около 1476 г.,).

Одним из самых ранних дошедших до нас самостоятельных произведений Леонардо является «Мадонна с цветком» (около 1478 г.) У Леонардо сюжет превращается в воплощение материнской радости и любви.

Во время пребывания в Милане, между 1495 и 1498 годами, Леонардо написал фреску «Тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие, занимающую всю ширину торцовой стены помещения. В «Тайной вечере» Леонардо открыл для искусства новую область — область психологического конфликта. Леонардо впервые попытался истолковать «Тайную вечерю» не только как реальное событие, но и как драматический момент разоблачения и осуждения предательства. Создание «Тайной вечери» стало собы­тием в художественной жизни Италии. Молодые художники во множестве стека­лись в Милан, чтобы посмотреть произве­дение Леонардо. Не меньшее восхищение вызывало оно и у последующих поколений.

Около 1503—1506 годов Леонардо написал портрет Моны Лизы Джоконды, жены богатого флорентийского купца. Леонардо хранил этот портрет у себя до самой смерти, и хотя это был лишь обычный портрет молодой флорентийки Лизы, его вскоре наделили особым, интимным значением. Его можно считать также своего рода художественным завещанием мастера.

Леонардо умер во Франции 2 мая 1519 года, оплаканный друзьями и почитателями. Он оставил несколько учеников, усвоивших многие его приемы, однако ни один из этих художников не достиг величия своего учителя.

Рафаэль (1483-1520). Его искусство, отмеченное чертами счастливого равновесия разума и чувств, реальности и идеала, безупречной ясностью композиции и форм, стало совершеннейшим воплощением классического стиля Высокого Возрождения. Рафаэль был сыном придворного живописца Урбино Джованни Санти. Вероятно, он учился сначала у отца. Около 1500 года он уехал в Перуджию и провел там четыре года в мастерской Пьетро Перуджино.

Однако, изучая произведения Леонардо и Микеланджело, а подчас даже подражая им, Рафаэль не был подавлен их величием и сумел найти собственный путь. Именно во время пребывания во Флоренции он написал ряд «Мадонн», создавших ему широкую известность и выдвинувших его в первый ряд итальянских художников.

В 1508 г. он уехал в Рим. Ему было в то время 25 лет. В Риме протекает последний и самый блестящий период его творчества (1508— 1520 гг.). В Риме Рафаэль работал над украшением Ватикана, и прежде всего, над оформлением папских апартаментов в Ватикане, так называемых Станц (прямоугольные помещения около 8х10 м).

Первую комнату он украсил знаменитой фреской «Афинская школа» В ней представлены философы и ученые древнего мира, но не одной «школы». Они жили в разное время, в разных местах и принадлежали к различным направлениям. Появление в папских покоях изображений мыслителей языческой древности говорит о проникновении гуманистического влияния в главную цитадель католичества.

Огромный успех этих росписей принес Рафаэлю множество заказов. Одна из них «Сикстинская мадонна» — одно из самых вдохновенных произведений художника. В этой картине Рафаэлю, может быть, в большей мере, чем где-либо, удалось соединить жизненную правдивость образа с возвышенностью идеального совершенства. Заваленный многочисленными заказами, Рафаэль в последние годы жизни вынужден был все больше привлекать к их исполнению своих помощников и учеников.

Микеланджело ( 1475—1564). Одна из художественных произведений распись фресками плафон Сикстинской капеллы в Ватикане. В течение 26 месяцев (на протяжении 1509—1512 годов) один, без помощников, Микеланджело расписал весь свод, общей площадью свыше шестисот квадратных метров, создав самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения. Всего в Сикстинском плафоне насчитывают 343 фигуры. Роспись Сикстинского плафона представляет собой как бы гимн совершенному человеку, его силе, мужеству, красоте. Микеланджело закончил плафон осенью 1512 года.

Искусство Высокого Возрождения не исчерпывается именами великих мастеров. Одновременно с ними во Флоренции и некоторых других городах Италии работали художники, в творчестве которых нашли выражение принципы искусства Высокого Возрождения.

Среди них следует назвать флорентийского живописца Фра Бартоломео (1472—1517), яркого и одаренного мастера, работами которого вдохновлялись Рафаэль и в особенности Андреа дель Сарто. Родоначальник искусства Высокого Возрождения в Венеции – Джордже да Кастельфранко, прозванный Джорджоне (1476—1510). Джорджоне пишет картины на мифологические и литературные темы, а также портреты, вводит в живопись изображение нагого тела, передает в пейзаже состояние природы. Ранний период творчества Джорджоне завершается картиной «Три философа» (около 1508 г.) в которой он смело ввел в живопись новый светский сюжет. Джорджоне умер в 1510 году во время эпидемии чумы в расцвете творческих сил.

Тициан (конец 1480-х гг. — 1576). Если Джорджоне положил начало искусству Высокого Возрождения в Венеции, то расцвета оно достигает в творчестве Тициана.

В произведениях этого автора появляются черты торжественности, композиции становятся динамичнее и богаче. Значительнейшим произведением этого периода является картина «Вознесение Богоматери» (1516—1518 гг.). В ней впервые появляются монументальность и пафос, каких не знало до того искусство Венеции.

Тициан много работает как портретист. Его ранние портреты отличаются сдержанностью и простотой, обладая вместе с тем чертами достоинства и величия. Среди них выделяется обаянием и поэтичностью изображение «Юноши с перчаткой» (ок. 1520 г.) — воплощение идеального и возвышенного образа, наделенного духовным богатством.

Тициан был одним из создателей портретного жанра. Он писал парадные портреты, но при всей парадности изображения главным для Тициана всегда остается индивидуальность и внутренний мир человека.

Последние годы жизни после возвращения из Аугсбурга Тициан безвыездно живет в Венеции. Последние произведения Тициана принадлежат уже Позднему Возрождению.

ИСКУССТВО ПОЗДНЕГО ВОЗРОЖДЕНИЯ

Захват и разграбление Рима испанскими войсками (1527 г.) и падение республики во Флоренции (1530 г.) открыли новый этап в истории Италии XVI столетия. К быстро углублявшемуся экономическому кризису присоединилась и политическая реакция.

Наступление на Реформацию, гуманизм и свободомыслие сопровождалось давлением на художников. Со времени Тридентского собора церковь взяла искусство под свой контроль. Теперь от него стали требовать прежде всего каноничности и ортодоксальности.

В этих условиях искусство Италии переживало тяжелый кризис. Крушение гуманистических идеалов нанесло смертельный удар Высокому Возрождению. Пришедшее ему на смену искусство не было однородным. Столкнувшись с новой действительностью, неизмеримо более драматичной, противоречивой и сложной, чем она представлялась в недавнем прошлом, итальянские художники по-разному восприняли ее. И все же можно свести все многообразие искусства к двум основным направлениям.

Первое направление представлено в творчестве крупнейших художников второй половины XVI века и сохраняет ренессансную основу. В произведениях этих художников продолжает звучать тема героической личности, вступающей в борьбу со злом, сохраняется чувство реальности бытия. К этому направлению принадлежат немногие, но зато крупнейшие мастера, большей частью старшего поколения, застигнутые кризисом в расцвете творчества, как Микеланджело и Тициан. В Венеции, занимающей особое положение в художественной культуре Италии XVI века, это направление представлено и художниками младшего поколения — Веронезе, Тинторетто, Бассано.

Ко второму направлению принадлежат очень разные мастера. Основной объединяющей их чертой является субъективное восприятие мира. Они глубоко разочарованы и не признают реальность. Их отношение к наследию Ренессанса сложно. Многие из них были учениками великих мастеров Высокого Возрождения и считали себя их продолжателями, все они преклонялись перед Микеланджело. Но они руководствовались отвлеченной «идеей», подменяя живое изображение эффектной и виртуозной игрой форм. Это направление, распространившееся во второй половине XVI века не только в Италии, но и во многих других европейских странах, получило наименование «маньеризм».

Искусство маньеризма.

Ранний маньеризм (1520—1540-е годы). Искусство первого поколения маньеристов полно драматической напряженности. Воплощенный в их произведениях мир не подчиняется более законам объективной реальности — нарушается пространственность, фигуры деформируются, вытягиваются и причудливо изгибаются, предметы утрачивают массу и тяжесть. Краски не передают более реальных цветов, их неожиданные сочетания обладают самостоятельной экспрессией.

Первые симптомы этого кризиса могут быть отмечены в искусстве Флоренции уже в 1520-х годах. Ранее всего они обнаруживаются в творчестве Якопо Понтормо (1494—1556) – в его произведениях появляются признаки внутреннего разлада. Он постепенно отходит от традиции Ренессанса. Очень показа­тельна в этом отношении одна из лучших картин художника — «Снятие с креста». (1528 г.).

К этому же периоду принадлежит творчество одного из крупнейших художников маньеризма — пармского живописца Франческо Маццола, прозванного Пармиджанино ( 1503—1540). Произведения зрелой поры его творчества, в частности, «Мадонна с длинной шеей» — знаменуют создание рафинированного аристократического идеала красоты.

Искусство зрелого маньеризма. (1540—1590-е гг.). В 1540-х годах искусство маньеризма вступает в новую фазу развития и приобретает официальный придворный характер. Художники стремятся отгородиться от жизни. В искусстве утверждается идеал аристократического изящества, основанный на произвольных нормах эстетического вкуса.

Это искусство процветает при многих небольших дворах Северной и Средней Италии, но главными его центрами остаются Флоренция и Рим. Во Флоренции во времена герцога Козимо Медичи видную роль играл придворный художник Аньоло Бронзино (1503—1572). Он оставил много фресковых росписей, картин и портретов. Одна из работ изображает дочь Козимо Медичи. У Бронзино в этой работе полностью отсутствует сентиментальное чувство, обычное для детских портретов, — он предпочитает изобразить молоденькую девушку-подростка замкнутой и серьезной, скованной костюмом, словно застывшей, акцентируя внимание на эмблеме Медичи.

Во второй половине XVI века в Италии наблюдается широкое распространение маньеризма, который становится господ­ствующим направлением в искусстве.

Единственным художественным центром, устоявшим против господства маньеризма, была Венеция

В середине XVI столетия венецианская живопись по-прежнему находится в цветущем состоянии, однако характер ее меняется.

Паоло Веронезе (1528—1588)—художник праздничной, нарядной и богатой Венеции. Это мастер больших алтарных картин и монументальных росписей, в которых главным действующим лицом является блещущая разнообразием красок шумная и подвижная толпа его сограждан. Образы реальной жизни, современные костюмы, богатая венецианская архитектура превращают его картины и росписи в изображение современной Венеции. Таков «Пир в доме Левия» и (1573 г.). Именно из-за слишком светской трактовки этой последней картины у художника и возникли неприятности с инквизицией, которые, впрочем, были быстро улажены. В тот момент инквизиция еще не обладала в Венеции таким могуществом, какое она приобрела в других районах Италии.

Другая работа Веронезе, созданная в 1571 году, посвящена последней большой победе Венеции над турецким флотом в битве при Лепанто.

Творчество Веронезе завершает искусство Позднего Возрождения. Интерес художника к жанровым, индивидуальным, конкретным мотивам, его эффектные декоративные решения вплотную подводят его к проблемам искусства XVII в.

Тинторетто (1518—1594). В противоположность радостным, праздничным картинам и росписям Веронезе произведения Тинторетто проникнуты духом тревожности. Он гораздо острее, чем большинство его современников, чувствовал трагизм своей эпохи, и искусство его отразило близость грядущих перемен.

В произведениях Тинторетто исчезают внешняя театральность, сложные ракурсы и необычные эффекты перспективы. Теперь большую роль в них начинают играть контрасты масс света и тени. Тема «Тайной вечери» проходит через все творчество Тинторетто. Не менее восьми раз обращался он к ней в разное время. Ранний вариант ее еще близок к традиционному решению: обстановка богатого дома, длинный стол, параллельный картинной плоскости, симметрично расположенные фигуры, сидящий на переднем плане Иуда с кошельком в руке. Возвратившись к теме, много раз привлекавшей его, он в конце жизни решает ее иначе, чем раньше. Не драматический конфликт, не раскрытие предательства являются содержанием картины, а вызванное словами Христа волнение апостолов., Тинторетто в своей работе «Тайная вечеря» для церкви Сан Джордже Маджоре пытается соединить противоположности: момент совершения чуда и бытовую сцену (суетится хозяин таверны, кошка заглядывает в корзину со съестным). В этой попытке объединения реального и мистического Тинторетто близко подходит к противоречивой сложности формирующегося искусства XVII века.

Тинторетто умер в 1594 году в возрасте 76 лет. В последние годы он был одним из самых прославленных художников Европы.

Очерк V. Искусство «Северного Возрождения»

Немецкое искусство более тесно связано с действительностью,

и действительность для его нечто иное.

(Г. Вельфлин)

Под «северным Возрождением» принято подразумевать культуру XV-XVI столетий в европейских странах, лежащих севернее Италии. Этот термин достаточно условен. Его применяют по аналогии с итальянским Возрождением, но если в Италии он имел прямой первоначальный смысл – возрождение традиций античной культуры, то в других странах в сущности, ничего не «возрождалось»: там памятников и воспоминаний античной эпохи было немного. Искусство Нидерландов, Германии и Франции (главных очагов северного Возрождения) в XV веке развивалось как прямое продолжение готики, но в сторону «мирского».

Конец XV и XVI столетие были для стран Европы временем громадных потрясений, самой динамичной и бурной эпохой их истории. Повсеместные религиозные войны, борьба с господством католической церкви – Реформация, переросшая в Германии в грандиозную Крестьянскую войну, революция в Нидерландах, драматический накал на исходе Столетней войны Франции и Англии, кровавые распри католиков и гугенотов во Франции. Казалось бы, климат эпохи мало благоприятствовал становлению ясных и величавых форм Высокого Ренессанса в искусстве. Все это нашло отражение в северном Возрождении. Однако мы не можем отрицать влияние на северное возрождение, как гуманистических идей, так и итальянских достижений.

По сути дела сплав итальянских влияний с самобытными готическими традициями составляет своеобразие стиля северного Возрождения. Главная же причина, по которой термин «Возрождение» распространяется на всю европейскую культуру этого периода, заключается в общности внутренних тенденций культурного процесса.

В формировании немецкого Возрождения немалую роль сыграл экономический фактор: развитие горного дела, книгопечатания, текстильной промышленности. Все более глубокое проникновение в хозяйство товарно-денежных отношений, включенность в общеевропейские рыночные процессы касались больших масс людей и меняли их сознание. В раздробленной на сотни крохотных феодальных государств Германии было объединяющее начало: ненависть к католической церкви, обложившей страну поборами и обременительными регламентациями духовной жизни. Поэтому одно из главных направлений борьбы за «царство Божие на земле» – борьба с папством за реформирование церкви.

Иеронимус Босх

Среди видов художественной деятельности лидировала – как и в итальянском Возрождении – живопись. Первым в ряду великих мастеров этого периода должен быть назван Иеронимус Босх. Его творчество подводит итог достижениям средневековой живописи и служит прологом Возрождения. В картинах Босха, написанных большей частью на религиозные сюжеты, поражает объединение мрачных средневековых фантазий и символов с элементами фольклора и точными реалистичными деталями. И даже самые страшные аллегории выписаны с таким удивительно народным калоритом, что производят жизнеутверждающее впечатление. Никто из последующих мастеров живописи во всем мире не будет писать столь фантастические, граничащие с безумием образы.

Альбрехт Дюрер

Крупнейшим мастером Северного Возрождения в изобразительном искусстве был Альбрехт Дюрер. Он оставил колоссальное наследие: картины, графические работы, статьи, переписку. На творчество Дюрера оказали влияние итальянские мастера: он любил бывать в Италии, особенно в Венеции. Однако специфика видения мира Альбрехта Дюрера состоит в поисках возможности наиболее объективно отразить мир, ему был чужд итальянский идеализирующий реализм, он стремился добиваться от живописи и рисунка полной достоверности. Этим пафосом проникнуты его автопортреты, особенно карандашные в письмах к брату, сюда же можно отнести и портрет матери перед смертью. Глубины графики Дюрера можно попытаться понять через расшифровку средневековых символов, которые у него действительно встречаются. Но искать разгадки этих завораживающих изображений нужно в эпохе реформации. Может быть, листы его гравюр ярче всего отразили стойкость духа людей этого времени, их готовность отвергнуть любые искусы, их горестные измышления о горестном результате войны. Именно об этом думаешь, глядя на его «Всадника Апокалипсиса», «Меланхолию». Есть в творчестве Дюрера лирическое начало. Сюда можно отнести нежнейшую по колориту картину «Праздник розовых венков», цикл гравюр «Жизнь Марии», вдохновивший в XIX веке Рильке на цикл стихов. В XX веке композитор Хиндемит создал на эти стихи цикл романсов. Вершиной творчества Альбрехта Дюрера явилось грандиозное изображение четырех апостолов, подлинный гимн человеку, одной из самых ярких выражений Возрожденческого гуманизма.

Лукас Кранах Старший

Неотъемлемо от этой эпохи и творчества Лукаса Кранаха Старшего. Его мадонны и другие библейские героине – явные горожанки и современницы художника. Одной из его лучших работ является новаторски написанное «Распятие». Резко асимметричная композиция, необычные ракурсы традиционных фигур, насыщенность колорита производят впечатление смятенности, предчувствия общественных потрясений.

Грюневальд

Матис Нитхард, известный также под именем Грюневальд (1470-75 – 1528), поражает богатством и яркостью религиозных фантазий, экстатичностью, изобретательной композицией. Главный труд Грюневальда – «Изенгеймский алтарь». Изображение Марии с младенцем вписано в многофигурную праздничную композицию с ангелами, играющими для них на музыкальных инструментах. По контрасту с этой светлой сценой написано «Распятие», мрачное и натуралистичное. Образ Христа-простолюдина, много ходившего босиком, изможденного, близкого к агонии, ассоциируется с участниками крестьянской войны.

Ганс Гольбейн Младший

Одним из лучших портретистов этого периода может считаться Ганс Гольбейн Младший (1497-1543). Ему принадлежат портреты Эразма Роттердамского и астронома Николаса Кратцера, Томаса Мора и Джейн Сеймур, трактующие образы современников как людей, полных достоинства, мудрости, сдержанной духовной силы. Им также созданы замечательные иллюстрации к Библии и «Похвале глупости», цикл гравюр «Пляски смерти».

Альбрехт Альтдорфер

Своеобразной индивидуальностью было также отмечено творчество главы дунайской школы живописи Альбрехта Альтдорфера (1480-1538). Ему принадлежит приоритет в формировании жанра пейзажа. Однако самой интересной его картиной остается «Битва Александра с Дарием» (1529). Батальной сцене на Земле вторят соперничающие на небе Солнце, Луна и тучи. Картина наполнена множеством декоративных деталей, изыскана по колориту, восхитительна по своему живописному мастерству. К тому же это одна их первых написанных маслом батальных сцен, так что Альтдорфер может считаться основоположником еще одного живописного жанра.

Дата добавления: 2014-10-31