Раннее Возрождение (15 в.)

Кватроченто (итал. guattrocento – четыреста) – итальянское наименование 15 в.

Формирование территориальных школ и взаимодействие различных художественных течений. Просвещённое меценатство.

Семейство Медичи. Период медицейской культуры.

Козимо Медичи (1389-1464) – центральная фигура не только Флоренции, но и всей Европы, один из самых влиятельных и богатых людей своего времени. Славилась его знаменитое собрание драгоценностей, монет, медалей, камей, книг. Козимо Медичи был меценатом, его любимыми архитекторами были Брунеллески и Микеланджело. Его правление обеспечило Флоренции процветание.

Лоренцо Медичи, прозванный «Великолепный» (1449-1492) – характернейший представитель возрожденческого универсализма, поэт, политик, тиран, философ, меценат. Двор Лоренцо Медичи – центр художественной культуры.

Развитие гуманистической мысли. Учреждение платоновской академии. Основание Лауренцианской библиотеки.

Новое направление в архитектуре. Синтетическая переработка наследия средневековой итальянской архитектуры (романского зодчества, инкрустационного стиля Флоренции, строительной техники).

Итальянские палаццо: роскошные особняки дворцового типа; как правило, располагались в центре города; обычно кубической формы, плоскостные, с сильно выдвинутым карнизом на фасаде. В Риме, Венеции, Флоренции – трёхэтажные, в городах северной Италии – двухэтажные. Первые палаццо напоминают крепостные сооружения романо-готического стиля: аскетичная форма, небольшие окна, на первом этаже – решётки. Лучшие палаццо – во Флоренции. Образец палаццо – Палаццо Строцци (архитектор Бенедетто да Майано).

Филиппо Брунеллески (1377-1446) – родоначальник нового направления, один из величайших мастеров Возрождения, «человек, наделённый пылкой фантазией и определивший своим творчеством будущее» (М.Дворжак).

Купол Собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. Градостроительное и художественное значение купола: самый крупный в Италии и Европе (почти такой же, как диаметр римского Пантеона – 42 м); сооружение, «вздымающееся к небесам» и «осеняющее собой все тосканские народы» (Л.Б.Альберти); ярко выраженный внешний пластический объём; гигантские размеры; укрупнённыё масштаб частей здания; простота форм; каркасная система.

Воспитательный дом во Флоренции – первый образец стиля раннего Возрождения: принцип «открытого плана», ясность и простота пропорций, система парусных сводов; характерный тип аркады; колоннада – «символ приветливого гостеприимства и солнечного просторного места ожидания» (Я.Бурхардт).

Капелла Пацци при церкви Санта-Кроче во Флоренции – одно из самых ярких произведений Брунеллески: своеобразное применение ордера для художественной организации стены; нарядность интерьера; тип базиликанского храма; широкое применение в интерьере скульптурной и орнаментальной раскрашенной керамики.

Брунеллески очень «сдержан, строг, лаконичен. Он не любит никакой пышности, никакого великолепия» (В.Н.Лазарев).

Леон Батиста Альберти (1404-1472) – крупнейший архитектор 15 в., первый теоретик итальянского искусства (трактат «Десять книг о зодчестве» и др.).

Достоинство и величие архитектуры – главный девиз Альберти. Альберти «замыкает ту линию гражданского гуманизма, которая получила наиболее полное развитие на почве Флоренции» (В.Н.Лазарев).

Палаццо Ручеллаи во Флоренции: новаторство пластической выразительности; ордерная трактовка фасада.

Церковь Санта Мария: сочетание новых форм с полихромной мраморной инкрустацией в духе флорентийского инкрустационного стиля 12-13 вв.

Церковь Сант Андреа в Мантуе: самое значительное произведение Альберти; новая пространственная трактовка базиликанского храма; единство приёмов композиции внешней архитектуры и интерьера.

Понятие decorum: особая представительность и значительность художественных форм. Преобразование принципа синтеза пластических искусств. Процесс эмансипации скульптуры и живописи.

Лоренцо Гиберти (1378-1455) – один из выдающихся скульпторов Возрождения: устремлённость к реализму; одна из главных задач – создать живописно монументальный декоративный рельеф.

Гиберти занял первое место в конкурсе на северные двери флорентийского баптистерия, над которыми работал более 20 лет. «Каждая из двадцати восьми рельефных композиций этих дверей была исполнена на религиозный сюжет и вписывалась в квадрифолии (четырёхлистниковые обрамления), ещё связанные своей замысловатой колючей формой с готической традицией. Внутренние линии круглящихся линий композиций вторят обрамлениям, подчёркивая декоративность общего решения» (М.Т.Кузьмина).

Восточные ворота, выполненные Гиберти, стали достопримечательностью Флоренции. По словам Микеланджело, «они так прекрасны, что достойны стать вратами рая». «Вместо измельчённых готических квадрифолиев эти двери украшают десять крупных, вписанных в прямоугольные поля многофигурных рельефов, уподобленных сложным многоплановым живописным композициям. Лирическая красота образов, правильность пропорций фигур, живое изящество форм иллиний, богатство пейзажных и архитектурных фонов, сочность растительных орнаментов обрамления – всё это составляет единый ансамбль нового реалистического искусства» (М.Т.Кузьмина).

«Искусство Гиберти – совсем особый случай в истории кватрочентистской художественной культуры…он сумел учесть те сдвиги, которые произошли не по его инициативе во флорентийском искусстве второго-третьего десятилетия 15 века…он никогда не порывал с традициями ''мягкого стиля''. Так родился уникальный симбиоз из элементов поздней готики и раннего Возрождения» (В.Н.Лазарев).

Донателло (1386-1466) – один из родоначальников ренессансного искусства в Италии, крупнейший реформатор итальянской скульптуры, ученик Гиберти. Для его манеры характерно пристрастие к острохарактерным, индивидуальным образам. Донателло «не чуждался уродливого и устрашающего, если только это обладало художественной выразительностью, и если через это можно было выявить характер человека... Донателло творит удивительные по своей одухотворённости и трагизму жизнеощущения вещи, которые остаются одинокими на жизнерадостном фоне флорентийской культуры той поры, зато во многом предвосхищают художественные идеи позднейшего времени» (В.Н.Лазарев).

Статуи пророков для украшения кампанилы (колокольни) Флорентийского собора: простонародность лиц; портретное сходство с современниками; тяжеловесность и преувеличенность фигур, не умещающихся в нишах; новаторская моделировка складок плаща, подчёркивающих движение фигуры.

Бронзовая статуя Давида, украсившая внутренний двор палаццо Медичи во Флоренции, – первая в ренессансной скульптуре обнажённая статуя. В ней сочетаются античные традиции и возрожденческая индивидуализированность и напряжённость образа: «прекрасно моделированное обнажённое тело – угловатое сухощавое тело подростка» (О.М.Персианова). Фигура Давида рассчитана на круговой обзор, что ещё было новшеством.

Конный памятник кондотьера Эразма ди Нарии, прозванного Гаттамелатой («пёстрая кошка») в Падуе, – первый конный монумент в эпохе Возрождения; первый образец чисто светского искусства; одно из самых ярких воплощений человека времени; свободная моделировка формы; «выразительно-портретная голова» (Т.В.Ильина); простота постамента; перекличка с античным памятником Марку Аврелию; взаимосвязь памятника с архитектурным ансамблем.

Андреа Вероккио (1436-1488) – самый известный ученик Донателло, учитель Леонардо да Винчи. Наиболее примечательные черты стиля: изысканность, аристократичность, театральность.

Наиболее значительные произведения – бронзовая статуя Давида; конный монумент кондотьера Коллеоне в Венеции.

Мазаччо (1401-1428-29) – основоположник ренессансной живописи, человек, «одержимый искусством, безразличный ко всему, что лежало за его пределами, беспечный и рассеянный» (О.М.Персианова), за что и получил прозвище Мазаччо (итал. – «мазила»).

Для стиля Мазаччо характерно: создание собирательного образа человека; новаторство светотени; жизненный драматизм. Мазаччо первым решил главные проблемы кватроченто – линейной и воздушной перспективы. Огромная заслуга Мазаччо, определившая его место в искусстве, – его умение «связывать в единое действие фигуры и пейзаж драматически и вместе с тем вполне естественно передавать жизнь природы и людей».

Основным трудом всей жизни Мазаччо явились росписи капеллы Бранкаччи – фрески флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине (заказчик Филиче Бранкаччи изображён на одной из фресок в образе апостола Фомы). Мазаччо проявил поразительное композиционное мастерство: его фигуры группируются соответственно повествовательному замыслу, свободно располагаются в пейзаже, они телесны, монументальны. Капелла стала школой для многих поколений художников.

«Мазаччо – примечательное явление в истории итальянского искусства. Он обладал счастливым даром взирать на мир как бы сквозь увеличительное стекло – человек становился в его произведениях особо значительным, утрачивая все второстепенные черты, формы обретали невиданную монументальность, пространство получало такой размах и такую широту, по сравнению с которыми все изображения на тречентистских фресках и картинах кажутся затеснёнными и скованными» (В.Н.Лазарев).

Одни из самых известных флорентийских монастырских художников – Фра Джованни Беато Анджелико (1387-1455) и Фра Филиппо Липпи (ок. 1406-1469). «Фра» означает «брат», так монахи обращались друг к другу.

Анджелико – монах доминиканского ордена, для его манеры характерны сказочность и лиризм стиля; нарядные ангелы; жизнерадостный, светлый, колорит. Особенно трогательны образы мадонн, написанные по средневековой традиции на золотом фоне.

Липпи – монах, ставший бродячим художником, яркий и своеобразный представитель раннего Возрождения. Его образы отличаются колористической сдержанностью, светскостью. В нежном образе «Мадонны под вуалью» изобразил свою возлюбленную.

Развитие повествовательной живописи. Новеллистическая интерпретация религиозных сюжетов. Усиление линейности, предвосхищающее Боттичелли.

Сандро Боттичелли (1444-1494) – один из самых выдающихся художников в истории живописи, любимый художник Медичи, глава мастеров медицейской школы. Дж.Вазари называет его «приятным, легкомысленным», «странным и ленивым». С точки зрения многих исследователей живопись Боттичелли указывает на кризис изобразительных систем в 1-ой пол 15 в. «Прекрасное» у Боттичелли не может быть отождествлено с «прекрасным» в природе или в классическом искусстве.

Поэтическое видение Боттичелли основывается на отступлении от «нормального» видения. Например, «история» для него – поэтическое и грустное воспоминание, а не воспроизведение событий прошлого.

«Св. Себастьян»: взяв традиционную тему «героической фигуры» объединил тему героя и мученика, мотив христианского святого и мотив языческого бога. В картине отсутствует первый план между пейзажем и персонажем. Вся фигура развёртывается по вертикали. Лучи света под разными углами освещают её и делают почти прозрачной.

«Поклонение волхвов» истолковывается как светский сюжет, как весёлая церемония. Все персонажи взяты из окружения Медичи. У ног богоматери – Козимо Медичи; крайний справа, лицом к зрителям – сам Боттичелли. Почти полностью отсутствует пейзаж, традиционно включаемый в этот сюжет. О Востоке напоминает только павлин. Развалины, скалы напоминают сценическую площадку. Боттичелли как будто открыто показывает, что это всего лишь вымысел. Исследователи полагают, что идея «вымысла» занимает в творческом сознание Боттичелли большое место.

Самые популярные светские картины – «Весна» и «Рождение Венеры».

Источником «Весны» является отрывок из Апулея, что придаёт ей оттенок «интерпретации», истолкования. Очень часто картину сравнивают с гобеленом, так как в ней почти отсутствует движение. Покрытое цветами пространство кажется наклонной плоскостью, и только в группе трёх Граций движение передаётся наклоном фигур и развевающимися тканями. Персонажи создаются не одной линей, а «пучками», объединёнными единым ритмом.

«Рождение Венеры», по мнению некоторых исследователей, – вызов чувственности, настолько прозрачны и чисты формы и линии прекрасного женского тела, клубящихся волос на фоне почти плоского пейзажа.

Интересное сопоставление Боттичелли и Леонардо дано у Л.Вентури: «контуры у Боттичелли отличаются от контуров у Леонардо большей резкостью…У Леонардо единство изображаемой сцены держится на том, что все её элементы подчинены общей идее распределения светлых и тёмных частей... Боттичелли придерживается иной тенденции. Вольности, допускаемые Боттичелли при изображении тела, проистекают не от незнания анатомии, а из самого воображения художника, стремящегося в пропорциях тела выразить в первую очередь жизнь человеческой души, а отнюдь не точные размеры реального тела». По словам Д.Рескина, в Боттичелли возродился дух Греции, но, как отмечает Л.Вентури, эллинизм Боттичелли заключается в его «интеллектуальном и моральном благородстве».

Исследователи обращают внимание на характерное для боттичеллиевских мадонн отрешённое выражение лица, привычное и безмятежное самоуглубление, в результате чего мадонна и младенец автономны, самодостаточны. Например, цветок, которым играет младенец, скорее, «разлучает» мать и дитя, каждый «слишком» увлечён им, тогда как в таком же сюжете у Леонардо цветок объединяет мадонну с младенцем в единую «сценку».

У Боттичелли создан особый тип женских образов. Это почти всегда юные печальные девушки с заметно несимметричными чертами лица, ямочкой на подбородке, с несколько увеличенными скулами, заплаканными, припухшими и покрасневшими веками. Исследователи отмечают странную посадку головы и шеи, как будто бы «сдвинутых» в сторону.

Узнаваемы и неповторимы особые, прозрачные и воздушные «воланы», окутывающие прекрасные тела; развевающиеся змееподобные волосы; изысканные, «зависающие» в пространстве танцующие позы.

Особым является изощрённый колорит Боттичелли: художник предпочитает приглушённые цвета, стремится создать единую синевато-сероватую гамму. Основой композиционных и цветовых решений является линия, ритм деталей.

Линия – одно из главных средств выразительности у Боттичелли: «это чистые, отвлечённые элементы движения, не связанные с какой бы то ни было изобразительностью…сгусток движения. Искусство Боттичелли – это линейно-декоративная живопись» (Б.Бернсон).

Боттичелли умеет «сообщать своей красоте характер знойности. Стройное становится у него хрупким, утончённое – болезненным. Больше всего он любит пряную красоту весны. Его увлекают острые локти и худощавые плечи молодых девушек; в своём увлечении он развивает их одежды и застаёт в неосторожных положениях. Он погружается в блестящие взоры юных ангелов, его приковывают воспалённые уста Мадонны; он следует за нежной её рукой, скользящей по телу младенца» (Г. фон Аллеш).

Боттичелли поражает способностью совмещать «интимный психологизм с отчётливостью линий и рисунка» (А.Ф.Лосев).

Иллюстрации к «Божественной комедии» Данте. Существует мнение, что гений Боттичелли не созвучен гению Данте, поэтому иллюстрации скорее разочаровывают. Тем не менее, общепризнанна их совершенная неповторимость. Во всех рисунках к «Божественной комедии» нет раскраски, нет стереотипной композиции, для них характерны тонкость, хрупкость форм, драматическая патетика. В иллюстрациях заметна «светотеневая лепка штрихом» (Б.Бернсон). Данте и Беатриче изображаются в круге, она несколько выше и не отличается красотой. Фигуры невесомы, прозрачны, беспомощны. Кажется, что они только разыгрывают движение, не обращая друг на друга внимания. В целом создаётся ощущение рассредоточенности, отсутствия центра, «заброшенности» человека в беспредельный, бестелесный мир.

Пьеро делла Франческа (ок. 1410/20-1492) – связующее звено между живописью Мазаччо и Леонардо да Винчи, один из крупнейших монументалистов и теоретиков живописи раннего Возрождения, представитель умбрийской школы. В его творчестве чувствуется склонность к «торжественным позам и любовь к строгой форме» (А.Хаузер), «имперсональность» образов (Н.А.Белоусова). Наиболее прославленное его творение – росписи церкви Сан-Франческо в Ареццо.

Андреа Мантенья (1431-1506) – самый знаменитый представитель искусства северной Италии, падуанской школы, учёный, археолог, теоретик, один из крупных знатоков античности. Его привлекают обобщённые и героизированные образы людей, суровые, строгие лица. Для его стиля характерна «жёсткость и угловатость» (М.Т.Кузьмина), гипертрофированная экспрессия, патетика. Мантенья предпочитает необычные ракурсы, позволяющие нарушить автоматизм восприятия, открывающие в обычных сценах «ужас правды» («Мёртвый Христос»).

Антонелла да Мессина (ок. 1430-1479) – один из выдающихся художников в истории живописи, исключительно самобытное и оригинальное явление раннего итальянского Возрождения. Общее место во всех работах об искусстве Антонелло – его связь с нидерландкой культурой. Появление в Мессине, где не было большой художественной школы, такого живописца, каким явился Антонелло, всем кажется странным. В творчестве Антонелло неповторимым образом сочетаются традиции нидерландского, провансальского, иберийского и итальянского искусства.

Наиболее полно творчество Антонелло де Мессины изучено В.Н.Гращенковым. Исследователь отмечает, что значительное место в творчестве Антонелло занимают портреты. Интересно, что в одной и той же картине обнаруживаются различные живописные истоки: в «Ecce homo», например, «экспрессия скорбной гримасы лица идёт от нидерландского прототипа, героическая мощь обнажённого торса – от итальянского ренессансного искусства». Как правило, человек изображается на портретах Антонелло погрудно, в трёхчетвертном повороте, со взглядом на зрителя. На переднем плане – парапет, а бюст человека находится чуть в глубине. Эта придаёт портрету эффект «мягкой световоздушности: лицо, обращённое навстречу свету, падающему слева, тонко моделируется прозрачными тенями, которые постепенно сгущаются к краям картины и становятся совершенно непроницаемыми на заднем плане». Специфически изображается взгляд: «чуть скошенный в сторону, противоположную повороту головы, и оттого напряжённый, этот взгляд немигающих глаз, направленный прямо на зрителя, завораживает нас своей цепкой настойчивостью…Но самое примечательное в портрете Антонелло – улыбка. Ещё более, чем пристальный взгляд, устремлённый на нас, эта холодная, угрожающе-насмешливая улыбка способствует острой жизненности образа и чрезвычайно активизирует эмоции зрителя».

Дата добавления: 2015-06-26