Зрелое творчество. Сценические кантаты

Центральный период творчества Орфа начинается в середи­не 30-х годов, уже после нацистского переворота, и охватыва­ет примерно два десятилетия. Композитор приходит к главно­му своему жанру – музыкальному театру, обобщая найденное в вокальных сочинениях и педагогической практике предше­ствующего периода. Возникают наиболее популярные его сочи­нения: сценические кантаты, комедии и трагедии, составляю­щие новаторский театр Орфа.

Произведения синтетического жанра известны и у других композиторов XX века (правда, у тех они не образуют столь последовательно развивающейся линии и нередко соседствуют с оперой). В своих исканиях Орф мог опереться на различные образцы. В их числе – «Мученичество святого Себастьяна» Дебюсси, в основе которого лежит драма Г. д'Аннунцио на сти­лизованном в старинном духе французском языке, с действием, представляемым средствами пантомимы, а также первая редак-

¹ Идею театральной постановки «Страстей по Матфею» Баха ранее вы­двигали Бузони и английский режиссер Гордон Крэг.

ция «Ариадны на Наксосе» Р. Штрауса, где опера на античный сюжет сочетается с комедией Мольера «Мещанин во дворян­стве». Большую роль должны были сыграть сочинения столь высоко ценимого Орфом Стравинского, появления которых, по собственному признанию, он всегда ждал с нетерпением («каж­дая новая партитура Стравинского для меня открытие», -говорил композитор). Это синтетические действа «Байка про лису, кота да барана», «Свадебка», «Сказка о солдате» и опера-оратория на латинский текст «Царь Эдип» с чтецом-спи­кером, разъясняющим происходящее по-французски; почти од­новременно с первой сценической кантатой Орфа Стравинским была написана «Персефона» – мелодрама с танцами и пан­томимой. Тогда же появилась «Жанна д'Арк на костре» Онег­гера – оратория, рассчитанная на сценическое воплощение, с драматической актрисой в главной роли.

Обрамляют центральный период творчества Орфа две сце­нические кантаты: «Carmina Burana» (1936), которая выдвину­ла его в число композиторов европейского масштаба, и «Три­умф Афродиты» (1951), где Орф в последний раз использовал симфонический оркестр. «С "Carmina Burana" начинается мое собрание сочинений», – утверждал композитор, заявив после премьеры (1937) издателю: «Все, что я до сих пор написал, а вы, к сожалению, издали, можете уничтожить»¹.

«Carmina Burana» («Бойренские песни» — от на­звания монастыря бенедиктинцев в Баварских Альпах) латинское наименование рукописного сборника XIII века, дан­ное в 1847 году его издателем И. А. Шмеллером, известным лингвистом, знатоком баварского диалекта, «баварским Яко­бом Гриммом» (позже Орф обращался к его Баварскому слова­рю при работе над драмой «Бернауэрин»). Сборник включает более двухсот пятидесяти текстов на средневековой латыни, старонемецком и старофранцузском языках. Все они принадле­жат вагантам – странствующим средневековым поэтам (сту­дентам, школярам, беглым монахам и др.), которые воспевали земные радости, прославляли любовь, вино и античных богов, осмеивали аскетическую церковную мораль (предвосхищая мотивы эпохи Возрождения), за что постоянно подвергались

¹ С 1923 года все произведения Орфа публиковало знаменитое издатель­ство Шотта в Майнце.

преследованиям церкви, считавшей их еретиками, привержен­цами сатаны. Однако в поэзии вагантов присутствовал и мотив бренности всего земного, непрочности человеческого счастья, олицетворением чего служило колесо Фортуны – излюбленная аллегория моралите, средневековых нравоучительных представ­лений. Внимание Орфа сразу же привлекло открывавшее сборник изображение колеса Фортуны, в центре которого -богиня удачи, а по краям — четыре человеческие фигуры с ла­тинскими надписями: «Я буду царствовать» — «Я царствую» -«Я царствовал» — «Я есмь без царства».

Композитор отобрал двадцать четыре текста, преимуще­ственно на средневековой латыни, но также на средневековом немецком и старофранцузском – от нескольких куплетов до одной строки. Сочинение музыки заняло менее месяца, а рабо­та над партитурой — более двух лет. Все тексты оставлены без перевода, ибо Орфа волновали «захватывающий ритм и кар­тинность стихов, напевность и единственная в своем роде крат­кость латыни». И авторское определение жанра «Carmina Burana» – также латинское: «cantiones profanae cantoribus et choris cantandae comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis» – «светские песни для певцов и хора в сопровожде­нии инструментов с представлением на сцене». В подавляющей части номеров участвуют хоры (большой, малый, хор маль­чиков). Состав оркестра - тройной симфонический, с рас­ширенной ударной группой и двумя фортепиано¹. Сценическое представление не предполагало последовательного развития сюжета, взаимоотношений конкретных героев; по определению А. Лиса, первого исследователя творчества Орфа, «эта теат­ральная фантазия – не сюжетная драма, а статический театр живых картин».

В соответствии с группировкой народных текстов пролог и каждая из трех частей кантаты посвящены раскрытию одной поэтической темы. Пролог (№ 1—2), носящий название «Фор­туна — повелительница мира», утверждает безраздельную власть судьбы – Фортуны, изменчивой, как луна. Первый хор

¹ Двадцать лет спустя Орф сделал редакцию «Carmina Burana» для лю­бительских – школьных, студенческих – хоров в сопровождении двух фортепиано и ударных (по аналогии со второй сценической кантатой «Пес­ни Катулла» и новым изданием «Шульверка», законченным в 1954 году).

не только обрамляет всю кантату, будучи полностью повторен в эпилоге (№ 25), но и содержит интонационное зерно, которое затем прорастает во многих номерах. Вступительный четырех­такт-эпиграф – мерные, тяжеловесные аккорды хора и всего оркестра на остинатном басу – построен на оборотах фри­гийского тетрахорда, символизирующего власть судьбы и яв­ляющегося основой всего первого номера:

Здесь сконцентрированы типичные черты зрелого стиля Орфа. Мелодика диатоническая, без распевов, с преимуще­ственно секундовым движением. Гармония построена на аккор­дах секундово-квартовой структуры с выдержанным тоном. Фортепианная звучность играет ведущую роль, причем фор­тепиано трактуется как ударный инструмент. Равномерное движение крупными длительностями с обилием остинато -мелодических, гармонических, ритмических – создает особую напряженность. Простая строфическая форма обладает заво­раживающей силой неуклонного нарастания — благодаря уско­рению темпа, усилению динамики, повышению вокальной и инструментальной тесситуры, уплотнению фактуры, вклю­чению медных и ударных инструментов и, наконец, смене ми-

нора на одноименный мажор в коде. Такие приемы, уходящие своими корнями в архаические фольклорные заклинания, сбли­жают Орфа со Стравинским или Бартоком.

№ 2 образно и интонационно близок к предыдущему – это простая куплетная хоровая песня с унисонным запевом, припе­вом в терцию и плясовым оркестровым отыгрышем.

Первая часть кантаты (№ 3—10), озаглавленная «Ранней весной», рисует пробуждение природы, любовное томление и резко контрастирует с прологом. Однако начальные хоры -№ 3 («Весна приближается») и № 5 («Вот благая долгожданная весна») роднит с прологом мелодический оборот фригийского лада и общность выразительных средств. Оркестровка ти­пична для Орфа: примечательны отсутствие струнных при большом значении ударных и челесты (№ 3), колокольность, звончатость (№ 5).

В сцене «На лугу» (№ 6—10) наряду с латынью использован старонемецкий язык и в музыке отчетливо ощущается опора на баварские народно-танцевальные истоки (ритмическая перемен­ность, напоминающая о баварских цвифахерах, трехдольность, ассоциирующаяся не только с австрийским лендлером, но и с баварским дреером). В оркестре – при возросшем значении струнных и исчезновении тембра фортепиано — слышится гру­боватое звучание деревенского инструментального ансамбля, в хорах – звукоподражания. Всю сцену объединяют общие интонационные обороты и тональность C-dur: в ней написаны № 6, 9, 10, а расположенные между инструментальными танца­ми хоры № 7 и 8 – в тональности доминанты, G-dur. К тому же № 10 носит итоговый, финальный характер.

Резкий контраст образует самая краткая, вторая часть «В кабаке». Это картина буйного веселья бесшабашных ваган­тов, не помышляющих о спасении души, а услаждающих плоть вином и игрой в кости. Темная звучность только мужских голо­сов (хор и два солиста – баритон и тенор-альтино), использо­вание лишь минорных тональностей роднят эту часть с прологом, причем вариант нисходящего фригийского тетрахорда-эпиграфа приобретает здесь еще более роковой характер, сближаясь с известной средневековой секвенцией «Dies irae» (пример 116).

№ 11, «Пылая изнутри» (на текст «Исповеди» знаменитого ваганта Архипиита Кёльнского), – большое соло баритона, представляющее собой многоплановую пародию: и на пред-

смертное покаяние с оборотами «Dies irae», и на героическую оперную арию (с высокими нотами, которые выпеваются на ritenuto, с эффектным октавным скачком в заключительном кадансе, с маршевым пунктирным ритмом, впервые появ­ляющимся здесь). Прямая пародия на погребальные плачи -следующий далее «Плач жареного лебедя»: это куплеты тенора-альтино с гротесковой мелодической линией (пример 117) и ироническим кратким хоровым припевом.

За предсмертной исповедью и оплакиванием следует столь же пародийная проповедь — № 13 («Я – аббат»). Это соло ба­ритона в духе церковной псалмодии без сопровождения, не упорядоченной тактовыми чертами; в паузах вступает хор (с криками «караул!») и оркестр (медь и ударные), звучание которого напоминает разнообразные колокола.

Финал второй части, хор № 14 («Когда мы в кабаке»), -кульминация разгула. Бесконечное повторение одной-двух нот, рожденное повторами текста (например, на протяжении шест­надцати тактов двадцать восемь раз фигурирует глагол «bi-bit» – «пьет»), в сопоставлении со скачками на октаву и нону; длительные остинато, нарастания звучности, уплотнение факту­ры, постепенное завоевание верхнего регистра; господство ми­нора, сменяющегося в коде одноименным мажором, – все эти приемы сближают финал второй части с прологом и эпилогом. Так в трехчастной композиции кантаты обнаруживаются чер­ты рондальности, что подчеркнуто и тональным планом (мело­дия хора № 14 начинается в d-moll, аналогично № 1, 2 и 25).

Третьей части, самой светлой и восторженной, Орф дал галантный французский заголовок «Двор любви». Эта часть резко контрастирует предыдущей и перекликается с первой -не только по настроению, но и по построению (два раздела, в первом – три номера)¹. Оркестровое вступление к № 15 («Амур летает повсюду») с переливами высоких деревянных инструментов, с фортепиано в верхнем регистре родственно началу первой части – вступительным тактам № 3, а № 16 («День, ночь и все мне ненавистно») образует арку с № 4. Близок и их исполнительский состав (№ 4 – соло баритона в сопровождении виолончелей, № 16 – соло баритона с квар­тетом струнных), и народный тип мелодии, четко членящейся на двутакты, с обилием вариантных попевок. Однако в третьей части выражение любовных чувств более индивидуализирова­но: если в первой части № 4 был единственным соло, то здесь сольные номера многочисленны, а в первом разделе следуют друг за другом. Появляются и новые, впервые используемые в № 15 нежные вокальные краски: прозрачное соло сопрано, удвоенное флейтой пикколо, на фоне пустых квинт челесты и струнных, обрамлено унисонным хором мальчиков. Два после­дних сольных номера (№ 16 и 17) тесно связаны между собой общей тональностью, ритмическим и гармоническим остинато аккомпанемента (этот синкопированный ритм неоднократно

¹ В третьей части разделы формально не обозначены, однако контраст между тремя начальными номерами и последующими эпизодами очевиден.

варьируется во многих номерах – от конца пролога до № 22, нередко ассоциируясь с образом рока)¹.

Последний раздел третьей части (№ 18—24), где на смену нежной лирике приходят более бурные и откровенные излия­ния любви, строится на контрастном чередовании развернутых хоровых номеров со звонким аккомпанементом (при неизмен­ном участии ударных и фортепиано) и кратких соло и ансам­блей — a cappella или с камерным сопровождением (без форте­пиано и ударных). При этом три первых номера объединены некоторыми общими мелодическими и фактурными приемами изложения (параллельные трезвучия, антифонные переклички). Таковы № 18 («В груди моей») — запев баритона на латинском языке с хоровым припевом на старонемецком, № 19 («Если парень с девицей») — мужской секстет a cappella и № 20 («При­ходи, приходи же») – два шестиголосных хора с аккомпане­ментом двух фортепиано и большой группы ударных. После­дующие контрасты резче. Два лирических соло сопрано -№ 21 («На неверных весах сердца»), целиком звучащий на pianissimo, и № 23 («Нежнейший мой»), свободная каденция с предельно высокими нотами почти без сопровождения, -разрываются двойным хором с солистами № 22 («Время прият­но»), который продолжает шумное веселье, звучавшее в № 20. Новой ступенью массового ликования, его кульминацией слу­жит финал, № 24 («Бланшефлёр и Елена»; в этом заголовке объединены имена знаменитых красавиц средневековья и античности) — гимнический хор «Привет тебе, прекраснейшая» с колокольными перезвонами. В басу, однако, мощно звучит роковой нисходящий тетрахорд (в лидийском варианте), кото­рый в последних тактах превращается в секвенцию «Dies irae», предвещая трагический эпилог (№ 25) – возвращение первого хора («О Фортуна»).

Вторая сценическая кантата под латинским названием «Catulli Carmina, ludi scaenici» – «Песни Катулла, сценические игры» – была завершена семь лет

¹ В дальнейшем этот ритм станет излюбленным у Орфа и после «Анти­гоны» получит наименование «ритм судьбы».

спустя, хотя первый ее эскиз возник еще до «Carmina Burana», под впечатлением посещения в июле 1930 года полуострова Сирмион на озере Гарда близ Вероны. Здесь стояла вилла рим­ского поэта Гая Валерия Катулла (87 – около 54 года до н.э.), прославившегося любовной лирикой. Тогда Орф написал семь хоров a cappella, повествующих о несчастной любви Катулла к Лесбии, через тринадцать лет – еще три номера на стихи Катулла и присоединил к ним хоровой пролог и эпилог на соб­ственный текст на средневековой латыни¹.

В отличие от «Carmina Burana», здесь имеется последова­тельно развивающийся сюжет. Это история горестной любви Катулла к прекрасной, но не признающей никаких моральных запретов Лесбии: она покидает поэта ради волокит, перед которыми пляшет в таверне, а затем предается любви с его вероломным другом Целием. Катулл пробует утешиться с кра­соткой Ипситиллой и безобразной потаскухой Амеаной, но тщетно: он не в силах ни забыть, ни простить Лесбию. Пролог и эпилог, носящие латинские названия «прелюзио» и «эксо­диум» (так называлась заключительная часть античной коме­дии), также играют иную роль, чем в «Carmina Burana»: они придают «Песням Катулла» назидательность, сближая с «по­учительной пьесой», с притчей. Вечно повторяющаяся история обманутого влюбленного, ветреной красавицы и коварного друга должна послужить наглядным уроком, аргументом в спо­ре, возникшем в прологе между распаленной страстью моло­дежью и скептически настроенными старцами.

Персонажи пролога, согласно режиссерским указаниям Орфа, располагаются на авансцене: слева – юноши (тенора), справа – девушки (сопрано), в центре на помосте – девять старцев (басы). Они остаются на своих местах в течение всего спектакля и молча созерцают «сценическую игру» (лишь дваж­ды старцы выражают одобрение происходящему краткими речевыми возгласами). Центральный раздел произведения -собственно «Песни Катулла» – представляет собой пантомиму с пением в трех актах и двенадцати номерах, которую разыг­рывают мимы (Катулл, Лесбия, Целий, гетеры, волокиты). Хор a cappella и два солиста – тенор и сопрано – помещаются в оркестре. Таким образом, «сценическая игра» близка, с одной

¹ В «сценические игры» не вошел № 3 из сборника 1930—1931 годов.

стороны, мадригальной комедии эпохи Возрождения или Во­инственным и любовным мадригалам любимого Орфом Мон­теверди, а с другой – «Байке про лису» не менее ценимого Стравинского.

Даже самые интимные любовные излияния совсем не обяза­тельно поручаются солистам (что заставляет вспомнить прием «очуждения» в «эпическом театре» Брехта). Так, трагическое признание «Ненавижу и все же люблю», открывающее первый акт и без изменения повторенное в третьем (№ 8), – плакат­ный, четко ритмизованный хор, то с примитивной унисонной восходящей темой, то с излюбленным Орфом трехзвучным остинато. Хор служит и характеристикой отчаявшегося Катул­ла (№ 11 – «Несчастный Катулл»). Этот самый развернутый номер «сценической игры» – по определению О. Леонтьевой, хор-монолог, отпевание любви – построен в форме вариаций на basso ostinato и отмечен жесткой аккордовой темой из сеп­тим и кварт. Завершающие его реплики солистов очень кратки («Катулл!», «Лесбия!») и не имеют мелодической высоты -обозначены лишь ритм и оттенки исполнения.

В первой любовной сцене (№ 3 – «Катулл и Лесбия рас­полагаются у колонны. Катулл засыпает на груди Лесбии») наряду с хором участвуют оба солиста. Однако соло тенора лишено песенности, это омузыкаленное произнесение слова, где ритм и мелодика определяются стихом: чередование двух-трех звуков по принципу слог – нота, в свободном темпе, без обо­значения размера, с тактами неравной длины. Концы фраз, как эхо, подхватывает сопрано, а затем декламацию тенора повто­ряет пятиголосный хор. Трагическое прозрение Катулла, узнав­шего, что его любимая Лесбия за большие деньги продается в переулках любому римлянину, воплощено в чисто речевом номере (№ 4): солист-тенор, затем мужской хор произносят текст в четко обозначенном размере, темпе, оттенках, и лишь последний возглас «о моя Лесбия» озвучен октавным скачком. В любовной сцене, открывающей второй акт (№ 6 – «Ночь. Катулл спит на улице перед домом Лесбии. Грезя, видит себя в доме Лесбии, в ее объятиях. Лесбия ласкает возлюбленного»), как и в аналогичной сцене первого акта, преобладает звучание хора, и только фразы Лесбии широко распеты солирующим сопрано, завершаясь истаивающей на pianissimo высокой нотой.

Единственный в кантате сольный номер (№ 9) посвящен от­нюдь не раскрытию сложных любовных переживаний поэта: это непритязательная песенка на достаточно ироничный текст письма к красотке Ипситилле распаленного страстью Катул­ла («пообедав, хочу тебя проведать» и т. п.). Близок ей по настроению следующий номер – «Амеана, потрепанная дев­ка», только здесь фразы солиста чередуются со смехом хора.

Иные выразительные средства применены в обрамляющих «сценическую игру» хорах. Они ближе к первой кантате Орфа и по литературному языку (средневековая латынь), и по разма­ху формы (особенно хор пролога – в эпилоге повторен лишь первый его раздел), и по масштабам звучности, и по составу оркестра, аналогичного последним хорам «Carmina Burana» (№ 20, 22). Как и там, исключены струнные и духовые, при этом число ударных и фортепиано еще более увеличено (4 фор­тепиано и 10—12 исполнителей на ударных; в первой кантате соответственно 2 и 5). Общие черты с «Carmina Burana» мож­но найти в мелодике, ритмике, гармонии хора молодежи (как и в оргиастическом характере ее любовных игр, и в грубо на­туралистической откровенности текста). Бесконечным повто­рам слов соответствует монотонный ритмический рисунок ров­ными четвертями, длительное псалмодирование на одной ноте, почти неизменно выдержанная гармония минорной тоники, которая в заключительных тактах каждого раздела сменяется мажорной. Нарастание напряжения создается приемами, более простыми, чем в первой кантате: за счет чередования звучнос­ти, темпа, групп хора, включения вспомогательных нот и даже крика солистов на кульминациях.

Приемы характеристики старцев контрастны: преобладает более облегченная звучность - пение a cappella, ритмизо­ванная речь без сопровождения, хор divisi (девять басов разде­ляются на две группы) и переклички солиста с хором; вместо аккордовой фактуры используется редчайшее для Орфа поли­фоническое сочетание двух мелодических линий.

Последняя кантата Орфа под итальянским названием «Trionfo di Afrodite, concerto scenico» «Триумф Афро­диты, сценический концерт» (1951), создава­лась в качестве финала кантатной трилогии. Замысел принад-

лежал театральному художнику К. Нееру и возник в 1948 году, незадолго до премьеры «Антигоны» Орфа, которую Неер оформлял.

В сюжетном отношении «Триумф Афродиты» отличен от «Carmina Burana» и «Песен Катулла»: это свадебный обряд с пунктирно намеченной линией событий и безымянными персо­нажами - Невестой и Женихом (что заставляет вспомнить «Свадебку» Стравинского, хотя здесь обряд не славянский, а греко-римский). Однако связь с предыдущей кантатой весьма отчетлива: в обоих произведениях использованы стихи Катул­ла. В «Триумфе Афродиты» из его поэзии Орф выбрал жанр эпиталамы – свадебной песни, в которой Катулл подражал древнегреческой поэтессе Сафо (Катуллов перевод трех строф Сафо встречается и в предыдущей кантате – в № 3). Такое подражание составляет текст первой части («Антифонное пение девушек и юношей к Весперу в ожидании невесты и жениха»), а большая свадебная поэма Катулла разделена между чет­вертой («Воззвание к Гименею») и самой развернутой, пятой частью («Свадебные игры и песни перед опочивальней»). С «Carmina Burana» «Триумф Афродиты» роднит многоязычие: классическая латынь в данном случае соседствует с древнегре­ческим, впервые привлекшим внимание Орфа. Это свободно смонтированные самим композитором сохранившиеся строки эпиталам Сафо во второй части («Свадебный кортеж и прибы­тие невесты и жениха») и третьей («Невеста и жених»), а также хор из трагедии Еврипида «Ипполит» в седьмой части («По­явление Афродиты»). Источник греческого текста шестой час­ти до сих пор остается неустановленным (возможно, это подра­жание древнегреческим образцам, принадлежащее самому Орфу).

Близок «Триумф Афродиты» к первой кантате Орфа и по составу исполнителей и масштабам: почти такой же симфо­нический оркестр с расширенной группой ударных и тремя фортепиано; три хора – двойной, большой, танцующий; три корифея хора – тенор, сопрано, бас; два солиста. Однако, в отличие от «Carmina Burana» и аналогично прологу и эпилогу «Песен Катулла», хор здесь персонифицирован: это девушки, юноши и старики, родные и друзья новобрачных, народ. Как уже говорилось, впервые персонифицированы и солисты – не просто сопрано и тенор, а Невеста и Жених.

Авторское обозначение «Триумфа Афродиты» как концерта определило общее эмоционально-стилевое отличие этой канта­ты от предыдущих: преобладание крупного штриха, что сказа­лось и в делении на семь больших частей, из которых пять -хоровые, нередко с антифонным соревнованием двух хоров; господство праздничности, декоративности, блеска - – при от­сутствии контрастных темных красок, печальных эмоций и какого-либо конфликта; виртуозность исключительно сложных сольных вокальных партий.

Показательно, что первая часть «Триумфа Афродиты», в противоположность предыдущим кантатам, открывается сольным звучанием – напряженными возгласами корифея-те­нора, захватывающими высокий регистр, и содержит виртуоз­ные каденции обоих корифеев. Сольная импровизационная мелизматика, нередко с предельными верхними нотами, отли­чает начало третьей части («Невеста и Жених») и шестой («Пе­ние новобрачных»). Последняя представляет собой лирический дуэт за сценой («в свадебной опочивальне») почти без сопро­вождения – лишь флажолеты альтов и контрабасов, тремоло маримбафона, тарелок и ксилофона поддерживают колорату­ры, которые завершаются экстатическим криком. В таком типе мелодики, обычно возникающем в частях с греческим текстом, сам Орф и исследователи его творчества усматривали связи с пышными, узорчатыми византийскими песнопениями. В то же время подобное воплощение кульминации любовного востор­га было намечено еще в «Carmina Burana» (краткое соло сопра­но № 23). Как и в «Песнях Катулла», в «Триумфе Афродиты» встречаются соло ненотированные, но четко ритмизованные, с подробными ремарками, касающимися манеры произнесения текста (в среднем разделе пятой части это соло корифея-баса в сопровождении ударных и тремоло трех фортепиано; в по­следнем разделе, «Эпиталаме», такая декламация чередуется с несколькими нотированными тактами).

Иные выразительные средства в хорах. Преобладает длительное псалмодирование на одной ноте с отклонениями на секунду вверх и вниз и внезапными октавными скачками-возгласами (что, возможно, связано с попыткой передать на­певную речитацию хора древнегреческой трагедии). Унисонное псалмодирование сменяется столь же длительными секундовыми, квартово-секундовыми, квинтовыми остинато, «вращающимся»

движением параллельными терциями и секстаккордами. Такие хоры с аккомпанементом набора ударных напоминают неслож­ные первые номера «Шульверка», а в сопровождении мощных и красочных tutti с ведущей ролью трех фортепиано – празд­ничные народные картины Стравинского (начало четвер­той части прямо перекликается с масленичным гулянием в «Петрушке»). В кульминационные же моменты использован говорящий ритмизованный хор и даже крик – подобно обрам­ляющим хорам «Песен Катулла».

Отмеченные черты общности трех кантат позволили Орфу объединить эти произведения в цикл под итальянским назва­нием «Trionfe, trittico teatrale» — «Триумфы, театральный трип­тих»¹. Обнаруживаются и текстовые переклички, подчерки­вающие идею триумфа любви. В кульминационном номере «Carmina Burana» (№ 24) возлюбленная сравнивается с Ве­нерой; так же называют девушек юноши в хоре пролога «Песен Катулла»; «Триумф Афродиты» начинается воззванием к Весперу – планете Венере, а завершается явлением самой Афродиты – римской Венеры. При этом циклизация заставля­ет переосмыслить первую кантату. Исполненная отдельно, «Carmina Burana» утверждает победу рока: неумолимое колесо Фортуны сбрасывает человека с высот любви. Однако, когда таков финал только начальной части триптиха, это восприни­мается всего лишь как временное вторжение судьбы, и во вто­рой части победительницей признается любовь, хотя ее триумф и омрачен изменами. Последняя часть триптиха, где нет ни од­ного контрастного по настроению эпизода, окончательно за­крепляет торжество любви.

Единство цикла достигается и принципами построения. Общая форма триптиха – монументальные многохорные ком­позиции крайних частей в сопровождении большого симфони­ческого оркестра и камерная средняя с более краткими номера­ми a cappella - находит отражение в форме отдельных кантат. «Carmina Burana» состоит из трех частей, обрамленных хоро­вым прологом и эпилогом, крайние части развернуты (восемь и десять номеров), средняя – значительно короче (четыре но­мера с преобладанием сольных). «Песни Катулла» также состо-

¹ Аналогично окончательной редакции (1940) обработок театральных со­чинений Монтеверди («Орфей», «Жалоба Ариадны», «Балет неблагодарных»).

ят из трех частей, обрамленных хоровым прологом и эпилогом, в первой и третьей частях – по пяти номеров (причем началь­ные одинаковы), во второй части – два номера. Построение «Триумфа Афродиты» более текуче, устремлено к финальной кульминации, но и здесь можно обнаружить если не трехчаст­ную, то своеобразную концентрическую форму: по краям хоры в честь Венеры (воззвание к Весперу и явление Афродиты), второй круг обрамления – камерный (третья и шестая час­ти – дуэты Невесты и Жениха на греческом языке), в цент­ре – хоры на текст большой свадебной песни Катулла.

Сам жанр «Триумфов» связывает произведения Орфа с раз­личными историческими пластами европейской культуры: от эпохи Возрождения (пышные карнавальные представления, особенно во Флоренции, «Триумфы» Петрарки, триумф Бе­атриче в последней песне «Божественной комедии» Данте и др.) — в античность, к триумфам императорского Рима и Древ­ней Греции, объединяя два тысячелетия под знаком торжества гуманизма, естественных человеческих чувств. Таким образом, «Триумфы» противостоят и бесчеловечности фашистского ре­жима, в условиях которого Орф начал работать над ними, и послевоенной разрухе, и тревогам «холодной войны», когда они были закончены, и угрозе атомной бомбы, экологической гибели, машинизации и дегуманизации всей современной куль­туры. Обращенные к массам, «Триумфы» в то же время не принадлежат к массовому развлекательному искусству; сам Орф однажды назвал их постановку – по аналогии с вагнеров­ским «торжественным сценическим представлением» (авторское определение жанра «Кольца Нибелунга») — «элитарным сцени­ческим представлением».

Дата добавления: 2015-05-22